Warum ist die Kunst von Georg Baselitz im Wesentlichen abstrakt?

Die Kunst von Georg Baselitz wurde als schockierend, kontrovers und grotesk bezeichnet. Sie wurde auch als episch und als eine der international einflussreichsten deutschen Kunstwerke der letzten 50 Jahre bezeichnet. Seine Gemälde, Skulpturen und Drucke enthalten fast immer erkennbare Bilder aus der objektiven Welt, so mehrdeutig sie auch sein mögen. Und oft beziehen sie sich offen auf ein politisches, historisches oder soziales Thema. Dennoch betrachten wir trotz ihrer deklarativen, oft geradlinigen Natur die Kunst von Georg Baselitz als grundsätzlich abstrakt. Für uns gibt es eindeutig so viel mehr in seinem Werk als nur das Thema. Sogar Baselitz scheint nicht genau zu wissen, wie tief die Schichten gehen. Seine Werke scheinen bereits in dem Prozess zu sein, zu fragen, was sie sind, noch bevor wir die Gelegenheit haben, zu fragen. Für uns sind sie mehr als Bilder. Sie sind die neuesten lebendigen Aufzeichnungen eines fortwährenden Kampfes zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart, Bedeutung und Nichtigkeit, Künstler und Kunst.

Talent ist irrelevant

Georg Baselitz hat sich selbst als grundsätzlich schwer fassbar beschrieben. „Ich mache es den Leuten nicht leicht,“ hat er gesagt. „Identifikation ist schwierig. Man erkennt meine Kunst nicht sofort.“ Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte währenden Karriere hat Baselitz zahlreiche verschiedene Stile entwickelt und verschiedene Techniken erkundet. Kürzlich hat er sogar das eingeführt, was er Remixe nennt: schnell überarbeitete Aktualisierungen seiner eigenen klassischen Werke. Aber ein Wort beschreibt all seine Arbeiten passend, unabhängig von ihrem Medium oder ihrer zeitlichen Einordnung: brutal. Ein ehemaliger Zeitgenosse von Baselitz, Jean-Michel Basquiat, hat einmal die Kritiker seines eigenen brutalen Stils mit den Worten verurteilt: „Glauben Sie es oder nicht, ich kann tatsächlich zeichnen.“ Im Fall von Baselitz lässt uns die brutale Natur seiner Arbeiten fragen: Kann er auch zeichnen? Will er das überhaupt?

Baselitz wird von vielen Menschen als sexistisch angesehen, weil er oft sagt, dass Frauen die schlechtesten Malerinnen sind, weil sie sich zu sehr um Virtuosität kümmern und nicht genug um Dinge wie Ehrgeiz, Rebellion und Aggression. Ist er ein geheimer Virtuose, der sich einfach entscheidet, ambitionierte, rebellische, aggressiv grob gehauene Bilder zu schaffen, weil ihn das zu einem besseren Maler macht? Vielleicht. Aber als Baselitz in der Kunstschule war, wurde er im ersten Jahr wegen "sozialer und politischer Unreife" ausgeschlossen. Vielleicht ist sein brutaler Stil eine Notwendigkeit. Vielleicht ist es nicht Sexismus, der ihn dazu bringt, diese Vorwürfe gegen Frauen zu erheben. Vielleicht ist es nur der Fehler, den viele erfolgreiche Menschen machen, indem sie glauben, dass sie, weil sie erfolgreich sind, auch weise sein müssen.

Georg Baselitz mit seinen Dresdener Frauen Skulpturen, 1990. Holz geschnitzt mit der Kettensäge. © Georg Baselitz

Bild ist nichts

Aber selbst wenn sein brutaler Stil aus Notwendigkeit und nicht aus Wahl resultiert, können wir dennoch in ihm die abstrakte Signatur eines Künstlers erkennen, der nach wahrer Ausdrucksform strebt. Eines der Werke, das Baselitz erstmals ins öffentliche Bewusstsein rief, war ein Gemälde mit dem Titel Die grosse Nacht im Eimer oder The Big Night Down the Drain. Es zeigt die winzige, verzerrte, obelose, kindliche Figur eines Mannes, der dumm dasteht, mit heruntergelassener Hose und seinem riesigen Phallus in der Hand. Die sowjetischen Behörden in Ostdeutschland beschlagnahmten das Gemälde als obszön, als es erstmals ausgestellt wurde, und viele Menschen haben gesagt, es erinnere an das Bild von Adolf Hitler.

Aber The Big Night Down the Drain wurde auch als Selbstporträt bezeichnet. Für einige ähnelt es sogar einer Pinocchio-Puppe, deren Nase abgerissen und in seine Hose gestopft wurde, vielleicht eine skurrile Anspielung auf die klassische männliche Lüge. Was auch immer die wahre Bedeutung ist, die Farbwahl ist dunkel und wild, seine Markierungen sind lebendig, seine kompositorischen Entscheidungen sind verspielt, und die Figur ist sowohl bedrohlich als auch grotesk. All diese Elemente sprechen von existenziellen Ambitionen und deuten darauf hin, dass wir mehr von diesen Gefühlen als vom Thema geleitet werden sollten, während wir mit dem Werk interagieren.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Öl auf Leinwand. Museum Ludwig, Köln, Deutschland (rechts) und ein Remix dieses Gemäldes von 2005 (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Helden sind Monster

In den mittleren 1960er Jahren ging Baselitz nach Florenz und studierte die Gemälde italienischer Manieristen. Inspiriert von ihrer dramatisierten Körperlichkeit begann er mit einer großen Serie von Werken, die zeitgenössische Figuren in ähnlichen mythischen Posen darstellten. Diese Figuren ähnelten oft Soldaten, die aus dem Krieg zurückkehren, oder Bauern, die in apokalyptischen Landschaften umherwandern. Er bezeichnete die Gemälde als Neue Typen und nannte die Figuren darin Helden, Rebellen und Hirten. Das bekannteste Beispiel aus der Serie heißt Die großen Freunde. Es zeigt zwei solcher Figuren, die sich die Hände reichen, während sie durch ein albtraumhaftes Nichts gehen, vor einer gefallenen amerikanischen Flagge.

Die Gemälde der New Types scheinen unbestreitbar narrativ in ihrem Zweck zu sein. Aber es ist schwierig zu erklären, was die Erzählung ist. Die Gesichtsausdrücke erinnern tatsächlich an heroische Gemälde von Heiligen aus der Vergangenheit. Die massiven, verstümmelten Körper rufen spürbare Stärke hervor, haben aber kleine Köpfe. Kommentieren sie die Heldentum der Dummheit, die Unwissenheit des Krieges oder die Notwendigkeit, körperlich stark, aber geistig klein zu sein, wenn man überleben will? Wiederum, abgesehen vom Thema, werden abstrakte Gefühle von Angst, Sinnlosigkeit und Dunkelheit durch die Farbwahl, die Flachheit der Bildebene und die Eigenart der Komposition hervorgerufen.

Georg Baselitz - Die großen Freunde, 1965. Öl auf Leinwand. 98 2/5 × 118 1/10 Zoll. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Köln

Die Welt steht Kopf

Mitten im Malen seiner Neuen Typen begann Baselitz, einige seiner Bilder zu zerbrechen, indem er Elemente der Komposition so verschob, dass das Sujet mehrdeutiger wurde und die ästhetische Komponente an Bedeutung gewann. Das Zerbrechen offenbarte eine Anziehung, die Baselitz zur Abstraktion verspürte, die 1969 ihre volle Reife fand, als er begann, seine Bilder auf den Kopf zu malen. Um seine auf den Kopf gemalten Bilder zu erstellen, legte er seine Leinwände auf den Boden und malte sie aus einer auf den Kopf gedrehten Perspektive, um sie dann nach Fertigstellung auf dem Kopf an die Wand zu hängen.

Er blieb der Bedeutung des Themas verpflichtet. Zum Beispiel zeigt eines seiner berühmtesten umgedrehten Gemälde ein Bild eines Adlers, möglicherweise ein Verweis auf die deutsche Geschichte. Er wollte die Evokation, die auftreten könnte, wenn ein Betrachter das Thema seiner Werke betrachtete, aber er wollte auch, dass die Objektivität seiner Gemälde von primärer Bedeutung ist. Er wollte, dass die Farbe die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht, wodurch das Werk objektiviert wird, während ihr symbolisches Potenzial erhalten bleibt. Seine umgedrehten Gemälde befreiten ihn aus der Falle der wörtlichen Interpretation und halfen ihm, Werke zu schaffen, die rein als ästhetische Objekte betrachtet werden konnten.

Georg Baselitz - Porträt K. L. Rinn, 1969. Öl auf Leinwand. 63 3/4 × 51 1/8 in. 161,9 × 129,9 cm (links) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Öl auf Leinwand (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Die Brutalität der Kunst

Oft wurde das Werk von Georg Baselitz von Kritikern, Historikern und sogar von Baselitz selbst im Kontext des deutschen Begriffs Vergangenheitsbewältigung betrachtet, der im Grunde bedeutet, mit der Vergangenheit zu ringen. Es bezieht sich auf die Weisen, in denen deutsche Künstler nach dem Zweiten Weltkrieg gezwungen waren, die unvertretbaren Handlungen ihrer kollektiven Vergangenheit zu erklären. In einem Interview mit Spiegel Online im Jahr 2013 beschrieb Baselitz seine Gefühle zu diesem Konzept und sagte: "Alle deutschen Maler haben eine Neurose mit der Vergangenheit Deutschlands: Krieg, vor allem die Nachkriegszeit, Ostdeutschland. Ich habe all dies in einer tiefen Depression und unter großem Druck angesprochen. Meine Gemälde sind, wenn man so will." Wahrlich, seine Gemälde sind Kämpfe. Sie sind physische Kämpfe, da er trotz der schweißtreibenden Schwierigkeit seines Prozesses nie einen Assistenten hatte. Und sie sind emotionale Kämpfe, da er zwischen seiner vorbestehenden Vision und dem Schwung in Richtung etwas anderem kämpft, das übernimmt, sobald das Malen begonnen hat.

Eines der bekanntesten Werke, die Baselitz geschaffen hat, ist tatsächlich eine Anspielung auf eine tatsächliche Schlacht. Betitelt ’45, seine 20 Tafeln spielen auf die Bombardierung von Dresden im Jahr 1945 an. Darin spricht Baselitz Brutalität mit Brutalität auf eine direkte, persönliche Weise an. Er zeigt, dass das Wichtigste, um eine akzeptable Zukunft zu schaffen, nicht Perfektion, Talent oder Anmut ist. Das Wichtigste ist die Anerkennung des rohen menschlichen Verlangens. Wichtig sind Emotion, Leidenschaft und Herz. Und dieses Werk zeigt insbesondere auch effektiv, dass Brutalität für einen Künstler entscheidend ist: Brutalität gegenüber der Vergangenheit, gegenüber anderen Künstlern, gegenüber dem eigenen Werk, gegenüber dem Thema, gegenüber dem Medium. Unabhängig vom Thema ist jedes Kunstwerk, das Georg Baselitz geschaffen hat, abstrakt, weil es uns unsere Welt zeigt und gleichzeitig ablehnt, sie umkehrt und neu gestaltet. Es verlangt von uns, es zu sehen, aber auch, dass wir nach etwas anderem suchen, etwas anderem, etwas noch Unvorstellbarem. Es drückt duale Realitäten aus: dass in der Zerstörung Schöpfung liegt, in der Geschichte unsere Zukunft und in jedem Kampf etwas, wofür es sich zu kämpfen lohnt.

Vorschaubild: Georg Baselitz - Abendessen in Dresden (Detail), 1983. Öl auf Leinwand. © 2019 Georg Baselitz
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio