Abstraktion im Neo-Expressionismus finden

Das Studium des Neo-Expressionismus kann einen in ein Kaninchenloch führen. Unzählige Erklärungen dieser Kunstbewegung des späten 20. Jahrhunderts existieren. Jede scheint in ihrer Perspektive unterschiedlich zu sein, oft widersprüchlich, als ob kein Konsens darüber besteht, was Neo-Expressionismus wirklich ist oder war. Einige sagen, es begann in Deutschland; andere sagen Italien; wieder andere sagen die Vereinigten Staaten. Einige sagen, es begann in den 1960er Jahren; andere sagen in den 1970er Jahren. Einige nennen es die natürliche Erweiterung des deutschen Expressionismus und des abstrakten Expressionismus. Andere bezeichnen es als eine Reaktion gegen den Minimalismus. Wieder andere behaupten, es sei überhaupt keine authentische Kunstbewegung gewesen, sondern eine Erfindung des Kunstmarktes. Ein Punkt, auf den sich fast alle einigen, ist, dass der Neo-Expressionismus eine der letzten quantifizierbaren globalen Kunstbewegungen war, die vor dem Einsetzen dessen, was wir gemeinhin als Postmodernismus bezeichnen, stattfand, als der künstlerische Pluralismus Einzug hielt und alles Wissen und Bedeutung als subjektiv angesehen wurde. All das beiseite, unsere Faszination für den Neo-Expressionismus liegt rein in der Kunst: in seinen assoziativen abstrakten Qualitäten und in der Art und Weise, wie er die Fragen nach seinem Wert überdauert hat.

Die Wahrheit über Kunstbewegungen

Was die Vorstellung betrifft, dass der Neo-Expressionismus eine Erfindung des Kunstmarktes war, möchten wir klarstellen, dass er genau so real war wie jede andere Bewegung in der Kunst. Eine der lustigen Kontroversen über die Kunstgeschichte ist, ob irgendwelche sogenannten Bewegungen jemals wirklich existiert haben. Der Mythos der Bewegung schlägt vor, dass während bestimmter Zeitperioden wichtige Künstler alle eine Art von Kunst schufen, und jeder Künstler, der zu dieser Zeit nicht diese Art von Kunst machte, als irrelevant angesehen wurde. Und während es wahr sein mag, dass während bestimmter Zeitperioden nur bestimmte Kunststile bei der Akademie und dem Markt beliebt waren, erkennt jeder, der über diese Nischen hinaus in die reale Welt schaut, schnell, dass zu allen Zeiten von Künstlern überall viele verschiedene Arten von Kunst kontinuierlich geschaffen wurden.

Dennoch teilen wir die Kunstgeschichte in Bewegungen auf, obwohl wir beweisen können, dass Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich die Abstraktion nicht erfunden haben, Jackson Pollock die Spritzmalerei nicht erfunden hat, Paul Bilhaud nicht die erste monochrome zweidimensionale Fläche gemalt hat und Julian Schnabel nicht der erste Künstler war, der ein zerbrochenes Plattenmosaik gemacht hat. Künstler haben sich seit Tausenden von Jahren mit all diesen Praktiken beschäftigt. Aber irgendwann wurden sie neu relevant. Ein Kritiker, Kurator, Lehrer, Kunstverkäufer oder Kunstsammler erkannte, was einer dieser Künstler tat, als besonders wichtig für seine Zeit und beschrieb und benannte seine Position; nicht weil es völlig neu war, sondern weil in diesem Moment etwas daran so schien, als könnte es den Menschen bei ihrer Suche nach Identität und Bedeutung helfen.

Julian Schnabel - Blaue Akt mit Schwert, 1979, Öl, Platten, Bondo auf Holz, 96 x 108 Zoll, © 2018 Julian Schnabel

Neo-Expressionismus Definiert

Die genauen Eigenschaften, die die neo-expressiven Werke als neu relevant für ihre Zeit hervorhoben, sind schwer zu beschreiben. Die mit der Bewegung verbundenen Tendenzen traten gleichzeitig in vielen verschiedenen Ländern auf, und jeder beteiligte Künstler hatte einen deutlich persönlichen Stil. Einige waren mehr abstrakt, andere hyperrealistisch. In den Vereinigten Staaten repräsentierten Künstler wie Jean-Michel Basquiat, Philip Guston und Julian Schnabel die Bewegung. In Italien, wo sie als Transavanguardia bekannt war, umfasste sie Künstler wie Enzo Cucchi, Mimmo Paladino und Francesco Clemente. In Frankreich, wo die Bewegung Figuration Libre genannt wurde, waren Remi Blanchard, Hervé Di Rosa und François Boisrond vertreten.

Aber der einflussreichste Neo-Expressionist kam aus Deutschland. Der Maler Georg Baselitz gilt als der Vater der Bewegung, und aus seinem Werk können wir eine Vorstellung davon bekommen, was als die Markenzeichen des Neo-Expressionistischen Stils angesehen wird. Diese Markenzeichen umfassen eine Rückkehr zur direkten Ausdrucksweise der realistischen Welt, eine Ablehnung traditioneller Kompositionstheorien, eine Kombination aus expressionistischer Figuration und abstrakten gestischen Techniken, eine primitive Ästhetik, einen Fokus auf das Ausdrücken von Sehnsucht und Angst sowie eine erneute Akzeptanz der Idee des Geschichtenerzählens in der Kunst.

Jean-Michel Basquiat - Gefallener Engel, 1981, Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, © 2018 Der Nachlass von Jean-Michel Basquiat

Neo-Expressionistische Wurzeln

Der Name Neo-Expressionismus bezieht sich auf die Figuration und die Verwendung von Farbe, die von Künstlern des deutschen Expressionismus wie Edvard Munch und Vincent van Gogh um die Jahrhundertwende angenommen wurde. Diese Künstler entwickelten einen Malstil, der durch verzerrte Bilder, primitive Maltechniken und unrealistische Farben gekennzeichnet war. Anstatt zu versuchen, Gemälde zu schaffen, die die Realität nachahmten, versuchten die deutschen Expressionisten, etwas Tieferes über die menschliche Existenz auszudrücken: etwas Internes, Emotionales, Psychologisches, Universelles und Abstraktes.

Anstatt zu zeigen, wie eine Person auf einer Brücke zu Beginn des 20. Jahrhunderts aussah, drückt Der Schrei von Edvard Munch den Terror, die Angst und das Chaos der Dämmerung des Industriezeitalters aus. Neo-Expressionistische Künstler wie Baselitz, Schnabel und Guston versuchten einen ähnlichen Ansatz, machten ihn jedoch für eine ganz andere Zeit relevant. Sie drückten die Ängste und den Terror einer Ära des Globalismus, der Technologie, der Raumfahrt, des ständigen Krieges, der Urbanisierung, des endlosen sozialen Konflikts, der Bevölkerungsexplosion und eines allgemeinen Gefühls der individuellen Bedeutungslosigkeit innerhalb einer kakophonischen, überstimulierenden Kultur aus.

Philip Guston - Maler im Bett, 1973, Öl auf Leinwand, 59 5/8" x 8' 8 1/4", 151,4 x 264,8 cm, MoMA Sammlung, Geschenk von Edward R. Broida, © 2018 Der Nachlass von Philip Guston

Abstraktion innerhalb des Neo-Expressionismus

Da die Bildsprache des Neo-Expressionismus oft figürlich ist, kann sie leicht als Quelle der Abstraktion ignoriert werden. Aber eines der bleibenden Vermächtnisse des Neo-Expressionismus ist, dass er unser Verständnis davon erweitert hat, was abstrakte Kunst sein könnte. Der deutsche Expressionist Ernst Ludwig Kirchner beschrieb einmal, was es bedeutete, ein Expressionist zu sein. Er sagte: „Jeder, der direkt und ehrlich das wiedergibt, was ihn zum Schaffen antreibt, ist einer von uns.“ Während einige abstrakte Kunstbewegungen, wie die Konkrete Kunst, bestrebt waren, direkt zu sein, strebte die meiste frühe abstrakte Kunst eine Position an, die offen oder mehrdeutig war. Der Neo-Expressionismus schaffte es, sowohl offen als auch direkt zu sein. Er integrierte eine Vielzahl von Themen und Techniken und bewies, dass Figuration auch als abstrakt gelesen werden kann.

Eine der häufigsten abstrakten Ideen, die durch neo-expressive Werke kommuniziert wird, ist die Vorstellung vom Zusammenbruch der Moderne in die Antike. Elemente des Primitivismus verbinden sich mit modernem Symbolismus und zeigen einen gleichzeitigen Drang in die Vergangenheit und die Zukunft. In dem Gemälde Cordoba des italienischen Transavanguardia-Künstlers Mimmo Paladino sehen wir zwei Figuren, die in einem klaustrophobischen, unheimlichen Raum ringen, der mit Verweisen auf antike Kunst, expressionistische Kunst und Abstraktion gefüllt ist. Das Gemälde enthält abstrakte geometrische Formen, Farbflächen, monochrome Verweise, die ein Gefühl des Eingeschlossenseins in der Zeit vermitteln, umgeben von vergangenen Mythen, ohne eine andere Möglichkeit als den Kampf.

Mimmo Paladino - Cordoba, 1984, Öl auf Leinwand, 300,0 x 400,0 cm, Art Gallery NSW Collection, © Mimmo Paladino

Abstraktion durch Assoziation

Eine der effektivsten Methoden, wie neo-expressive Maler Abstraktion nutzten, war durch den Einsatz von Assoziation. Im Wesentlichen ist Assoziation, wenn wir unseren Geist erlauben, einem Gedanken zu einem anderen Gedanken auf nicht-lineare Weise zu folgen, was zu einem Anstieg von Ideen führt, die persönlich und unvorhersehbar sind. Im Leben können zufällige Assoziationen jederzeit auftreten, ausgelöst durch eine endlose Reihe von Sinneserfahrungen.

Neo-Expressionistische Maler verwendeten assoziative Abstraktion, um Hinweise auf tiefere Interaktionen mit ihrer Kunst zu geben. Beim Betrachten ihrer Bilder werden Assoziationen durch Farben, Texturen, Formen, Bilder und Symbole geweckt, die narrative oder mythologische Referenzen im Werk schaffen. Assoziative Abstraktion entfernt die Vorstellung, dass ein Kunstwerk, um als abstrakt betrachtet zu werden, nicht objektiv sein muss. Sie erweitert den Begriff der Abstraktion und zeigt, dass selbst ein weitgehend realistisches Bild Assoziationen hervorrufen kann, die als abstrakt wahrgenommen werden können.

Das Ende der Geschichten

Wenn man auf die Geburt des Modernismus zurückblickt, würden einige sagen, dass die Denkweise dieser frühen Modernisten etwas altmodisch erscheint. Die ganze Idee, dass die Welt von Künstlern neu gemacht werden könnte, klingt ein wenig utopisch und naiv. Aber die Modernisten glaubten an die Erzählung der Geschichte und daran, dass es möglich war, die Welt auf Weisen zu verändern, die zuvor nicht versucht worden waren. Sie glaubten auch, dass Neuheit und Veränderung notwendigerweise eine bessere Welt schaffen. Es war diese übergreifende Erzählung, dass die Geschichte linear und logisch war und dass sie auf progressive Weise weiterentwickelt werden konnte, die zum Modernismus und zu jeder Kunstbewegung führte, die Teil davon wurde.

Viele Menschen betrachten den Neo-Expressionismus als das Ende dieser Geschichte. Er kombinierte Aspekte mehrerer vorhergehender Bewegungen. Er verband Abstraktion und Figuration. Er griff die Vergangenheit auf, anstatt strikt neu sein zu wollen. Und er präsentierte ein überzeugendes Argument, dass es wirklich nur wenige, wenn überhaupt, Unterschiede zwischen der Gegenwart und der Vergangenheit gibt. Er zeigte, dass jede Trennung und jeder Fortschritt, der mit dem Modernismus verbunden ist, falsch gewesen sein könnte. Er lehrte uns, dass alle Kunst direkt ist, dass alle Kunst expressiv ist und dass alle Kunst im Wesentlichen abstrakt ist. Insofern vollendete er das Werk des Modernismus. Er ebnete den Weg für den Pluralismus, den wir heute in der Kunstwelt sehen, und für die Idee, dass jede Kunstbewegung und jede ästhetische Position potenziell gleichzeitig existieren und für jede Zeit gleichermaßen relevant sein kann.

Vorschaubild: Georg Baselitz - Der Brucke-Chor (Detail), 1983, Öl auf Leinwand, © Georg Baselitz
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio