Warum Naum Gabo für die Skulptur des 20. Jahrhunderts entscheidend war
Naum Gabo war einer der wesentlichen „wichtigen Künstler“ des 20. Jahrhunderts. Er wurde von seiner Zeit geprägt und entwickelte eine künstlerische Position, die seine Zeit und auch unsere im Gegenzug prägte. Was seinen Beitrag besonders beeindruckend macht, ist, dass er unter Umständen litt, die leicht jemanden niedergeschlagen machen könnten. Aber anstatt der Depression oder Niederlage zu erliegen, entdeckte er die Wege, wie Kunst mit dem Alltag interagierte, und schuf Werke, die seine Sichtweise und die vieler anderer verbesserten. Darüber hinaus war Gabo Teil der Generation von Künstlern, die sich vorstellte, dass ein Künstler nicht an eine bestimmte Art von kreativem Ausdruck gebunden sein muss. Die Werke, die Gabo schuf, umfassen viele Disziplinen, von Skulptur über Malerei bis hin zu Architektur und Theaterdesign. Er sah den Künstler nicht als isolierte Figur allein in einem Raum mit seinem Genie, sondern als sozial engagierten kreativen Botschafter, dessen Vorstellungskraft ein Kanal für die Verbreitung einer Vielzahl von Erfahrungen und Konzepten sein konnte. Pionier des Konstruktivismus; Schlüsselmitglied von Abstraction-Création; Wegbereiter der kinetischen Kunst; Gabo ist wahrlich ein Beispiel für Künstler jeder Generation, wie man sich nicht nur mit seiner Arbeit ausdrücken kann, sondern auch, wie man seine Arbeit und sein Selbst in das Gewebe seiner Kultur integriert.
Der Weg zum Konstruktivismus
Geboren in eine Familie mit sieben Kindern in Bryansk, Russland, wurde Gabo im Alter von 14 Jahren von der Schule verwiesen, weil er "subversive" Poesie schrieb. Mit 15 Jahren erlebte er während der anderthalbjährigen Russischen Revolution von 1905 die Gräueltaten aus erster Hand. Die Bilder, die er von Arbeitern sah, die auf der Straße geschlagen wurden, festigten sein Bewusstsein als sozialer Revolutionär und Querdenker. Aber in diesem jungen Alter war Gabo noch kein Künstler. Seine erste Berührung mit Kunst hatte er erst in seinen 20ern. Mit 21 Jahren schrieb er sich in die medizinische Fakultät ein und sagte, er wolle seine Mutter heilen, die unter Kopfschmerzen litt. Bald änderte er seinen Fokus und wechselte schnell zwischen den Fächern, studierte zuerst Mathematik, dann Naturwissenschaften, Philosophie und Ingenieurwesen. Erst als er 1912 einen Kunstgeschichtskurs belegte und Über das Spirituelle in der Kunst von Wassily Kandinsky las, hatte Gabo eine Erleuchtung und erkannte, wie die Künstler seiner Generation ihre Überzeugungen mit anderen Aspekten des modernen Lebens verbanden. Inspiriert, sein kreatives Leben zu beginnen, zog er mit seinem Bruder Antoine Pevsner, der ebenfalls Künstler wurde, nach Paris.
Naum Gabo - Bronzeguss des Alabasters in ‚Konstruktion mit Alabaster-Schnitzerei‘, 1966. Bronze und Plexiglas. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 Zoll; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Auflage 4/6. Foto mit freundlicher Genehmigung von Annely Juda Fine Art, London.
Während seines Aufenthalts in Paris besuchte Gabo den Salon des Indépendants und verband sich mit den Arbeiten der führenden abstrakten und modernistischen Künstler seiner Generation. Diese Erfahrung verwandelte seine Ansichten darüber, was Kunst sozial und politisch erreichen könnte. Er begann, figürliche Skulpturen zu schaffen, kam jedoch schnell zu der Erkenntnis, dass die veralteten Methoden der historischen Kunst als "tot" anzusehen seien. Zusammen mit seinem Bruder veröffentlichte Gabo 1920 das Realistische Manifest. Es verurteilt die Vergangenheit zugunsten der Zukunft, indem es Farbe als bildnerisches Element ablehnt; Linie als imaginäres, grafisches Element zurückweist; Volumen zugunsten der "kontinuierlichen Tiefe" der Realität verleugnet; Masse als skulpturale Notwendigkeit ablehnt; und statische Kunst zugunsten der "kinetischen Rhythmen" disavowiert. Es endet mit der Erklärung, dass, „Die Kunst ist dazu berufen, den Menschen überall zu begleiten, wo sein unermüdliches Leben stattfindet und handelt: an der Werkbank, im Büro, bei der Arbeit, in der Ruhe und in der Freizeit; an Werktagen und Feiertagen, zu Hause und unterwegs, damit die Flamme des Lebens im Menschen nicht erlischt.“ Zu der Zeit, als er diese epische Proklamation veröffentlichte, war Gabo 30 Jahre alt. Er hatte bereits ein episches Leben gelebt, das ihn perfekt darauf vorbereitete, als Revolutionär in der Welt der abstrakten Kunst des frühen 20. Jahrhunderts aufzutreten.
Naum Gabo - Sphärisches Thema: schwarze Variation, 1937. Transparentes Rhodoid und schwarzes Celluloid.
16 7/10 Zoll Durchmesser; 42,5 cm Durchmesser. Foto mit freundlicher Genehmigung von Galerie Natalie Seroussi
Platz schaffen
Eine zentrale Idee, die Gabo zur Geschichte der Skulptur hinzufügte, war, dass eine Masse nicht geschnitzt oder gegossen werden muss, damit eine Skulptur entstehen kann. Seine Methode war eine des "Konstruierens", bei der eine Form aus unterschiedlichen Elementen so aufgebaut wird, dass Raum zwischen den Elementen existieren kann – eine Bedeutung des Begriffs Konstruktivismus. Eine andere Bedeutung dieses Wortes, Konstruktivismus, hat mit dem wörtlichen Schaffen von Kunst zu tun, die konstruktiv ist, was bedeutet, dass sie utilitaristisch oder nützlich für die Gesellschaft ist. Gabo glaubte, dass seine Methode des Bauens von Skulpturen auch dieser Beschreibung entsprach, da sie die Idee des Raums verkörperte, eine moderne Idee, die von Albert Einstein in seiner Allgemeinen Relativitätstheorie aus dem Jahr 1915 ausgedrückt wurde, und der Zeit, ein Element, das Gabo seinen kinetischen Werken hinzufügte, da er Bewegung sowohl als wörtlichen als auch als künstlerischen Ausdruck des Vergehens von Momenten sah.
Naum Gabo - Lineare Konstruktion im Raum Nr. 1, 1943. Lucite mit Nylonfaden.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 Zoll; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Phillips Collection
Als Gabo nach Russland zurückkehrte, wo er hoffte, seine konstruktivistischen Ideen zum Wohle seines Heimatlandes zur Reife zu bringen, gewann die Ära des Sozialistischen Realismus an Schwung. Seine abstrakte Arbeit war für sein Heimatland von keinem Wert, also war er erneut gezwungen zu reisen. Er verbrachte Zeit in Deutschland, wo er Freundschaft mit wichtigen Mitgliedern des Bauhauses schloss; in Paris, wo er Bühnenbilder und Kostüme für das Ballett entwarf und Künstler wie Piet Mondrian freundete; und in England, wo er Freundschaften mit Mitgliedern der St. Ives School schloss, wie Barbara Hepworth und Ben Nicholson. Schließlich kam Gabo nach dem Zweiten Weltkrieg nach Amerika, wo er seine ästhetische Position bis zu seinem Tod 1977 weiterentwickelte. Die Arbeit, die er hinterließ, ist sowohl ein Ergebnis seiner Erfahrungen als auch eine Antwort darauf. Seine Vision entstand aus der Idee, dass die menschliche Zivilisation historisch gesehen nicht viel mehr als Chaos und Gewalt ausgemacht hat. Er zeigte durch seine Kunst, dass oberflächliche Dinge nicht so wichtig sind wie innere Substanz und universelle Rhythmen. Seine Bedeutung liegt nicht nur in der Einzigartigkeit seiner ästhetischen Vision, sondern auch in der Art und Weise, wie seine Arbeit veranschaulicht, wie abstrakte Kunst mit dem Alltag interagieren kann, um eine harmonischere Welt zu schaffen.
Vorschaubild: Naum Gabo - Weißer Stein, 1963-1964. Helles graues Marmor auf schwarz lackiertem Marmor. 18 1/10 × 23 1/5 Zoll; 46 × 59 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung von Annely Juda Fine Art, London.
Von Phillip Barcio
