Robert Morris - Ein Künstler und Bildhauer wie kein anderer

Robert Morris definierte Kunst, indem er sie kaum definierte. Er sagte: „Kunst ist in erster Linie eine Situation.“ Um das in menschlichen Begriffen auszudrücken: Stellen Sie sich vor, Sie treffen Morris auf einer Feier und er wird Ihnen als „Robert Morris, Künstler“ vorgestellt. Ihre Reaktion auf diese Vorstellung wäre ganz anders, als wenn er zum Beispiel als „Robert Morris, Wissenschaftler“ oder „Robert Morris, Klempner“ vorgestellt würde. Jede Bezeichnung hat ihre eigenen Bedeutungen. Wie Sie auf jede reagieren würden, hängt von vielen Dingen ab, wie der Art der Feier, wer die anderen Gäste sind und welche persönlichen Vorstellungen Sie von Künstlern, Wissenschaftlern und Klempnern haben. Wenden Sie nun dieselbe Denkweise auf Kunst an. Betrachten Sie zum Beispiel das ikonische Werk von Morris Untitled (Pink Felt) (1970). Dieses Werk besteht im Grunde aus einem Haufen rosa Filzstreifen, die auf dem Boden liegen. Wenn Sie ihm zum ersten Mal begegnen würden, würden Sie natürlich sofort intellektuell damit interagieren. Doch die Richtung, die Ihr Verstand einschlagen würde, wäre ganz anders, wenn Ihnen gesagt würde, der Filzhaufen sei Kunst, als wenn man Ihnen sagte, es seien Reste von einem Bauprojekt. Wie bei allem im Leben wird Kunst nicht durch ihre physische Beschreibung, ihre formalen Eigenschaften oder sogar ihre gedankliche Grundlage definiert. Die Umstände sind alles. Etwas kann Kunst sein oder auch nicht – es hängt ganz von der Situation ab.

Was Kunst ausmacht

Robert Morris begann sein Studium als Ingenieur, daher ist es vielleicht keine Überraschung, dass er seine künstlerische Laufbahn mit einem grundlegenden Bewusstsein für die zugrundeliegenden Prozesse führte, die Dinge zum Funktionieren bringen. Er hatte nicht nur immer Interesse an den Prozessen gezeigt, die zur Entstehung eines Kunstwerks führen, sondern auch eine anhaltende Faszination für die grundlegende Frage, was ein Kunstwerk im praktischen Sinn ist – welchen Zweck es hat, welche Bedeutung es trägt und welchen Nutzen es für die Menschheit besitzt. Im Rahmen seiner Suche nach Antworten auf diese Fragen erforschte er viele verschiedene Ausdrucksformen der Kunst. Neben Malerei, Zeichnung und Bildhauerei arbeitete er in den Bereichen Tanz, Choreografie, Theater und Musik. Früh in seiner künstlerischen Laufbahn interessierte er sich für die Rolle der Bewegung in den Bühnenkünsten und für die Art und Weise, wie Bewegung auch mit den plastischen Künsten zusammenhängt. Er begann nicht nur, ästhetische Objekte als Überreste performativer Gesten zu sehen, sondern auch ihre endgültige Form als unwichtig zu betrachten, da die zugrundeliegenden Prozesse ihrer Entstehung der wahre Ausdruck des schöpferischen Funkens waren.

Robert Morris - Untitled, 1974, Dunkelgrauer Filz, Metallösen, 271,8 × 558,8 × 109,2 cm, Castelli Galerie, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Zwei frühe Werke, die Morris 1969 schuf, brachten seine Gefühle zum kreativen Prozess deutlich zum Ausdruck. Eines hieß Untitled (Scatter Piece), das andere Continuous Project Altered Daily. Beide wurden im Lagerhaus der Leo Castelli Galerie in der West 108th Street in New York City ausgestellt. Scatter Piece war genau das, was der Name vermuten lässt – eine Ansammlung von Gegenständen, die in einem Raum verstreut lagen. Die Hälfte der Gegenstände bestand aus weichem Filz, die andere Hälfte aus Metall. Die Größe und das Aussehen der Gegenstände wurden durch eine Mischung aus Zufall und willkürlichen Entscheidungen bestimmt. Continuous Project war eine Ansammlung von Schmutz und Abfällen, die in der Stadt gesammelt wurden. Jeden Tag kam Morris und veränderte Continuous Project, indem er Elemente hinzufügte, entfernte oder verschob. Das Aussehen oder die Anordnung der Gegenstände war unwichtig. Der Sinn beider Werke war es, dass Menschen hereinkommen und die verschiedenen Elemente bewegen, um sich selbst in der Gegenwart der Dinge zu spüren und Teil der Situation zu werden.

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, Filz, Stahl, Blei, Zink, Kupfer, Aluminium, Messing, variable Maße, Installationsansicht in der Leo Castelli Galerie, New York. Foto Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Bewusstsein für Objekte im Raum

Morris setzte seine Erforschung der Idee fort, dass formale Überlegungen unwichtig sind, indem er Werke für Galerien und Museen schuf, die die einfachsten geometrischen Formen verwendeten. Er fertigte große Würfel, „L“-Formen, quadratische Bögen und Kästen an. Jedes Objekt war nur dazu gedacht, von Menschen im Raum berührt zu werden. Neben der Arbeit für Galerien und Museen war Morris auch ein Wegbereiter der Land Art-Bewegung. Land Art ist Kunst, die draußen existiert und die natürliche Umgebung nutzt. Sie ist im Wesen oft flüchtig und nicht archivwürdig. Morris nutzte Land Art, um eine Barriere zwischen Menschen und den für sogenannte Kunst vorgesehenen Räumen aufzuheben. Eines seiner monumentalsten Land Art-Werke ist The Observatory. Es befindet sich in Flevoland, Niederlande, und besteht aus zwei konzentrischen Erdkreisen, auf denen heute Gras wächst. Vier Eingänge im äußeren Kreis sind auf den Sonnenaufgang zu den Tagundnachtgleichen ausgerichtet, wodurch das Werk eine Art modernes Stonehenge darstellt.

Robert Morris - Observatory, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Eine der eindrucksvollsten neueren Skulpturen von Morris ist sein Glaslabyrinth, das dauerhaft auf dem Gelände des Nelson-Atkins Museums of Art in Kansas City, Missouri (der Stadt, in der er geboren wurde) installiert ist. Von oben betrachtet ist das Labyrinth ein Dreieck, das von einem geometrischen Irrgarten durchzogen wird. Menschen betreten das Labyrinth und arbeiten sich durch die Wege, bis sie einen Ausgang finden. Die Wände sind sieben Fuß hoch und aus einem Zoll dickem Glas gefertigt. Es ist das klarste Glas der Welt, sodass die Menschen beim Durchschreiten des Labyrinths nicht erkennen können, wie viele Glasscheiben zwischen ihnen und der Außenwelt liegen. Das Werk fasst vieles zusammen, wofür Morris steht. Es besteht aus einfachen geometrischen Formen und bietet dennoch ein tiefgreifendes körperliches Erlebnis; seine Präsenz wird durch die Umstände seiner Umgebung bestimmt; es ist eng mit der Natur verbunden; es ist vergänglich und verändert sich ständig, da die sich ständig wandelnde Welt in ihm sichtbar ist; und am wichtigsten ist, dass sein Status als Kunst von seiner Situation abhängt – einer Situation, die erst vollständig ist, wenn einer von uns erscheint, um mit ihm zu interagieren und es ganz zu machen.

Robert Morris - Glaslabyrinth, 2013, Glas, Stahl, Bronze und Stein, 15,24 x 15,24 x 15,24 Meter, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Titelbild: Robert Morris - Untitled (Pink Felt), 1970, Filzstücke verschiedener Größen, Gesamtabmessungen variabel, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Panza Sammlung, 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio