Die Kombination von Abstraktem und Figürlichem - Die Kunst von Albert Oehlen

Auf den ersten Blick wirken viele Gemälde von Albert Oehlen kompliziert, wie das visuelle Äquivalent von Lärm. Sie verbinden gegenständliche Elemente mit rein abstrakten. Sie beinhalten eine breit gefächerte und sich ständig weiterentwickelnde Auswahl an Verfahren, Materialien und Techniken. Wenn wir uns auf diese unterschiedlichen Elemente konzentrieren, können die Kompositionen manchmal zerfahren und unharmonisch erscheinen. Doch betrachtet man sie aus einer weiteren Perspektive, nicht als endgültige visuelle Aussagen, sondern als Auslöser für eine tiefere ästhetische Reaktion, entsteht ein Gefühl von Harmonie in seinen Gemälden. Oehlen war Schüler von Sigmar Polke, einem deutschen Maler, Fotografen und Professor, der die Grenzen zwischen Figuration und Abstraktion infrage stellte. Er war auch ein ehemaliger Mitbewohner von Martin Kippenberger, einem in Deutschland geborenen Multimedia-Künstler, der ebenfalls dafür bekannt ist, wie die objektive Welt mit dem Abstrakten zusammenhängt. Außerdem ist er ein langjähriger Freund von Christopher Wool, einem Maler, der kühne textbasierte Botschaften mit Abstraktion so verbindet, dass harte Linien zwischen beiden entstehen, während gleichzeitig angedeutet wird, dass sie dasselbe sind. In der Art, wie er Figuration und Abstraktion verbindet, teilt das Werk von Oehlen ein klares Erbe mit dem der drei genannten Künstler. Aber es gibt noch eine weitere wichtige, weniger offensichtliche Gemeinsamkeit: Es ist einfacher, als es aussieht.

Die Entwicklung von Albert Oehlen

Albert Oehlen wurde 1954 in Krefeld, Deutschland, nordwestlich von Düsseldorf, geboren. Er wuchs in einer künstlerischen Familie auf. Oehlens Vater war Künstler, und sein zwei Jahre jüngerer Bruder Markus ist ebenfalls ein erfolgreicher abstrakter Popkünstler, der in den Medien Malerei und Bildhauerei arbeitet. Albert hat gesagt, dass er immer wusste, dass er Künstler werden würde, als wäre das für ihn selbstverständlich. Die Entscheidung, sich auf die Malerei zu konzentrieren, und besonders auf abstrakte Malerei, kam jedoch allmählich mit der Zeit.

Oehlen schloss 1978 sein Studium an der Hochschule für bildende Künste Hamburg ab. Nach dem Studium experimentierte er mit verschiedenen Ausdrucksformen, darunter Musik. Doch erst nach seinem Umzug von Deutschland nach Spanien, wo er sich ein Zuhause mit Martin Kippenberger teilte, fand er seine Stimme als abstrakter Maler. In einem Interview mit Interview Magazine 2009 sagte Oehlen, dass er diese Gelegenheit nutzte, um seinen künstlerischen Ansatz zu verändern. „Ich wollte etwas Neues anfangen, von dem ich lange geträumt hatte, nämlich abstrakte Malerei“, sagte Oehlen, „und ich nutzte die Chance, es dort [in Spanien] zu beginnen, was sehr gut war, weil wir sehr isoliert waren. Es waren nur Martin und ich in diesem Haus, so konnte man seine Fehler machen und sehen, wie der andere reagiert.“

Albert Oehlen - Ohne Titel, 1989. Öl und Harz auf Leinwand. 60,4 × 73,5 cm. © Albert Oehlen

Die Unvorhersehbarkeit der Malerei

Die freie Möglichkeit zu experimentieren und Fehler zu machen, vermittelte Oehlen die Bedeutung von Unsicherheit in seiner Kunst. Es gibt eine innewohnende Spannung darin, nicht zu wissen, wie etwas ausgehen wird. Es gibt eine lebendige Kraft, die einen Künstler antreibt, das Unbekannte oder Unvorstellbare zu verwirklichen. Doch ein möglicher Nachteil der völligen Freiheit zum Experimentieren ist, dass sie lähmend sein kann. Wo fängt man an, wenn man keine Ahnung hat, wohin man will? Um sich genug Struktur zu geben, um konzentriert zu bleiben und gleichzeitig die Freiheit zum Experimentieren zu genießen, begann Oehlen, sich im Atelier einfache Regeln zu erfinden.

Diese willkürlichen Regeln dienen nur dazu, ihn in seinem Prozess herauszufordern, Unvorhersehbarkeit und Spannung zu erzeugen. Manchmal beschränkt er seine Werke auf eine einzige Farbe. Ein anderes Mal gibt er sich die Einschränkung, einfach langsamer zu arbeiten. Eine von Oehlens liebsten willkürlichen Regeln, die er auch seinen Studenten an der Kunstakademie Düsseldorf mitteilte, lautete: „Wechsle das Material. Denn viele Entscheidungen sind dir nicht bewusst. Es beginnt, wenn du Kunstmaterial einkaufst. Du triffst Entscheidungen, und sie sind immer dieselben, wie die Art der Pinsel, die du kaufst. Und wenn du gezwungen bist, etwas zu ändern, verleiht das dem Werk eine Unsicherheit, die sehr hilfreich ist. Es lässt dich herausfinden, was du wirklich brauchst.“

Albert Oehlen - Titanium Cat mit Laborgeprüftem Tier, 1999. Öl auf Leinwand. © Albert Oehlen

Nichts ist Hässlich

Im Laufe von Jahrzehnten des Experimentierens und der selbst auferlegten willkürlichen Grenzen hat Oehlen eine amüsante Erkenntnis gewonnen. Aufgrund der einzigartigen physischen Eigenschaften von Werken kann kaum jemand ein Gemälde hässlich machen. Es gab eine Zeit, in der die Idee der schlechten Malerei viele Kuratoren und Künstler, darunter auch Oehlen, beschäftigte. Verschiedene Definitionen von schlechter Malerei wurden erwogen. Einige glaubten, es liege am Prozess. Andere sahen es als grundlegend für die Komposition oder die ästhetischen Eigenschaften eines Werkes an.

Oehlen arbeitete hart an der Vorstellung, schlechte Gemälde zu schaffen, so wie ein Musiker ein Lied machen könnte, das unmöglich anzuhören ist. Doch er entdeckte, dass jemand jedes Gemälde als schön ansehen könnte, weil Menschen einfach eine unmittelbare Anziehung zur innewohnenden Schönheit von Farbe auf einer Oberfläche haben. Unabhängig vom Thema, vom Können des Künstlers, von der Komposition und vom Prozess kann man argumentieren, dass kein Gemälde schlecht ist, weil man etwas Gutes darin finden kann, wenn man nur bereit ist, hinzuschauen.

Albert Oehlen - Ohne Titel, 2005. Acryl und Öl auf Leinwand. © Albert Oehlen

Visuelle Auslöser

Das reife Werk, das Albert Oehlen heute schafft, spiegelt die Haltung eines Malers wider, der einfach Freude an seiner Arbeit hat. Er ist vielfältig in der Auswahl von Materialien und Techniken und gibt sich Möglichkeiten zu wachsen und sich weiterzuentwickeln. Manchmal fertigt er Collagen an und malt dann darüber, wobei er für die Collagen Materialien aus einer Mischung von billigen Plakatwerbungen und Tintenstrahldrucken verwendet. Manchmal benutzt er Sprühfarbe, manchmal Ölfarben, manchmal verwischt er die Farbe über die Oberfläche. Die Freude für ihn als Künstler kommt eindeutig aus der richtigen Mischung von Experimentieren und Regeln, oder anders gesagt, aus dem Prozess.

Für Betrachter kann es leicht verwirrend sein, die Vielzahl von Schichten, Stilen und Bezügen in Oehlens Werken zu erfassen. Aber wie bereits erwähnt, können wir ihrem Wert näherkommen, wenn wir unsere Betrachtungsweise vereinfachen. Die Art, sie zu vereinfachen, besteht darin, sie nicht als Werke zu sehen, die eine Bedeutung enthalten, die entschlüsselt werden muss, sondern sie als visuelle Auslöser zu betrachten. Einen Schritt zurücktreten und sie als Offenbarung eines Prozesses ansehen und sie eine Emotion oder einen Gedanken auslösen lassen. Die gegenständlichen Bilder, der Text, die Farben, die Markierungen oder die physischen Überreste unserer Kultur ergeben zusammen ein Gefühl, das größtenteils uns überlassen ist. Das Bild ist nicht das Ende der Geschichte. Wäre es das, wäre es tatsächlich verwirrend. Aber es ist nur der Anfang.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Papiercollage auf Leinwand. © Albert Oehlen

Den Lärm glätten

Visuell wurden die Werke von Albert Oehlen verschiedenen Kunstströmungen zugeordnet, wie dem Neo-Expressionismus und den Neuen Wilden. Die Neo-Expressionisten waren maßgeblich an der Wiedereinführung der Figuration nach Bewegungen wie dem Abstrakten Expressionismus, Minimalismus und Konzeptkunst beteiligt. Die Neuen Wilden, oder wilde Jugend, verbanden abstrakte und gegenständliche Bilder mit lebhaften Farben und gefühlsbetonten Pinselstrichen. Auf den ersten Blick scheinen Oehlens Werke oft beide Elemente zu enthalten. Doch Oehlen hat auch einen anderen Spitznamen erhalten: das freie Radikal. Dieser Name verdankt sich Oehlens Beharren darauf, keiner Bewegung anzugehören und dass jedes seiner Werke einzeln und nach seiner eigenen ästhetischen Aussage betrachtet werden sollte.

Was genau Oehlens Aussagen beinhalten, ist ein offenes Gespräch, das nicht einmal Oehlen vollständig erklären kann. Offensichtlich ist nur, dass er nach und nach eine einzigartige ästhetische Vision entwickelt hat, die sich weiter entfaltet. Er nutzt alle ihm zur Verfügung stehenden visuellen Mittel, um etwas zu schaffen, das beim Betrachter ein Gefühl hervorruft. Es ist alles schön und gut, zumindest in manchen Köpfen. Menschen können sagen, dass sie es mögen oder nicht mögen. Na und? Es lässt sich nicht durch sachliche Analyse verstehen. Sicher ist nur, dass der Lärm von Etiketten, Urteilen und ästhetischer Kritik seiner Arbeit wirklich im Weg steht. Wie die Vielzahl der Elemente, die Oehlen in seinen Werken verbindet, ist das alles Lärm. Durch seinen unvorhersehbaren und offenen Prozess versucht Oehlen einfach, gute Gemälde zu schaffen. Er nimmt die komplizierten Elemente der visuellen Atmosphäre und glättet sie. Je mehr wir unsere Betrachtungsweise seiner Werke vereinfachen, desto einfacher werden sie und desto leichter ist es, sie als schön zu sehen.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithografischer Druck auf Somerset Epson. © Albert Oehlen

Titelbild: Albert Oehlen - Ohne Titel (Detail), 1993. Öl auf Leinwand. © Albert Oehlen
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio