Warum Naum Gabo für die Skulptur des 20. Jahrhunderts entscheidend war
Naum Gabo war einer der prägendsten „wichtigen Künstler“ des 20. Jahrhunderts. Er wurde von seiner Zeit geprägt und entwickelte eine künstlerische Haltung, die wiederum seine Zeit und unsere prägte. Was seinen Beitrag besonders beeindruckend macht, ist, dass er Umstände erlebte, die jemanden leicht verbittert hätten. Doch statt in Depression oder Niederlage zu versinken, entdeckte er die Wege, wie Kunst mit dem Alltag verwoben ist, und schuf Werke, die seine Sichtweise und die vieler anderer verbesserten. Außerdem gehörte Gabo zu jener Künstlergeneration, die sich vorstellte, dass ein Künstler nicht an eine bestimmte Art des schöpferischen Ausdrucks gebunden sein muss. Die Werke, die Gabo schuf, umfassen viele Disziplinen, von der Bildhauerei über die Malerei bis hin zur Architektur und Bühnenbild. Er sah den Künstler nicht als isolierte Gestalt allein in einem Raum mit seinem Genie, sondern als gesellschaftlich engagierten schöpferischen Botschafter, dessen Vorstellungskraft ein Kanal für die Verbreitung vielfältiger Erfahrungen und Ideen sein konnte. Pionier des Konstruktivismus; wichtiges Mitglied von Abstraction-Création; Wegbereiter der kinetischen Kunst; Gabo ist wahrhaft ein Vorbild für Künstler jeder Generation, wie sie sich nicht nur mit ihrer Arbeit ausdrücken, sondern wie sie ihre Werke und sich selbst in das Gewebe ihrer Kultur einfügen können.
Der Weg zum Konstruktivismus
Geboren in eine Familie mit sieben Kindern in Brjansk, Russland, wurde Gabo mit 14 Jahren von der Schule verwiesen, weil er „aufsässige“ Gedichte schrieb. Mit 15 erlebte er die Gräueltaten der anderthalb Jahre andauernden Russischen Revolution von 1905 aus nächster Nähe mit. Die Bilder von auf den Straßen geprügelten Arbeitern festigten sein Bewusstsein als sozialer Revolutionär und Querdenker. Doch in diesem jungen Alter war Gabo noch kein Künstler. Seine erste Berührung mit Kunst hatte er erst in seinen Zwanzigern. Mit 21 schrieb er sich für ein Medizinstudium ein, da er seine Mutter heilen wollte, die unter Kopfschmerzen litt. Bald änderte er seinen Schwerpunkt und wechselte rasch zwischen Fächern, studierte zuerst Mathematik, dann Naturwissenschaften, Philosophie und Ingenieurwesen. Erst als er 1912 einen Kunstgeschichtskurs belegte und Über das Geistige in der Kunst von Wassily Kandinsky las, hatte Gabo eine Erleuchtung und erkannte, wie die Künstler seiner Generation ihre Überzeugungen mit anderen Aspekten des modernen Lebens verbanden. Inspiriert, sein schöpferisches Leben zu beginnen, zog er mit seinem Bruder Antoine Pevsner, der ebenfalls Künstler wurde, nach Paris.
Naum Gabo – Bronzeguss des Alabasters in „Konstruktion mit Alabaster-Schnitzerei“, 1966. Bronze und Plexiglas. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 Zoll; 38 × 46,2 × 12,9 cm. Auflage 4/6. Foto mit freundlicher Genehmigung von Annely Juda Fine Art, London
Während seines Aufenthalts in Paris besuchte Gabo den Salon des Indépendants und kam mit den Werken der führenden abstrakten und modernen Künstler seiner Generation in Kontakt. Diese Erfahrung veränderte seine Auffassung davon, was Kunst gesellschaftlich und politisch bewirken kann. Er begann, figürliche Skulpturen zu schaffen, erkannte aber schnell, dass die altmodischen Methoden der historischen Kunst „tot“ waren. Zusammen mit seinem Bruder veröffentlichte Gabo 1920 das Realistisches Manifest. Es verurteilt die Vergangenheit zugunsten der Zukunft, lehnt Farbe als bildliches Element ab; verneint Linie als imaginäres, grafisches Element; weist Volumen zugunsten der „kontinuierlichen Tiefe“ der Wirklichkeit zurück; lehnt Masse als bildhauerische Notwendigkeit ab; und verwirft statische Kunst zugunsten der „kinetischen Rhythmen“. Es endet mit der Erklärung, „Die Kunst ist berufen, den Menschen überall zu begleiten, wo sein unermüdliches Leben stattfindet und wirkt: an der Werkbank, im Büro, bei der Arbeit, in der Ruhe und in der Freizeit; an Arbeitstagen und Feiertagen, zu Hause und unterwegs, damit die Lebensflamme im Menschen nicht erlischt.“ Als er diese epochemachende Erklärung veröffentlichte, war Gabo 30 Jahre alt. Er hatte bereits ein episches Leben geführt, das ihn perfekt darauf vorbereitete, als Revolutionär in der Welt der abstrakten Kunst des frühen 20. Jahrhunderts hervorzutreten.
Naum Gabo – Sphärisches Thema: schwarze Variation, 1937. Transparentes Rhodoid und schwarzes Zelluloid.
Durchmesser 16 7/10 Zoll; 42,5 cm Durchmesser. Foto mit freundlicher Genehmigung Galerie Natalie Seroussi
Raum schaffen
Eine zentrale Idee, die Gabo zur Geschichte der Bildhauerei beitrug, war, dass eine Masse nicht geschnitzt oder gegossen sein muss, damit eine Skulptur entsteht. Seine Methode war das „Konstruieren“, das Bauen einer Form aus verschiedenen Elementen, sodass Raum zwischen den Teilen entsteht – eine Bedeutung des Begriffs Konstruktivismus. Eine andere Bedeutung dieses Wortes bezieht sich darauf, Kunst buchstäblich konstruktiv zu schaffen, also nützlich oder dienlich für die Gesellschaft. Gabo war der Ansicht, dass seine Methode des Skulpturenbaus auch diese Beschreibung erfüllte, da sie die Idee des Raumes verkörperte, eine moderne Vorstellung, die Albert Einstein in seiner Allgemeinen Relativitätstheorie von 1915 darlegte, sowie die Zeit, ein Element, das Gabo seinen kinetischen Werken hinzufügte, da er Bewegung sowohl als wörtlichen als auch als künstlerischen Ausdruck des Vergehens von Momenten sah.
Naum Gabo – Lineare Konstruktion im Raum Nr. 1, 1943. Lucite mit Nylonfaden.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 Zoll; 61,3 × 61,6 × 25,1 cm. Phillips Collection
Als Gabo nach Russland zurückkehrte, wo er hoffte, seine konstruktivistischen Ideen im Dienst seines Heimatlandes zur Reife zu bringen, gewann die Epoche des Sozialistischen Realismus an Fahrt. Seine abstrakten Werke waren für seine Heimat wertlos, sodass er erneut reisen musste. Er verbrachte Zeit in Deutschland, wo er enge Kontakte zu wichtigen Mitgliedern des Bauhauses knüpfte; in Paris, wo er Bühnenbilder und Kostüme für das Ballett entwarf und Künstler wie Piet Mondrian kennenlernte; und in England, wo er Mitglieder der St. Ives-Schule wie Barbara Hepworth und Ben Nicholson traf. Schließlich kam Gabo nach dem Zweiten Weltkrieg nach Amerika, wo er seine ästhetische Haltung weiterentwickelte, bis er 1977 starb. Das Werk, das er hinterließ, ist sowohl eine Folge seiner Erfahrungen als auch eine Antwort darauf. Seine Vision entstand aus der Vorstellung, dass die menschliche Zivilisation historisch kaum mehr als Chaos und Gewalt hervorgebracht hatte. Er zeigte durch seine Kunst, dass Oberflächlichkeiten nicht so wichtig sind wie innerer Gehalt und universelle Rhythmen. Seine Bedeutung liegt nicht nur in der Einzigartigkeit seiner ästhetischen Sichtweise, sondern auch darin, wie seine Werke zeigen, dass abstrakte Kunst mit dem Alltag in Dienst einer harmonischeren Welt verbunden sein kann.
Abgebildet: Naum Gabo – Weißer Stein, 1963-1964. Hellgrauer Marmor auf schwarz bemaltem Marmor. 18 1/10 × 23 1/5 Zoll; 46 × 59 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung Annely Juda Fine Art, London.
Von Phillip Barcio
