Als Georgia O'Keeffe abstrakte Kunst schuf

Es ist eine Herausforderung, im Umgang mit Kunst die Klischees, Allegorien und Urteile, die andere ihr auferlegen, zu ignorieren und ihr einfach mit offenem Geist zu begegnen. Dies ist besonders schwierig bei Georgia O’Keeffe Kunst. In ihren 98 Lebensjahren schuf O’Keeffe eines der berühmtesten, beliebtesten und sofort erkennbaren Werke in der Geschichte der amerikanischen Kunst. Beispiele ihrer Arbeiten sind in den meisten großen amerikanischen Museen zu finden. Ihre Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen wurden von jedem bedeutenden Kritiker des vergangenen Jahrhunderts analysiert und bildeten die Grundlage für Bücher und Universitätskurse. Und doch, wenn man gebeten wird, über Georgia O’Keeffe Kunst zu sprechen, verbreiten viele von uns müßig eine begrenzte Auswahl auffallend ähnlicher Sichtweisen: dass O’Keeffe eine dekorative Künstlerin war, die den amerikanischen Südwesten liebte; dass sie eine gegenständliche Malerin war, deren bekannteste Bilder Blumen zeigen; und dass diese ikonischen Blumenbilder tatsächlich geheime Darstellungen von Vaginen sind. Im Jahr 2009 versuchte das Whitney Museum in New York, diese abgedroschenen Vorstellungen zu widerlegen, indem es die Ausstellung Georgia O’Keeffe: Abstraktion veranstaltete. Die Schau zeigte 125 abstrakte Werke von O’Keeffe, die zusammen darlegten, dass diese bedeutende amerikanische Künstlerin monumental missverstanden wurde. Doch trotz des Erfolgs der Whitney-Ausstellung und der anschließenden kritischen Neubewertung ihrer Arbeit wird Georgia O’Keeffe immer noch weitgehend als gegenständliche Malerin bezeichnet und mit Metaphern und Klischees über ihr Werk belastet. Die Menschen sprechen weiterhin darüber, was ihre Gemälde darstellen, anstatt wie sie einen fühlen lassen. Wenn wir jemals ihre Vision umfassender erfassen und ihren unverzichtbaren Beitrag zur zeitgenössischen Kunst verstehen wollen, müssen wir offen bleiben und einen tieferen Blick darauf werfen, was Georgia O’Keeffe als Pionierin der Abstraktion geleistet hat.

Eine amerikanische Proto-Abstraktionistin

Ob man nun auf die Arbeiten von Hilma af Klint, der schwedischen mystischen Malerin des 19. Jahrhunderts, die postimpressionistischen Maler wie Georges Seurat oder Visionäre wie Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich zurückblickt – die moderne Geschichte der abstrakten Kunst wird fast immer als in Europa oder Russland beginnend dargestellt. Doch es gibt Belege dafür, dass die in Wisconsin geborene Georgia O’Keeffe den gleichen Rang wie diese Wegbereiter verdient. Die ersten abstrakten Werke von O’Keeffe stammen mindestens aus dem Jahr 1915, dem gleichen Jahr, in dem Malevich Schwarzes Quadrat malte, und nur zwei Jahre nachdem Kandinsky seine ersten abstrakten Werke schuf. Doch ihr intellektuelles Verständnis der Möglichkeit, dass Abstraktion das Unbekannte kommunizieren kann, ist der Hauptgrund, warum O’Keeffe den gleichen Verdienst für die Erfindung der modernen abstrakten Kunst verdient.

Wie Klint, Seurat, Kandinsky und Malevich näherte sich O’Keeffe ihrer Arbeit mit philosophischer Ehrfurcht. Sie verstand Kunst als mehr als nur das Schaffen von Bildern und Gegenständen. Die Künstlerin betrachtete sie als möglichen Weg zum Ausdruck von etwas Tieferem. Wie Kandinsky sprach O’Keeffe über die Fähigkeit der Musik, tiefgründige Dinge abstrakt zu vermitteln. Sie sagte: „Singen schien mir immer das vollkommenste Ausdrucksmittel zu sein. Es ist so spontan. Und nach dem Singen denke ich an die Geige. Da ich nicht singen kann, male ich.“ Doch während Kandinsky zur Abstraktion griff, um etwas Geistiges und Universelles auszudrücken, versuchte O’Keeffe, etwas mehr, man könnte sagen, Amerikanisches auszudrücken. Sie versuchte, sich selbst auszudrücken.

Georgia O'Keeffe - Abstraktion Weiße Rose, 1927 (links) und Georgia O'Keeffe - Musik Pink und Blau II, 1927 (rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Das sind keine Blumen

Die frühesten abstrakten Werke von Georgia O’Keeffe waren einfache, elegante Kompositionen, die mit Kohle auf Papier gefertigt wurden. Die Bilder rufen die biomorphen Formen und Muster der Natur hervor. Doch anstatt in diesen Zeichnungen ihr Motiv direkt darzustellen, konzentrierte sie sich rein auf formale Elemente wie Linie, Form, Pinselstrich, Gestik und Gleichgewicht. Eine der großen Geschichten über diese Kohlezeichnungen ist, dass sie leicht der Geschichte verloren gegangen wären, wenn nicht ein hinterlistiger Freund gehandelt hätte. O’Keeffe teilte die Zeichnungen mit diesem Freund, der sie dann ohne Erlaubnis Alfred Stieglitz zeigte, dem Besitzer der 291 Galerie in Manhattan. Stieglitz erkannte die offensichtliche Schönheit und auffallende Modernität der Zeichnungen und entschied sofort, sie in seinem renommierten Raum auszustellen. So begann die professionelle Künstlerlaufbahn von Georgia O’Keeffe.

Kurz nachdem sie erstmals bei Stieglitz ausgestellt hatte, zog O’Keeffe nach New York. Im folgenden Jahrzehnt erweiterte sie ihre Erforschung der Abstraktion in großem Umfang. Sie schuf weiterhin Werke, die die ästhetischen Elemente und Kompositionen widerspiegelten, die sie in der Natur wahrnahm, und ging weit über ihre anfänglichen Kohlezeichnungen hinaus, um eine ausgeprägte Intuition für Farbzusammenhänge zu entwickeln. Ihr Einsatz von Farbe steigerte die Ausdruckskraft ihrer Gemälde erheblich. Doch was sie genau ausdrücken wollte, ist der Punkt, an dem ein häufiges Missverständnis ihrer Arbeit auftritt. Viele der Bilder, die sie in dieser Zeit schuf, wirken wie vergrößerte Fragmente von Blumen. Oder sie scheinen zumindest in direktem Gespräch mit den ästhetischen Qualitäten von Blumen zu stehen. Und vielleicht vermitteln sie tatsächlich etwas, das auch durch Blumen kommuniziert wird. Aber sie vermitteln auch etwas mehr. Wie O’Keeffe sagte: „Ich stellte fest, dass ich mit Farben und Formen Dinge sagen konnte, die ich auf keine andere Weise ausdrücken konnte – Dinge, für die ich keine Worte hatte. Ich musste ein Äquivalent schaffen für das, was ich fühlte, wenn ich das betrachtete – nicht es kopieren.“

Georgia O'Keeffe - Blume des Lebens (links) und Georgia O'Keeffe - Blume des Lebens II (rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Eine wahre Wegbereiterin

Um die 1930er Jahre, nach anderthalb Jahrzehnten der Konzentration auf abstrakte Bildwelten, begann O’Keeffe, ein breiteres Spektrum an Stilen und Einflüssen zu erforschen. Sie malte mehrere Jahre gegenständlich, kehrte dann zur Abstraktion zurück und schwankte oft hin und her, wobei sie häufig die Unterschiede zwischen den beiden Ansätzen infrage stellte. In ihren späteren Jahren schien sie manchmal direkt die Landschaften und natürlichen Gegenstände zu malen, die ihr Zuhause in New Mexico umgaben, wohin sie schließlich New York verließ. Doch das Wesen ihrer Arbeit blieb stets dasselbe. Ihr Ziel war es immer, ein Gefühl zu vermitteln, festzuhalten, wie sie sich fühlte, indem sie die Natur als Inspiration nutzte, nicht um dekorative Bilder der Natur so zu malen, wie sie objektiv erschien.

Auf ihrer lebenslangen Suche, Gefühle auszudrücken, erfand O’Keeffe viele wichtige ästhetische Untersuchungen. Sie zeigte Interesse an allumfassenden abstrakten Kompositionen, bei denen alle Bereiche der Bildebene gleich wichtig sind, lange bevor Clement Greenberg diese Leistung den Abstrakten Expressionisten zuschrieb. Sie konzentrierte sich auf die Flächigkeit der Bildebene, lange bevor dies für Post-Painterly Abstraktionisten von Bedeutung war. Sie interessierte sich für die transzendenten Kräfte abstrakter Farbflächen, lange bevor die Farbflächenkünstler ähnliche Interessen verfolgten. Und Jahrzehnte bevor sich der postmoderne Relativismus in die bildende Kunst einschlich, begriff O’Keeffe intuitiv die Idee, dass alle Stile, alle Ansätze, alle Techniken und alle Variationen innerhalb der Ästhetik in ihrem potenziellen Wert gleich sind und letztlich der Ehrlichkeit des Selbstausdrucks untergeordnet sind.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landschaft, New Mexico, Hinterhof von Mary S II, © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Die Formales annehmen

Vielleicht ist das, was an der Kunst von Georgia O’Keeffe missverstanden wurde, dasselbe, was so oft an aller Kunst missverstanden wird: die Vorstellung, dass Kunst definierbare Eigenschaften besitzen oder auf irgendeine Weise nützlich oder bedeutungsvoll für die Öffentlichkeit sein soll. Uns wird beigebracht, Kunstwerke danach zu beurteilen, ob sie uns gefallen oder nicht; die Phase der Beschreibung, die das Schauen und Fühlen erfordert, zu überspringen und stattdessen schnell zur Interpretation und zum Urteil zu eilen. Wir betrachten ein O’Keeffe-Gemälde nur lange genug, um einen Eindruck von etwas Bekanntem zu bekommen, wie etwa einer Blume oder einer Landschaft, und erklären dann O’Keeffe zur Malerin von Blumen und Landschaften. Wir bemerken, wie bestimmte Blütenteile bestimmten menschlichen Körperteilen ähneln, und erklären O’Keeffe zur geheimen Malerin figurativer Anspielungen. O’Keeffe schwankt zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit, und wir erklären sie für reaktionsfähig gegenüber Marktkräften oder öffentlichen Erwartungen. Aufgrund unserer persönlichen Meinungen zu solchen Dingen sagen wir: „Ich liebe es!“ oder „Ich hasse es!“

Doch diese Art der Kritik ist unreif. Um Georgia O’Keeffe Kunst oder jede andere Kunst tiefer zu verstehen, sollten wir in der Phase der Beschreibung verweilen, so lange wie möglich mit der Oberfläche, den Farben, den Tönen, den Linien, den Formen und den Beziehungen zwischen diesen Elementen interagieren. Lassen Sie die formalen ästhetischen Elemente des Werks singen. Spüren Sie den Rhythmus der Komposition. Ja, O’Keeffe sagte einmal berühmt: „Ich habe das Gefühl, dass es etwas Unerforschtes an der Frau gibt, das nur eine Frau erforschen kann.“ Aber anstatt sich zu zwingen, in ihren Gemälden ein Bild von Weiblichkeit zu sehen, öffnen Sie sich dafür, wie Weiblichkeit sich anfühlen könnte. Was Georgia O’Keeffe zu einer Pionierin der amerikanischen Abstraktion machte, war nicht, dass sie Bilder malte, die wie Amerika aussehen. Was sie zur Malerin der Weiblichkeit machte, war nicht, dass sie Bilder malte, die wie Teile des weiblichen Körpers aussehen. Was sie zur Pionierin der amerikanischen Abstraktion und zur Malerin der Weiblichkeit machte, war, dass sie die Einstellungen, Eindrücke und Gefühle malte, die für sie Amerika und Weiblichkeit ausmachten.

Georgia O'Keeffe - Serie I, Nr. 3, 1918 (links) und Georgia O'Keeffe - Serie 1, Nr. 8, 1918 (rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Titelbild: Georgia O'Keeffe - Grau Blau und Schwarz, Rosa Kreis (Detail), 1927, © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio