Warum ist die Kunst von Georg Baselitz im Wesentlichen abstrakt?

Die Kunst von Georg Baselitz wurde als schockierend, umstritten und grotesk bezeichnet. Sie wurde aber auch als episch und als eine der international einflussreichsten deutschen Kunstformen der letzten 50 Jahre angesehen. Seine Gemälde, Skulpturen und Drucke enthalten fast immer erkennbare Bilder aus der objektiven Welt, so mehrdeutig sie auch sein mögen. Und nicht selten beziehen sie sich offen auf politische, historische oder gesellschaftliche Themen. Dennoch betrachten wir die Kunst von Georg Baselitz trotz ihres erklärenden, oft direkten Charakters als grundsätzlich abstrakt. Für uns steckt eindeutig viel mehr in seinem Werk als nur das Thema. Selbst Baselitz scheint nicht genau zu wissen, wie tief die Schichten reichen. Seine Werke scheinen bereits im Prozess zu sein, sich selbst zu fragen, was sie überhaupt sind, noch bevor wir die Gelegenheit haben, diese Frage zu stellen. Für uns sind sie mehr als Bilder. Sie sind die neuesten lebendigen Aufzeichnungen eines andauernden Kampfes zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Sinn und Nichtigkeit, Künstler und Kunst.

Talent ist unerheblich

Georg Baselitz hat sich selbst als grundsätzlich schwer fassbar beschrieben. „Ich mache es den Leuten nicht leicht,“ sagte er. „Identifikation ist schwierig. Man erkennt meine Kunst nicht sofort.“ Im Laufe seiner fünfzigjährigen Laufbahn hat Baselitz zahlreiche verschiedene Stile durchlaufen und verschiedene Techniken erforscht. Kürzlich führte er sogar sogenannte Remixe ein: schnell überarbeitete Neuauflagen seiner eigenen klassischen Werke. Doch ein Wort beschreibt all seine Arbeiten treffend, unabhängig vom Medium oder der zeitlichen Einordnung: grob. Ein Zeitgenosse von Baselitz, Jean-Michel Basquiat, verteidigte einst seinen eigenen groben Stil gegenüber Kritikern mit den Worten: „Glaub es oder nicht, ich kann tatsächlich zeichnen.“ Im Fall von Baselitz lässt uns die grobe Natur seiner Werke fragen: Kann er auch zeichnen? Und will er das überhaupt?

Viele Menschen halten Baselitz für sexistisch, weil er oft sagt, Frauen seien die schlechtesten Malerinnen, da sie zu sehr auf Virtuosität achten und zu wenig auf Dinge wie Ehrgeiz, Rebellion und Aggression. Ist er ein heimlicher Virtuose, der sich einfach dafür entscheidet, ehrgeizige, rebellische, aggressiv grob gearbeitete Bilder zu schaffen, weil ihn das zum besseren Maler macht? Vielleicht. Doch als Baselitz an der Kunstschule war, wurde er im ersten Jahr wegen „sozialer und politischer Unreife“ exmatrikuliert. Vielleicht ist sein grober Stil eine Notwendigkeit. Vielleicht ist es nicht Sexismus, der ihn zu diesen Aussagen über Frauen führt. Vielleicht ist es einfach der Fehler, den viele erfolgreiche Menschen machen, wenn sie glauben, dass Erfolg auch Weisheit bedeutet.

Georg Baselitz mit seinen Dresdener Frauen-Skulpturen, 1990. Holz, mit Motorsäge geschnitzt. © Georg Baselitz

Bild ist nichts

Doch selbst wenn sein grober Stil eine Notwendigkeit statt eine Wahl ist, erkennen wir darin dennoch die abstrakte Handschrift eines Künstlers, der nach wahrer Ausdruckskraft strebt. Eines der Werke, das Baselitz erstmals ins öffentliche Blickfeld brachte, war ein Gemälde mit dem Titel Die große Nacht im Eimer. Es zeigt die winzige, verzerrte, oben ohne, kindlich wirkende Figur eines Mannes, der dumm dasteht, mit offenem Hosenstall und seinem riesigen Phallus. Die sowjetischen Behörden in der DDR beschlagnahmten das Gemälde bei seiner ersten Ausstellung als obszön, und viele Menschen sagen, es erinnere an das Bild von Adolf Hitler.

Doch Die große Nacht im Eimer wurde auch als Selbstbildnis bezeichnet. Für manche ähnelt es sogar einer Pinocchio-Puppe, deren Nase abgerissen und in die Hose gesteckt wurde, vielleicht eine verspielte Anspielung auf die klassische männliche Lüge. Was auch immer die wahre Bedeutung ist, die Farbwahl ist dunkel und wild, seine Markierungen lebendig, die Komposition verspielt, und die Figur wirkt sowohl bedrohlich als auch grotesk. All diese Elemente sprechen von existenziellen Ambitionen und legen nahe, dass wir uns beim Betrachten des Werks mehr von diesen Gefühlen als vom Thema leiten lassen sollten.

Georg Baselitz - Die große Nacht im Eimer, 1963. Öl auf Leinwand. Museum Ludwig, Köln, Deutschland (links) und ein Remix dieses Gemäldes von 2005 (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Helden sind Monster

Mitte der 1960er Jahre reiste Baselitz nach Florenz und studierte die Gemälde italienischer Manieristen. Inspiriert von deren dramatischer Körperlichkeit begann er eine große Serie von Werken, die zeitgenössische Figuren in ähnlichen mythischen Posen zeigen. Diese Figuren ähnelten oft Soldaten, die aus dem Krieg zurückkehren, oder Bauern, die durch apokalyptische Landschaften wandern. Er nannte die Gemälde Neue Typen und bezeichnete die Figuren darin als Helden, Rebellen und Hirten. Das bekannteste Beispiel der Serie heißt Die großen Freunde. Es zeigt zwei solche Figuren, die sich an den Händen halten, während sie durch eine albtraumhafte Leere vor einer gefallenen amerikanischen Flagge schreiten.

Die Gemälde der Neuen Typen scheinen unbestreitbar erzählerischen Zwecken zu dienen. Doch es ist schwer zu erklären, was die Erzählung genau ist. Die Gesichtsausdrücke erinnern tatsächlich an heroische Heiligenbilder vergangener Zeiten. Die massigen, verstümmelten Körper strahlen spürbare Kraft aus, haben aber winzige Köpfe. Kommentieren sie den Heldenmut der Dummheit, die Ignoranz des Krieges oder die Notwendigkeit, körperlich stark, aber geistig klein zu sein, um zu überleben? Wiederum werden neben dem Thema abstrakte Gefühle von Angst, Sinnlosigkeit und Dunkelheit durch die Farbwahl, die Flächigkeit der Bildebene und die Eigenart der Komposition hervorgerufen.

Georg Baselitz - Die großen Freunde, 1965. Öl auf Leinwand. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Foto: Frank Oleski, Köln

Die Welt steht Kopf

Während er seine Neuen Typen malte, begann Baselitz einige seiner Bilder zu zerschlagen, indem er Elemente der Komposition so verschob, dass das Thema mehrdeutiger wurde und die ästhetische Komponente an Bedeutung gewann. Das Zerschlagen offenbarte eine Neigung Baselizs zur Abstraktion, die ihre volle Reife 1969 fand, als er begann, seine Gemälde kopfüber zu malen. Um seine kopfüber Gemälde zu schaffen, legte er die Leinwände auf den Boden und malte sie aus einer umgekehrten Perspektive, um sie dann fertiggestellt kopfüber an die Wand zu hängen.

Er blieb der Bedeutung des Themas treu. Zum Beispiel zeigt eines seiner bekanntesten kopfüber Gemälde einen Adler, eine mögliche Anspielung auf die deutsche Geschichte. Er wollte die Wirkung, die entstehen kann, wenn ein Betrachter über das Thema seiner Werke nachdenkt, aber er wollte auch, dass die Gegenständlichkeit seiner Gemälde im Vordergrund steht. Er wollte, dass die Farbe die Aufmerksamkeit des Betrachters hält und so das Werk objektiviert, während es sein symbolisches Potenzial behält. Seine kopfüber Gemälde befreiten ihn von der Falle der wörtlichen Interpretation und halfen ihm, Werke zu schaffen, die rein als ästhetische Gegenstände betrachtet werden können.

Georg Baselitz - Porträt K. L. Rinn, 1969. Öl auf Leinwand. 161,9 × 129,9 cm (links) / Georg Baselitz - Finger Painting II Adler, 1972. Öl auf Leinwand (rechts) © 2019 Georg Baselitz

Die Brutalität der Kunst

Die Werke von Georg Baselitz wurden oft von Kritikern, Historikern und sogar von Baselitz selbst im Zusammenhang mit dem deutschen Begriff Vergangenheitsbewältigung betrachtet, was im Grunde bedeutet, sich mit der Vergangenheit auseinanderzusetzen. Es bezieht sich darauf, wie deutsche Künstler nach dem Zweiten Weltkrieg gezwungen waren, die unentschuldbaren Taten ihrer gemeinsamen Vergangenheit zu erklären. In einem Interview mit Spiegel Online im Jahr 2013 beschrieb Baselitz seine Gefühle zu diesem Begriff mit den Worten: „Alle deutschen Maler haben eine Neurose mit der deutschen Vergangenheit: Krieg, vor allem die Nachkriegszeit, die DDR. Ich habe mich all dem in tiefer Depression und unter großem Druck gestellt. Meine Gemälde sind, wenn man so will.“ Tatsächlich sind seine Gemälde Kämpfe. Es sind körperliche Kämpfe, da er trotz der körperlich anstrengenden Arbeitsweise nie einen Assistenten hatte. Und es sind emotionale Kämpfe, da er zwischen seiner vorgefassten Vision und der Dynamik zu etwas anderem hin kämpft, die einsetzt, sobald das Malen begonnen hat.

Eines der bekanntesten Werke von Baselitz ist tatsächlich eine Anspielung auf eine tatsächliche Schlacht. Mit dem Titel ’45 besteht es aus 20 Tafeln, die auf die Bombardierung Dresdens 1945 verweisen. Darin begegnet Baselitz Brutalität mit Brutalität auf direkte, persönliche Weise. Er zeigt, dass für die Schaffung einer akzeptablen Zukunft nicht Perfektion, Talent oder Anmut am wichtigsten sind. Am wichtigsten ist die Anerkennung roher menschlicher Begierde. Wichtig sind Gefühl, Leidenschaft und Herz. Und dieses Werk zeigt besonders eindrucksvoll, dass für einen Künstler Brutalität entscheidend ist: Brutalität gegenüber der Vergangenheit, gegenüber anderen Künstlern, gegenüber dem eigenen Werk, gegenüber dem Thema, gegenüber dem Medium. Unabhängig vom Thema ist jedes Kunstwerk von Georg Baselitz abstrakt, weil es uns unsere Welt zeigt und sie gleichzeitig ablehnt, umdreht und neu gestaltet. Es fordert uns auf, es zu sehen, aber auch nach etwas anderem, etwas anderem, etwas noch Unvorstellbarem zu suchen. Es drückt doppelte Wirklichkeiten aus: dass in der Zerstörung Schöpfung liegt, in der Geschichte unsere Zukunft und in jedem Kampf etwas, wofür es sich zu kämpfen lohnt.

Titelbild: Georg Baselitz - Abendessen in Dresden (Detail), 1983. Öl auf Leinwand. © 2019 Georg Baselitz
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio