Warum ist die Kunst von Georg Baselitz im Wesentlichen abstrakt?

Die Kunst von Georg Baselitz wurde als schockierend, kontrovers und grotesk bezeichnet. Sie wurde aber auch als episch und als eine der international einflussreichsten deutschen Kunstrichtungen der vergangenen 50 Jahre bezeichnet. Seine Gemälde, Skulpturen und Druckgrafiken enthalten fast immer erkennbare Bilder aus der gegenständlichen Welt, so mehrdeutig sie auch sein mögen. Und meistens nehmen sie offen Bezug auf ein politisches, historisches oder gesellschaftliches Thema. Dennoch betrachten wir die Kunst von Georg Baselitz trotz ihrer erklärenden, oft geradlinigen Art als grundsätzlich abstrakt. Für uns steckt eindeutig sehr viel mehr in seinem Werk als nur dessen Gegenstand. Selbst Baselitz scheint nicht genau zu wissen, wie tief die Schichten reichen. Seine Werke scheinen bereits dabei zu sein, die Frage zu stellen, was sie überhaupt sind, noch bevor wir die Gelegenheit haben, danach zu fragen. Für uns sind sie mehr als Bilder. Sie sind die jüngsten lebendigen Zeugnisse eines andauernden Kampfes zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Bedeutung und Nichts, Künstler und Kunst.

Talent ist irrelevant

Georg Baselitz hat sich selbst als grundsätzlich schwer einzuordnen beschrieben. „Ich mache es den Menschen nicht leicht“, hat er gesagt. „Die Identifikation ist schwierig. Man erkennt meine Kunst nicht sofort.“ Im Laufe seiner fünf Jahrzehnte umfassenden Karriere hat sich Baselitz durch zahlreiche verschiedene Stile entwickelt und unterschiedliche Techniken erkundet. Kürzlich führte er sogar etwas ein, das er Remixe nennt: schnell überarbeitete Aktualisierungen seiner eigenen klassischen Werke. Doch ein Wort beschreibt all seine Arbeiten unabhängig von Medium oder zeitlicher Einordnung treffend: roh. Jean-Michel Basquiat, ein zeitweiliger Zeitgenosse von Baselitz, prangerte einst Kritiker seines eigenen rohen Stils an, indem er sagte: „Ob Sie es glauben oder nicht, ich kann tatsächlich zeichnen.“ Im Fall von Baselitz lässt uns die rohe Art seiner Werke fragen: Kann auch er zeichnen? Und will er das überhaupt?

Baselitz gilt vielen Menschen als sexistisch, weil er oft sagt, Frauen seien die schlechtesten Malerinnen, da sie sich zu sehr um Virtuosität und nicht genug um Dinge wie Ehrgeiz, Rebellion und Aggression kümmerten. Ist er ein heimlicher Virtuose, der sich einfach dafür entscheidet, ehrgeizige, rebellische, aggressiv grob bearbeitete Bilder zu schaffen, weil ihn das zu einem besseren Maler macht? Vielleicht. Doch als Baselitz an der Kunsthochschule war, wurde er in seinem ersten Jahr wegen „sozialer und politischer Unreife“ exmatrikuliert. Vielleicht ist sein roher Stil eine Notwendigkeit. Vielleicht ist es nicht Sexismus, der ihn dazu bringt, diese Vorwürfe gegen Frauen zu erheben. Vielleicht ist es einfach der Fehler, den viele erfolgreiche Menschen machen, wenn sie glauben, dass sie aufgrund ihres Erfolgs auch weise sein müssen.

Georg Baselitz mit seinen Skulpturen Dresdener Frauen, 1990. Mit der Kettensäge geschnitztes Holz. © Georg Baselitz

Das Bild ist nichts

Doch selbst wenn sein roher Stil eher eine Notwendigkeit als eine Entscheidung ist, können wir darin noch immer die abstrakte Signatur eines Künstlers erkennen, der nach wahrem Ausdruck strebt. Eines der Werke, die Baselitz erstmals öffentliche Aufmerksamkeit einbrachten, war ein Gemälde mit dem Titel Die grosse Nacht im Eimer oder Die große Nacht im Abfluss.

Es zeigt die winzige, deformierte, unbekleidete, kindlich wirkende Figur eines Mannes, der stumpf dasteht, seine Hose geöffnet und seinen gewaltigen Phallus schwingend. Sowjetische Behörden in Ostdeutschland beschlagnahmten das Gemälde bei seiner ersten Ausstellung wegen Obszönität, und viele Menschen sagten, es erinnere an das Bild Adolf Hitlers.

Die große Nacht im Abfluss wurde jedoch auch als Selbstporträt bezeichnet. Für manche ähnelt es sogar einer Pinocchio-Puppe, deren Nase abgerissen und in ihre Hose gesteckt wurde - vielleicht eine humorvolle Anspielung auf die klassische männliche Lüge. Was auch immer die wahre Bedeutung sein mag: Die Farbwahl ist dunkel und wild, seine Markierungen sind lebendig, seine kompositorischen Entscheidungen spielerisch, und die Figur ist zugleich bedrohlich und grotesk. All diese Elemente verweisen auf existenzielle Ambitionen und legen nahe, dass wir uns im Umgang mit dem Werk eher von diesen Gefühlen als vom Gegenstand leiten lassen sollten.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Öl auf Leinwand. Museum Ludwig, Köln, Deutschland (rechts) und ein Remix dieses Gemäldes aus dem Jahr 2005 (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Helden sind Monster

Mitte der 1960er-Jahre ging Baselitz nach Florenz und studierte die Gemälde italienischer Manieristen. Inspiriert von ihrer dramatisierten Körperlichkeit begann er eine bedeutende Werkserie mit zeitgenössischen Figuren in ähnlich mythischen Posen. Diese Figuren erinnerten oft an Soldaten, die aus dem Krieg zurückkehrten, oder an Bauern, die durch apokalyptische Landschaften wanderten. Er bezeichnete die Gemälde als Neue Typen und nannte die darin dargestellten Figuren Helden, Rebellen und Hirten. Das berühmteste Beispiel der Serie trägt den Titel Die großen Freunde. Es zeigt zwei solcher Figuren, die sich an den Händen halten, während sie vor einer gefallenen amerikanischen Flagge durch eine albtraumhafte Leere gehen.

Die Gemälde der Neuen Typen wirken in ihrer Absicht unbestreitbar erzählerisch. Doch es ist schwierig zu erklären, worin diese Erzählung besteht. Die Gesichtszüge erinnern tatsächlich an heroische Heiligendarstellungen aus der Vergangenheit. Die massigen, verstümmelten Körper vermitteln spürbare Stärke, haben jedoch winzige Köpfe. Kommentieren sie den Heldenmut der Dummheit, die Ignoranz des Krieges oder die Notwendigkeit, körperlich stark, aber geistig klein zu sein, wenn man überleben will? Abgesehen vom Gegenstand werden erneut abstrakte Gefühle von Angst, Bedeutungslosigkeit und Dunkelheit durch die Farbwahl, die Flächigkeit der Bildebene und die Eigentümlichkeit der Komposition hervorgerufen.

Georg Baselitz - Die großen Freunde, 1965. Öl auf Leinwand. 98 2/5 × 118 1/10 Zoll. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Köln

Die Welt steht Kopf

Während Baselitz seine Neuen Typen malte, begann er, einige seiner Bilder zu zerlegen und Elemente der Komposition so zu verschieben, dass der Gegenstand mehrdeutiger wurde und die ästhetische Komponente an Bedeutung gewann. Diese Fragmentierung offenbarte Baselitz’ zunehmende Hinwendung zur Abstraktion, die 1969 ihre volle Reife erreichte, als er begann, seine Gemälde auf dem Kopf stehend zu malen. Für seine auf dem Kopf stehenden Gemälde legte er die Leinwände auf den Boden und malte sie aus einer umgekehrten Perspektive; anschließend hängte er sie nach der Fertigstellung kopfüber an die Wand.

Er blieb der Bedeutung des Gegenstands verpflichtet. Eines seiner berühmtesten auf dem Kopf stehenden Gemälde zeigt beispielsweise einen Adler, möglicherweise eine Anspielung auf die deutsche Geschichte. Er wollte die Wirkung hervorrufen, die entstehen konnte, wenn ein Betrachter über den Gegenstand seiner Werke nachdachte, zugleich sollte die Gegenständlichkeit seiner Gemälde im Mittelpunkt stehen. Er wollte, dass die Farbe die Aufmerksamkeit des Betrachters fesselt und das Werk dadurch zum Objekt macht, während dessen symbolisches Potenzial erhalten bleibt. Seine umgedrehten Gemälde befreiten ihn von der Falle der wörtlichen Interpretation und halfen ihm, Werke zu schaffen, die als rein ästhetische Objekte betrachtet werden konnten.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Öl auf Leinwand. 63 3/4 × 51 1/8 Zoll. 161.9 × 129.9 cm (links) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Öl auf Leinwand (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Die Brutalität der Kunst

Oft haben Kritiker, Historiker und sogar Baselitz selbst das Werk von Georg Baselitz durch Bezugnahme auf den deutschen Begriff Vergangenheitsbewältigung kontextualisiert, der im Grunde die Auseinandersetzung mit der Vergangenheit bedeutet. Er bezieht sich auf die Art und Weise, in der deutsche Künstler nach dem Zweiten Weltkrieg gezwungen waren, die nicht zu rechtfertigenden Handlungen ihrer gemeinsamen Vergangenheit mit zu erklären. In einem Interview mit Spiegel Online im Jahr 2013 beschrieb Baselitz seine Gefühle zu diesem Konzept mit den Worten: „Alle deutschen Maler haben eine Neurose in Bezug auf Deutschlands Vergangenheit: den Krieg, vor allem die Nachkriegszeit, Ostdeutschland. Ich habe mich mit all dem in einer tiefen Depression und unter großem Druck auseinandergesetzt. Meine Gemälde sind, wenn Sie so wollen.“ Tatsächlich sind seine Gemälde Schlachten. Es sind körperliche Schlachten, da er trotz der enormen körperlichen Anstrengung seines Arbeitsprozesses nie einen Assistenten hatte. Und es sind emotionale Schlachten, da er zwischen seiner bestehenden Vorstellung und dem Drang zu etwas anderem kämpft, der die Oberhand gewinnt, sobald das Gemälde begonnen hat.

Eines der berühmtesten Werke, die Baselitz geschaffen hat, bezieht sich tatsächlich auf eine reale Schlacht. Der Titel ’45 bezieht sich mit seinen 20 Tafeln auf die Bombardierung Dresdens im Jahr 1945. Darin begegnet Baselitz der Brutalität auf direkte, persönliche Weise mit Brutalität. Er zeigt, dass für die Gestaltung einer akzeptablen Zukunft nicht Perfektion, Talent oder Anmut entscheidend sind. Am wichtigsten ist die Anerkennung des rohen menschlichen Verlangens. Wichtig sind Emotion, Leidenschaft und Herz. Und dieses Werk zeigt zudem eindrucksvoll, dass Brutalität für einen Künstler entscheidend ist: Brutalität gegenüber der Vergangenheit, gegenüber anderen Künstlern, gegenüber dem eigenen Werk, gegenüber dem Gegenstand und gegenüber dem eigenen Medium. Unabhängig von seinem Gegenstand ist jedes von Georg Baselitz geschaffene Kunstwerk abstrakt, weil es uns unsere Welt zeigt und sie zugleich ablehnt, auf den Kopf stellt und neu erschafft. Es verlangt von uns, dass wir sie sehen, aber auch, dass wir nach etwas anderem suchen, nach etwas anderem, nach etwas noch nicht Erdachtem. Es bringt doppelte Wirklichkeiten zum Ausdruck: dass in der Zerstörung Schöpfung liegt, in der Geschichte unsere Zukunft und in jeder Schlacht etwas, für das es sich zu kämpfen lohnt.

Titelbild: Georg Baselitz - Dinner in Dresden (Detail), 1983. Öl auf Leinwand. © 2019 Georg Baselitz
Alle Bilder dienen ausschließlich zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio 2017
Bearbeitet von IdeelArt (2026)