Fernand Léger, Zwischen Abstraktion und Kubismus

Wegen der leuchtend bunten, flachen Gemälde von Alltagsgegenständen, die er ab den 1930er Jahren malte, gilt Fernand Léger als einer der Wegbereiter der Popkunst. Doch Léger wurde zunächst durch die einzigartige Variante des Kubismus bekannt, die er schuf und die wegen der Verwendung zylindrischer Formen Tubismus genannt wurde. Als Pablo Picasso und Georges Braque den Kubismus entwickelten, suchten sie nach Wegen, die gesteigerte Wirklichkeit ihres Motivs darzustellen. Sie teilten ihre Motive in geometrische Ebenen auf und zeigten mehrere gleichzeitige Perspektiven, um Bewegung und den Ablauf der Zeit anzudeuten. Léger hingegen erkannte ein anderes Potenzial in der kubistischen Bildsprache. Statt sie für ihre akademische Behandlung des Motivs zu schätzen, sah er ihr Potenzial, Kunst zu objektivieren und auf ihre formalen, plastischen Elemente zu reduzieren. In den Händen von Léger wurde die Ästhetik des Kubismus zu einer demokratisierenden Kraft, die Künstlern die Freiheit gab, Farbe, Form und Komposition auf neue, unsentimentale Weise zu erforschen. Das, so glaubte er, war vollkommen modern. Ausgehend von diesem Ansatz erweiterte Léger die Möglichkeiten der abstrakten Kunst, indem er den Fokus vom Motiv auf das Objekt richtete und die Elemente der Ästhetik plastifizierte, was die Grundlage für viele bedeutende Kunstbewegungen legte.

Ein Spektakel schaffen

Begeisterung war für Fernand Léger von größter Bedeutung. Er wurde 1881 in eine ausgesprochen unspektakuläre Bauernfamilie im ländlichen Normandie geboren. Schon früh erkannte er, dass das Leben auf dem Bauernhof nichts für ihn war, studierte Architekturzeichnung und zog mit 19 Jahren nach Paris. Dort fand er Arbeit als Zeichner und besuchte außerdem alle Kunstkurse, die er finden konnte. Doch weder Arbeit noch Schule inspirierten ihn. Er war voller Energie und Unruhe, wie viele seiner Generation, verstärkt durch das rasche gesellschaftliche Umwälzen, das die Spektakel des Industriezeitalters mit sich brachten.

In seinem Aufsatz Das Spektakel erläuterte er die Wirkung, die er der modernen industriellen Welt des frühen 20. Jahrhunderts auf das menschliche Auge zuschrieb. Er beschrieb die endlose Parade visueller Reize, die die moderne Gesellschaft für das Auge geschaffen hatte, und schrieb: „Die Künstler, die das Volk ablenken wollen, müssen sich ständig erneuern. Es ist ein harter Beruf, der härteste Beruf.“ Die entscheidende Frage für den jungen Léger im Paris der Jahrhundertwende war, wie genau er solche spektakulären ästhetischen Phänomene erzeugen konnte, um mit der visuellen Überflutung seiner Zeit mitzuhalten.

Fernand Leger - Mechanische Kompositionen, 1918-1923 (links) und Maschinenelement 1. Zustand, 1924 (rechts), © Nachlass Fernand Leger

Die Entdeckung der Farbe

Der Weg nach vorn begann sich für Léger zu zeigen, als er 1907 im Salon d'Automne in Paris eine Retrospektive der Werke Cézannes sah. Léger erkannte, dass Cézanne Farbe anders einsetzte als andere Künstler. Statt sie dem Bild unterzuordnen, schien Cézanne die Bilder im Dienst der Farbe geschaffen zu haben. Das war für Léger ein Durchbruch. Es eröffnete ihm die Möglichkeit, dass einzelne ästhetische Bestandteile der Kunst, wie Farbe oder Form, für sich allein erforscht werden konnten, ohne in irgendeiner Weise mit dem Motiv verbunden sein zu müssen. Für ihn begann die Idee, dass Kunst objektiv und rein abstrakt sein und ihre eigenen wesentlichen Elemente feiern konnte.

Die französische Öffentlichkeit war damals gegenüber der Idee der totalen Abstraktion ablehnend eingestellt. Die meisten Kritiker, Galeristen, Akademiker und sogar Künstler hielten das Motiv für die bildende Kunst für lebenswichtig. Picasso und Braque hatten mit ihrem kubistischen Stil Fortschritte bei der Meinungsänderung erzielt, doch viele Betrachter verabscheuten sie dafür, und ihre Bilder beruhten dennoch stark auf dem Motiv. Indem er die geometrische Reduktion des Kubismus isolierte, vereinfachte und abstrahierte Léger die mechanisierten Formen der Industrie. Er verband diese abstrahierten geometrischen Formen mit lebendiger Farbe und schuf abstrakte Kompositionen, die eine Verbindung von Natur und Maschinen hervorriefen. Die daraus entstandene zylindrische Ästhetik, die seinem Stil den Namen Tubismus einbrachte, verzichtete auf erkennbare erzählerische Motive und schuf eine visuelle Aussage, die objektiv, modern und vor allem aufregend war.

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Fernand Leger - Tanz, 1942 (links) und Kolben II, 1941-1942 (rechts), © Nachlass Fernand Leger

Stoische Plastizität

Gerade als Fernand Léger für seinen aufregenden neuen Stil bekannt wurde, trat Frankreich in den Ersten Weltkrieg ein. Léger diente zwei Jahre lang an der Front in der französischen Armee. In einer Geschichte, die er später über seine Kriegserfahrungen erzählte, wird deutlich, dass Léger eine einzigartige Fähigkeit besaß, mit der Welt auf einer emotional losgelösten, rein objektiven Ebene zu interagieren – eine Gabe, die ihm half, eine wichtige modernistische Entdeckung zu machen. Die Geschichte erzählt, dass Léger mitten in einer bestimmten Schlacht die spektakuläre Art bemerkte, wie die Sonne sich auf dem Metalllauf einer nahegelegenen, mechanisierten Waffe spiegelte. Trotz der Gewalt, die in diesem Moment sein Leben bedrohte, sah er nur die formale ästhetische Schönheit dieses Bildes von Sonnenlicht, das sich auf industriellem Metall spiegelte. Er war fasziniert von Farben, Formen und Licht. Er trennte seinen Geist von der Erzählung seiner Umgebung und reagierte nur auf die Objekte in seinem Sichtfeld. Er erfreute sich an ihrer Ästhetik ohne die Last sentimentaler Bindung.

Natürlich hatte Léger zu diesem Zeitpunkt bereits seine Fähigkeit etabliert, Kunst aus einer unsentimentalen, objektiven Perspektive zu betrachten. Doch seine Kriegserfahrung war prägend, weil sie ihm zeigte, wie das gewöhnliche Leben mit der Kunst verbunden ist. Sie offenbarte ihm die Plastizität der objektiven, gewöhnlichen Welt. Später schrieb er ausführlich zu diesem Thema. In einem Aufsatz mit dem Titel Die Straße: Objekte, Spektakel schrieb er über „den Tag, an dem der Kopf einer Frau als ovales Objekt betrachtet wurde“ und beschrieb „den direkten Zugang des Objekts zum dekorativen Wert“. Er sah, dass man auf einem gewöhnlichen Spaziergang durch eine Straße unzählige ästhetische Kompositionen entdecken konnte, die der bildenden Kunst ebenbürtig waren, indem man einfach die ausgestellten Objekte bewunderte und Menschen, Tiere, Natur und Industrieobjekte auf ihre formalen ästhetischen Bestandteile reduzierte. Er vertrat die Auffassung, dass jedes sichtbare Ding auf ein Objekt reduziert und anschließend in rein plastischen, ästhetischen Begriffen verherrlicht werden kann. Dafür war er ein Pionier.

Fernand Leger - Äste (Holzstämme), 1955, Foto: Musée National Fernand Leger, Biot Frankreich, © Nachlass Fernand Leger

Titelbild: Fernand Leger - Das große Ziehen, 1923, Foto: Musée National Fernand Leger, Biot Frankreich, © Nachlass Fernand Leger
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio