Robert Morris - Ein Künstler und Bildhauer wie kein anderer

Robert Morris definierte Kunst, indem er sie kaum definierte. Er sagte: „Kunst ist in erster Linie eine Situation.“ Wenn man das in menschlichen Begriffen umformuliert, stellen Sie sich vor, Sie treffen Morris auf einer Party und er wird Ihnen als „Robert Morris, Künstler“ vorgestellt. Ihre Reaktion auf diese Vorstellung wäre ganz anders, als wenn er als „Robert Morris, Wissenschaftler“ oder „Robert Morris, Klempner“ vorgestellt würde. Jedes Etikett hat seine eigenen Konnotationen. Wie Sie auf jedes reagieren würden, hängt von vielen Dingen ab, wie der Art der Party, wer die anderen Gäste sind und was Ihre eigenen persönlichen Annahmen über Künstler, Wissenschaftler und Klempner sind. Wenden Sie nun dasselbe Denken auf Kunst an. Betrachten Sie zum Beispiel das ikonische Werk von Morris Untitled (Pink Felt) (1970). Dieses Stück besteht im Grunde aus einer Menge rosa Filzstreifen, die auf einem Haufen auf dem Boden geworfen sind. Wenn Sie ihm zum ersten Mal begegnen würden, würden Sie natürlich sofort beginnen, intellektuell mit ihm zu interagieren. Aber die Richtung, in die Ihr Intellekt Sie führen würde, wäre ganz anders, wenn Ihnen gesagt wird, der Filzhaufen sei Kunst, als wenn Ihnen gesagt wird, es seien Reste von einem Bauprojekt. Wie alles andere im Leben wird Kunst nicht durch ihre physische Beschreibung, ihre formalen Qualitäten oder sogar ihre konzeptionelle Grundlage definiert. Umstände sind alles. Etwas könnte Kunst sein oder es könnte keine Kunst sein – es hängt alles von der Situation ab.

Was Kunstwerke ausmacht

Robert Morris begann seine College-Karriere als Ingenieurstudent, daher ist es vielleicht keine Überraschung, dass er seine Kunstkarriere mit einem grundlegenden Bewusstsein für die zugrunde liegenden Prozesse, die Dinge zum Funktionieren bringen, gestaltete. Er hatte nicht nur immer ein Interesse an den Prozessen gezeigt, die zur Schaffung eines Kunstwerks führen, sondern auch eine anhaltende Faszination für die zugrunde liegende Frage, was ein Kunstwerk im utilitaristischen Sinne ist – was sein Zweck ist, was seine Bedeutung ist und welchen Nutzen es für die Menschheit hat. Im Rahmen seiner Suche nach Antworten auf diese Fragen erkundete er viele verschiedene Formen künstlerischen Ausdrucks. Neben Malerei, Zeichnung und Skulptur arbeitete er in den Bereichen Tanz, Choreografie, Theater und Musik. Früh in seiner Kunstkarriere interessierte er sich für die Rolle, die Bewegung in den Bühnenkünsten spielt, und für die Art und Weise, wie Bewegung auch mit den plastischen Künsten in Beziehung steht. Er begann nicht nur, ästhetische Objekte als Relikte performativer Gesten zu sehen, sondern auch ihre endgültige Form als irrelevant, da die zugrunde liegenden Prozesse ihrer Schaffung der wahre Ausdruck des kreativen Funkens waren.

Robert Morris - Untitled, 1974, Dunkelgraue Filz, Metallösen, 107 × 220 × 43 in, 271,8 × 558,8 × 109,2 cm, Castelli Gallery, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Zwei frühe Werke, die Morris 1969 schuf, kommunizierten deutlich seine Gefühle zum kreativen Prozess. Eines hieß Untitled (Scatter Piece), und das andere hieß Continuous Project Altered Daily. Beide wurden in der Leo Castelli Gallery Warehouse in der West 108th Street in New York City ausgestellt. Scatter Piece war genau das, was es klingt – eine Menge von Objekten, die in einem Raum verstreut waren. Die Hälfte der Objekte bestand aus weichem Filz, und die andere Hälfte war aus Metall. Die Dimensionen und das Aussehen der Objekte wurden durch eine Mischung aus Zufälligkeit und willkürlichen Entscheidungen bestimmt. In der Zwischenzeit war Continuous Project eine Ansammlung von Schmutz und Abfällen, die in der Stadt gesammelt wurden. Jeden Tag kam Morris herein und nahm Änderungen an Continuous Project vor, fügte etwas hinzu, zog etwas ab oder bewegte Elemente davon. Das Aussehen oder die Anordnung der Objekte war irrelevant. Der Sinn beider Werke war es einfach, die Menschen hereinzulassen und sich um die verschiedenen Elemente zu bewegen, damit sie sich in der Gegenwart von Dingen fühlen und Teil der Situation werden konnten.

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, Filz, Stahl, Blei, Zink, Kupfer, Aluminium, Messing, Maße variabel, Installationsansicht in der Leo Castelli Gallery, New York. Foto Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Bewusstsein für Objekte im Raum

Morris setzte seine Erkundung der Vorstellung fort, dass formale Überlegungen irrelevant sind, indem er Werke für Galerien und Museen schuf, die die einfachsten geometrischen Formen verwendeten. Er stellte große Würfel, „L“-Formen, quadratische Bögen und Kästen her. Jedes Objekt sollte nur von Menschen im Raum interagiert werden. Neben der Schaffung von Werken für Galerien und Museen war Morris auch ein Pionier der Land Art-Bewegung. Land Art ist Kunst, die außerhalb existiert und die natürliche Umgebung nutzt. Sie ist im Wesentlichen ätherisch und nicht archivfähig. Morris nutzte Land Art, um eine Barriere zwischen Menschen und Räumen, die für sogenannte Kunst vorgesehen sind, zu beseitigen. Eines seiner monumentalsten Werke der Land Art ist The Observatory. Es befindet sich in Flevoland, Niederlande, und besteht aus zwei konzentrischen Erdkreisen, auf denen jetzt Gras wächst. Vier Eingänge im äußeren Kreis sind mit dem Sonnenaufgang an den Tagundnachtgleichen ausgerichtet, was das Werk zu einer Art modernen Stonehenge macht.

Robert Morris - Observatorium, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Eine der auffälligsten jüngsten Skulpturen, die Morris geschaffen hat, ist sein Glass Labyrinth, das dauerhaft auf dem Gelände des Nelson-Atkins Museum of Art in Kansas City, Missouri (der Stadt, in der er geboren wurde) installiert ist. Von oben betrachtet ist das Labyrinth ein Dreieck, das von einem geometrischen Labyrinth durchzogen ist. Die Menschen betreten das Labyrinth und arbeiten sich durch die Wege, bis sie einen Ausgang finden. Die Wände sind sieben Fuß hoch und aus einem Zoll dickem Glas gefertigt. Es ist das klarste Glas auf der Erde, sodass die Menschen, während sie durch das Labyrinth gehen, nicht erkennen können, wie viele Glasscheiben zwischen ihnen und der Außenwelt stehen. Das Werk fasst viel von dem zusammen, was Morris ausmacht. Es besteht aus einfachen geometrischen Formen und bietet dennoch ein tiefgreifendes physisches Erlebnis; seine Präsenz wird durch die Umstände seiner Umgebung bestimmt; es ist eng mit der Natur verbunden; es ist vergänglich und verändert sich ständig, während die sich ständig verändernde Welt darin sichtbar ist; und am wichtigsten ist, dass sein Status als Kunst von seiner Situation abhängt – einer Situation, die nie vollständig ist, bis einer von uns erscheint, um mit ihm zu interagieren und es ganz zu machen.

Robert Morris - Glaslabyrinth, 2013, Glas, Stahl, Bronze und Stein, 50 x 50 x 50 Fuß, 15,24 x 15,24 x 15,24 Meter, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Vorschaubild: Robert Morris - Untitled (Pink Felt), 1970, Filzstücke in verschiedenen Größen, Gesamtabmessungen variabel, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Panza Collection, 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio