Als Georgia O'Keeffe abstrakte Kunst schuf

Es ist eine Herausforderung, beim Umgang mit Kunst die Klischees, Allegorien und Urteile, die andere darüber verhängt haben, zu ignorieren und einfach mit einem offenen Geist heranzutreten. Dies ist besonders schwierig bei Georgia O’Keeffe Kunst. In ihren 98 Lebensjahren schuf O’Keeffe eines der berühmtesten, geliebtesten und sofort erkennbaren Werke in der Geschichte der amerikanischen Kunst. Beispiele ihrer Arbeiten befinden sich in den meisten großen amerikanischen Museen. Ihre Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen wurden von jedem bedeutenden Kritiker des letzten Jahrhunderts dissected und bildeten die Grundlage für Bücher und Universitätskurse. Und doch, wenn wir gebeten werden, über Georgia O’Keeffe Kunst zu sprechen, propagieren viele von uns faul eine begrenzte Palette auffallend ähnlicher Perspektiven: dass O’Keeffe eine dekorative Künstlerin war, die den amerikanischen Südwesten liebte; dass sie eine figurative Malerin war, deren berühmteste Bilder Blumen sind; und dass diese ikonischen Blumenbilder tatsächlich geheime Bilder von Vaginas sind. Im Jahr 2009 versuchte das Whitney Museum in New York, diese abgedroschenen Vorstellungen zu untergraben, indem es die Ausstellung Georgia O’Keeffe: Abstraktion veranstaltete. Die Ausstellung zeigte 125 abstrakte Werke von O’Keeffe, die zusammen den Fall darlegten, dass diese wesentliche amerikanische Künstlerin monumentale Missverständnisse erfahren hat. Aber trotz des Erfolgs der Whitney-Ausstellung und der anschließenden kritischen Neubewertung, die ihre Arbeiten erhalten haben, wird Georgia O’Keeffe immer noch weitgehend als figurative Malerin bezeichnet und ist weiterhin mit Metaphern und Klischees über ihre Arbeit belastet. Die Menschen sprechen weiterhin darüber, wovon ihre Gemälde handeln, anstatt darüber, wie sie einen fühlen lassen. Wenn wir jemals ihre Vision umfassender erfassen und ihren unverzichtbaren Beitrag zur zeitgenössischen Kunst verstehen wollen, müssen wir einen offenen Geist bewahren und einen tieferen Blick darauf werfen, was Georgia O’Keeffe als abstrakte Pionierin erreicht hat.

Ein amerikanischer Proto-Abstraktionist

Ob zurückzuführen auf die Arbeiten von Hilma af Klint, der mystischen Malerin des 19. Jahrhunderts aus Schweden, auf Post-Impressionisten wie Georges Seurat oder auf Visionäre wie Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich, wird die moderne Geschichte der abstrakten Kunst fast immer gesagt, dass sie entweder in Europa oder Russland begonnen hat. Aber es gibt Beweise, dass die in Wisconsin geborene Georgia O’Keeffe gleichwertige Anerkennung mit diesen Innovatoren verdient. Die ersten abstrakten Kunstwerke, die wir von O’Keeffe haben, wurden mindestens so früh wie 1915 geschaffen, im selben Jahr, in dem Malevich Schwarzes Quadrat malte, und nur zwei Jahre nachdem Kandinsky seine ersten abstrakten Werke malte. Aber ihr intellektuelles Verständnis des Potenzials, das Abstraktion hat, um das Unbekannte zu kommunizieren, ist der Hauptgrund, warum O’Keeffe gleichwertige Anerkennung für die Erfindung der modernen abstrakten Kunst verdient.

Wie Klint, Seurat, Kandinsky und Malevich ging O’Keeffe mit einer philosophischen Ehrfurcht an ihre Arbeit heran. Sie verstand Kunst als mehr als nur das Schaffen von Bildern und Objekten. Die Künstlerin betrachtete sie als einen potenziellen Weg zur Ausdrucksform von etwas Tieferem. Wie Kandinsky sprach O’Keeffe über die Fähigkeit der Musik, abstrakt Tiefgründigkeiten zu kommunizieren. Sie sagte: „Singen erschien mir immer als das vollkommenste Ausdrucksmittel. Es ist so spontan. Und nach dem Singen denke ich an die Violine. Da ich nicht singen kann, male ich.“ Aber während Kandinsky zur Abstraktion griff, in der Hoffnung, etwas Spirituelles und Universelles auszudrücken, versuchte O’Keeffe, etwas mehr, könnte man sagen, Amerikanisches auszudrücken. Sie versuchte, sich selbst auszudrücken.

Georgia O'Keeffe - Abstraktion Weiße Rose, 1927 (Links) und Georgia O'Keeffe - Musik Pink und Blau II, 1927 (Rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Das sind keine Blumen

Die frühesten abstrakten Kunstwerke von Georgia O’Keeffe waren einfache, elegante Kompositionen, die mit Kohle auf Papier erstellt wurden. Die Bilder rufen die biomorphen Formen und Muster hervor, die in der Natur zu finden sind. Aber anstatt zu versuchen, ihr Motiv direkt in diesen Zeichnungen darzustellen, konzentrierte sie sich rein auf formale Elemente wie Linie, Form, Pinselstrich, Gestus und Balance. Eine der großartigen Geschichten über diese Kohlezeichnungen ist, dass sie leicht der Geschichte hätten verloren gehen können, wenn es nicht die hinterhältige Tat eines Freundes gewesen wäre. O’Keeffe teilte die Zeichnungen mit diesem Freund, der sie dann ohne Erlaubnis Alfred Stieglitz, dem Besitzer der 291 Gallery in Manhattan, zeigte. Stieglitz erkannte die offensichtliche Schönheit und auffällige Modernität der Zeichnungen und beschloss sofort, sie in seinem renommierten Raum auszustellen. So begann die professionelle Kunstkarriere von Georgia O’Keeffe.

Kurz nachdem sie zum ersten Mal mit Stieglitz ausgestellt hatte, zog O’Keeffe nach New York. In den nächsten zehn Jahren oder so erweiterte sie prolifisch ihre Erkundung der Abstraktion. Sie machte weiterhin Arbeiten, die die ästhetischen Elemente und Kompositionen widerspiegelten, die sie in der Natur wahrnahm, und ging weit über ihre ursprünglichen Kohlezeichnungen hinaus, um ein fortgeschrittenes Gespür für Farbbeziehungen zu entwickeln. Ihr Einsatz von Farbe erhöhte die expressive Kraft ihrer Gemälde erheblich. Aber was genau sie auszudrücken versuchte, ist der Punkt, an dem ein häufiges Missverständnis ihrer Arbeit zum Tragen kommt. So viele der Bilder, die sie in dieser Zeit schuf, scheinen nichts anderes als vergrößerte Fragmente von Blumen zu sein. Oder sie scheinen zumindest in direkter Konversation mit den ästhetischen Qualitäten von Blumen zu sprechen. Und vielleicht kommunizieren sie tatsächlich etwas, das auch von Blumen vermittelt wird. Aber sie kommunizieren auch etwas mehr. Wie O’Keeffe sagte: “Ich stellte fest, dass ich mit Farben und Formen Dinge sagen konnte, die ich auf keine andere Weise sagen konnte - Dinge, für die ich keine Worte hatte. Ich musste ein Äquivalent für das schaffen, was ich über das, was ich sah, fühlte - es nicht kopieren."

Georgia O'Keeffe - Blume des Lebens (Links) und Georgia O'Keeffe - Blume des Lebens II (Rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Ein wahrer Pionier

Um die 1930er Jahre, nach anderthalb Jahrzehnten, in denen sie sich auf abstrakte Bilder konzentrierte, begann O’Keeffe, ein breiteres Spektrum an Stilen und Einflüssen zu erkunden. Sie malte mehrere Jahre figurativ, kehrte dann zur Abstraktion zurück und schwankte hin und her, wobei sie oft die Unterschiede zwischen den beiden Ansätzen in Frage stellte. In ihren späteren Jahren schien sie manchmal direkt die Landschaften und natürlichen Objekte zu malen, die ihr Zuhause in New Mexico umgaben, weshalb sie schließlich New York verließ. Aber das Wesen ihrer Arbeit blieb immer dasselbe. Ihr Ziel war es immer, ein Gefühl zu kommunizieren, festzuhalten, wie sie sich fühlte, indem sie die Natur als Inspiration nutzte, nicht um dekorative Bilder der Natur so zu malen, wie sie objektiv erschien.

In ihrer lebenslangen Suche nach der Kommunikation von Gefühlen innovierte O’Keeffe viele wichtige ästhetische Untersuchungen. Sie zeigte Interesse an ganzflächigen abstrakten Kompositionen und legte gleichwertige Bedeutung auf alle Bereiche der Bildfläche, lange bevor Clement Greenburg diese Errungenschaft den Abstract Expressionists zuschrieb. Sie konzentrierte sich auf die Flachheit der Bildfläche, lange bevor dies ein Anliegen für die Post-Painterly Abstractionists war. Sie war an den transzendentalen Kräften abstrakter Farbflächen interessiert, lange bevor die Color Field-Künstler ähnliche Interessen erkundeten. Und Jahrzehnte bevor der postmoderne Relativismus sich in die bildende Kunst einschlich, erfasste O’Keeffe intuitiv die Idee, dass alle Stile, alle Ansätze, alle Techniken und alle Variationen innerhalb der Ästhetik in ihrem potenziellen Wert gleich sind und letztendlich der Primärität der ehrlichen Selbstexpression untergeordnet sind.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landschaft, New Mexico, Hinterhof von Mary S II, © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Umarmen Sie die Formalitäten

Vielleicht ist das, was über die Kunst von Georgia O’Keeffe missverstanden wurde, dasselbe, was so oft über alle Kunst missverstanden wird: die Idee, dass Kunst definierbare Eigenschaften besitzen oder in irgendeiner Weise für die Öffentlichkeit nützlich oder bedeutungsvoll sein soll. Wir lernen, Kunstwerke danach zu kritisieren, ob wir sie mögen oder nicht; die Beschreibungsphase zu überspringen, die das Sehen und Fühlen erfordert, und stattdessen hastig zur Interpretations- und Bewertungsphase zu eilen. Wir betrachten ein O’Keeffe-Gemälde nur lange genug, um einen Eindruck von etwas zu bekommen, das wir erkennen, wie das, was wie eine Blume oder eine Landschaft aussieht, und erklären somit O’Keeffe zur Malerin von Blumen und Landschaften. Wir bemerken, wie bestimmte Blütenteile bestimmten menschlichen Teilen ähneln und erklären somit O’Keeffe zur geheimen Malerin figurativer Anspielungen. O’Keeffe schwankt zwischen Abstraktion und Figuration und somit erklären wir sie für reaktionsfähig auf Marktkräfte oder öffentliche Erwartungen. Basierend auf unseren persönlichen Meinungen zu solchen Dingen sagen wir: „Ich liebe es!“ oder: „Ich hasse es!“

Aber diese Methode der Kritik ist unreif. Um die Kunst von Georgia O’Keeffe oder jede Kunst tiefer zu verstehen, sollten wir uns so lange wie möglich in der Beschreibungsphase aufhalten, indem wir mit der Oberfläche, den Farben, den Farbtönen, den Linien, den Formen und den Beziehungen zwischen diesen Elementen interagieren. Lassen Sie die formalen ästhetischen Elemente des Werkes singen. Fühlen Sie den Rhythmus der Komposition. Ja, O’Keeffe sagte einmal berühmt: „Ich habe das Gefühl, dass es etwas Unentdecktes an der Frau gibt, das nur eine Frau erkunden kann.“ Aber anstatt zu versuchen, sich zu zwingen, ein Bild von Weiblichkeit in ihren Gemälden zu sehen, öffnen Sie sich dafür, wie Weiblichkeit sich anfühlen könnte. Was Georgia O’Keeffe zu einer Pionierin der amerikanischen Abstraktion machte, war nicht, dass sie Bilder malte, die wie Amerika aussehen. Was sie zu einer Malerin der Weiblichkeit machte, war nicht, dass sie Bilder malte, die wie Teile des weiblichen Körpers aussehen. Was sie zu einer Pionierin der amerikanischen Abstraktion und einer Malerin der Weiblichkeit machte, war, dass sie die Einstellungen, Eindrücke und Emotionen malte, die für sie das Gefühl von Amerika und Weiblichkeit ausmachten.

Georgia O'Keeffe - Serie I, Nr. 3, 1918 (Links) und Georgia O'Keeffe - Serie 1, Nr. 8, 1918 (Rechts), © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe

Titelbild: Georgia O'Keeffe - Grau Blau und Schwarz, Pinker Kreis (Detail), 1927, © Der Nachlass von Georgia O'Keeffe
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio