Shara Hughes - Traditionelle repräsentative Landschaften untergraben

Shara Hughes schafft Gemälde, die entschieden zeitgenössisch sind, und doch rufen die künstlichen Landschaften, die sie heraufbeschwört, Vergleiche mit einer Vielzahl ästhetischer Traditionen aus der Vergangenheit hervor. Ihre intuitive Lyrik erinnert mich an die mystischen Kompositionen von Hilma af Klint; ihre Farbpalette und proto-modernistischen Pinselstriche lassen an Edvard Munch und die Symbolisten denken; die totale Bereitschaft, mit der Hughes dem Bedürfnis nach Inhalt nachgibt, erinnert an eine Mischung aus der Dekadenzbewegung und dem Romanticismus. Was all diese erprobten Stile gemeinsam haben, ist eine Umarmung der Intuition und ein Eingeständnis, dass selbst in der Figuration verborgene Geheimnisse existieren. Hughes ist definitiv eine Künstlerin in dieser Tradition. Sie ist eine visuelle Dichterin, die versucht, den Zuschauern etwas Narratives zu bieten, an dem sie sich festhalten können, während sie uns gleichzeitig in den Wald ihrer Vorstellungskraft ruft. Was wir in diesem Wald sehen, ist oft nicht schön. Es ist manchmal abscheulich. Die Ästhetik, die Hughes entwickelt hat, ist manchmal brutal und unbeholfen. Ihre Bilder sehen oft aus wie Zeichnungen, die von einem Kind gemacht und an einen Kühlschrank gehängt wurden. Hughes umarmt diese unbeholfene Ästhetik auf die gleiche Weise, wie es Künstler wie Dubuffet und Basquiat taten. Aber das Ungeheuer, das in ihren Gemälden lauert, ist gedämpfter und gruseliger. Hughes untergräbt unsere anfängliche Annahme über ihre Absicht, indem sie auf subtile Weise ankündigt, dass sie eine ausgebildete Künstlerin ist, die Spaß daran hat, schlecht zu malen – nicht weil Hughes hofft, an einen Ort naiver Reinheit zurückzukehren, sondern um die hochmütige Raffinesse abzuschütteln, die so viel zeitgenössische Kunst plagt. Diese künstlichen Landschaften aus ihrem Geist sind ein Ausdruck des demokratischen Ansatzes, den Hughes verfolgt, der Individualität und Idiosynkrasie mehr wertschätzt als Virtuosität und ebenso viel Wert auf das legt, was verborgen ist, wie auf das, was bekannt ist.

Ein mentaler Raum

Hughes beginnt jedes ihrer Gemälde mit einer Reihe intuitiver Gesten. Sie könnte etwas Farbe auf eine rohe Leinwand gießen und sie herumwirbeln oder mit einer Sprühdose einige Punkte auf die Oberfläche sprühen. Dies sind vorläufige Ausbrüche von Energie, die dann ihr Auge zu der Komposition führen, die darum kämpft, sich zu entfalten. Wenn sie die fertigen Landschaften beschreibt, die letztendlich aus ihren frühen Strichen entstehen, sagt Hughes, sie „verbinden sich mehr mit einem Raum in deinem Kopf als mit einem Bild.“ Sie meint, sie fließen vollständig aus Vorstellungskraft und Instinkt. Dennoch kann ich nicht anders, als diese Gemälde zuerst als Bilder zu identifizieren. Unabhängig von ihren geheimnisvollen Wurzeln verwenden sie klassische Tropen der Landschaftsmalerei. Ich sehe Horizontlinien, Himmelskörper, die sich in Gewässern spiegeln, und natürliche Elemente im Vordergrund, die die Hintergrundszenerie verschleiern und Perspektive sowie Tiefe in die Szene bringen. Diese Bilder sehen aus wie Orte, die ich schon einmal gesehen habe, entweder im echten Leben oder in Tausenden von anderen Landschaftsgemälden.

Shara Hughes, Deep Dry Cavern, 2016, Öl und Acryl auf Leinwand, 68 x 60 Zoll, mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Rachel Uffner Gallery

Allerdings gibt es in diesen Bildern auch reichlich Beweise für den mentalen Raum, von dem Hughes spricht – Beweise dafür, dass etwas anderes neben einem Bild ebenfalls am Werk ist. Es gibt Abschnitte der Leinwände, die auf rein abstrakten Ebenen operieren, wo Eindrücke, die durch formale Elemente wie Form, Farbe und Linie erzeugt werden, die narrative Ausdrucksweise, die die Komposition zu vermitteln versucht, dominieren. Kunsthistorische Referenzen sind zahlreich: gefärbte Schichten erinnern an Hinweise auf Helen Frankenthaler; verspielte Formen erinnern an Alexander Calder; ikonische kompositorische Taktiken rufen Barnett Newman und Georgia O’Keeffe hervor; und gestische Techniken kanalisieren die Energie und Freiheit von Joan Mitchell. In diesen Gemälden besteht das Gefühl, dass die Malerin, die sie geschaffen hat, so demokratisch sie auch zu sein versucht, die Beherrschung ihres Mediums besitzt und es nach Belieben einsetzen kann. Es gibt Momente, zum Beispiel in Gemälden wie "It's More Than a Guilty Pleasure" (2017), in denen die technische Raffinesse das Auge verblüfft. Hughes zeigt uns mit diesen Landschaften tatsächlich einen mentalen Raum: ihren eigenen mentalen Raum. Er ist gefüllt mit all den Einflüssen und Ängsten unserer Zeit, während er gleichzeitig versucht, frei von ihnen zu sein.

Shara Hughes, Narnia, 2017, Öl und Acryl auf Leinwand, 78 x 70 Zoll, courtesy of the artist and Rachel Uffner Gallery

Unbeholfenheit und Chaos

Am 24. September wird der Arts Club in London eine Ausstellung mehrerer neuer Werke von Hughes eröffnen. Eines der anderen vorherrschenden Gefühle, die ich beim Betrachten dieser neuen Werke erlebe, ist Verspieltheit. Ich habe das Gefühl, dass ich etwas betrachte, das von jemandem geschaffen wurde, der nicht einen Hauch von Selbstbewusstsein leidet. Das Werk ist voller Künstlichkeit, aber es ist die imaginative Art, wie jemand, der in einer Bar bei Drinks eine ausgeklügelte und unterhaltsame Lüge erzählt. Gemälde wie „Narnia“ (2017) und „One Last Step“ (2017) sind skurril und geradezu klobig in ihrer Bildsprache. In gewisser Weise finde ich sie abscheulich – die Farbbeziehungen schmerzen meinen Augen. Sie sind wie Anti-Schönheit – Bilder, die anscheinend dazu gedacht sind, den Verstand zu verunsichern. Aber sie sind auch magisch, wie metaphysische Gemälde des 19. Jahrhunderts ohne die vorab geplante nervige Absicht.

Shara Hughes, Spins From Swiss, 2017, Öl und Farbstoff auf Leinwand, 78 x 70 Zoll, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Rachel Uffner Gallery

Diese Unbeholfenheit und das Chaos, die ich in ihren Gemälden sehe, sind auch in ihrer Technik offensichtlich. Wenn ich Hughes in ihrem Atelier arbeiten sehe, kann ich erkennen, dass sie sich auf nachdenkliche, sorgfältige Weise mit ihren Prozessen und Werkzeugen auseinandersetzt, aber jedes Mal, wenn sie einen Pinsel oder einen Buntstift in die Hand nimmt, scheint es, als wäre es das erste Mal. Die Art, wie sie eine Sprühdose hält, hat nicht das Selbstbewusstsein eines Graffiti-Künstlers, sondern vielmehr die Unflexibilität eines Buchhalters. Dennoch zeigt Hughes auch körperliches Selbstbewusstsein. Sie ist in ihrer Präsenz ebenso fesselnd wie in ihrem Werk. Ihre Gemälde sind vielleicht ein Ausdruck ihrer Persönlichkeit oder eine Entfaltung davon. Sie sind vielleicht alle Selbstporträts sowie Landschaften. Sie zeigen uns Hughes in all ihrer unbeholfenen Brillanz. Der Effekt ist wie Chaos, gemischt mit Stoizismus und einer Prise Verspieltheit, was mich daran erinnert, dass diese Gemälde nicht die zynischen Produkte von jemandem sind, der versucht, einen Punkt zu machen. Sie sind aspirative Werke, die noch nicht wissen, was sie sind, das Ergebnis von Hughes, die nach etwas greift, das sie selbst nicht vollständig versteht.

Shara Hughes wird vom 24. September 2018 bis Januar 2019 im The Arts Club in Mayfair, London, zu sehen sein.

Vorschaubild: Shara Hughes, Es ist mehr als ein schuldig machendes Vergnügen, 2017, Öl und Acryl auf Leinwand, 68 x 60 Zoll, mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und der Rachel Uffner Gallery