Abstraktion im Neo-Expressionismus finden

Die Beschäftigung mit dem Neo-Expressionismus kann einen in ein tiefes Labyrinth führen. Zahlreiche Erklärungen zu dieser Kunstbewegung des späten 20. Jahrhunderts existieren. Jede scheint aus einer anderen Perspektive zu stammen, oft widersprüchlich, als gäbe es keinen Konsens darüber, was Neo-Expressionismus wirklich ist oder war. Einige sagen, er begann in Deutschland; andere sagen in Italien; wieder andere in den Vereinigten Staaten. Manche behaupten, er begann in den 1960er Jahren; andere in den 1970er Jahren. Einige nennen ihn die natürliche Fortsetzung des deutschen Expressionismus und des abstrakten Expressionismus. Andere sehen ihn als Reaktion gegen den Minimalismus. Wieder andere behaupten, es sei keine echte Kunstbewegung gewesen, sondern eine Erfindung des Kunstmarktes. Ein Punkt, dem fast alle zustimmen, ist, dass der Neo-Expressionismus eine der letzten klar fassbaren globalen Kunstbewegungen war, bevor das einsetzte, was wir gemeinhin als Postmoderne bezeichnen, als künstlerischer Pluralismus Einzug hielt und alles Wissen und jede Bedeutung als subjektiv angesehen wurden. Abgesehen davon liegt unsere Faszination für den Neo-Expressionismus rein in der Kunst: in ihren assoziativen abstrakten Qualitäten und darin, wie sie die Fragen nach ihrem Wert überdauert hat.

Die Wahrheit über Kunstbewegungen

Was die Vorstellung betrifft, dass der Neo-Expressionismus eine Erfindung des Kunstmarktes sei, möchten wir klarstellen, dass er genauso real war wie jede andere Bewegung in der Kunst. Eine der amüsanten Kontroversen der Kunstgeschichte ist, ob sogenannte Bewegungen überhaupt jemals wirklich existierten. Der Mythos der Bewegung besagt, dass in bestimmten Zeiträumen wichtige Künstler alle eine bestimmte Art von Kunst schufen und jeder Künstler, der zu dieser Zeit nicht diese Art von Kunst machte, als irrelevant galt. Und obwohl es wahr sein mag, dass in bestimmten Zeiträumen nur bestimmte Kunststile bei der Wissenschaft und dem Markt beliebt waren, erkennt jeder, der über diese Nischen hinaus in die reale Welt blickt, schnell, dass zu allen Zeiten von Künstlern überall viele verschiedene Arten von Kunst kontinuierlich geschaffen wurden.

Dennoch teilen wir die Kunstgeschichte in Bewegungen ein, obwohl wir beweisen können, dass Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich die Abstraktion nicht erfunden haben, Jackson Pollock nicht die Tropftechnik erfand, Paul Bilhaud nicht die erste monochrome zweidimensionale Fläche malte und Julian Schnabel nicht der erste Künstler war, der ein Mosaik aus zerbrochenen Tellern schuf. Künstler haben all diese Praktiken seit Tausenden von Jahren ausgeübt. Aber irgendwann wurden sie neu relevant. Ein Kritiker, Kurator, Lehrer, Kunstverkäufer oder Kunstsammler erkannte, dass das, was einer dieser Künstler tat, für seine Zeit besonders wichtig war, beschrieb und benannte seine Position; nicht weil sie völlig neu war, sondern weil in diesem Moment etwas daran schien, das den Menschen bei ihrer Suche nach Identität und Sinn helfen konnte.

Julian Schnabel - Blauer Akt mit Schwert, 1979, Öl, Teller, Bondo auf Holz, 244 x 274 cm, © 2018 Julian Schnabel

Definition des Neo-Expressionismus

Die genauen Eigenschaften, die neo-expressionistische Werke als neu relevant für ihre Zeit hervorhoben, sind schwer zu beschreiben. Die mit der Bewegung verbundenen Tendenzen entstanden gleichzeitig in vielen verschiedenen Ländern, und jeder beteiligte Künstler hatte einen deutlich persönlichen Stil. Einige waren stärker abstrakt, andere hyperrealistisch. In den Vereinigten Staaten repräsentierten Künstler wie Jean-Michel Basquiat, Philip Guston und Julian Schnabel die Bewegung. In Italien, wo sie unter dem Begriff Transavanguardia bekannt war, gehörten Künstler wie Enzo Cucchi, Mimmo Paladino und Francesco Clemente dazu. In Frankreich, wo die Bewegung Figuration Libre genannt wurde, zählten Remi Blanchard, Hervé Di Rosa und François Boisrond dazu.

Doch der einflussreichste Neo-Expressionist kam aus Deutschland. Der Maler Georg Baselitz gilt als Vater der Bewegung, und aus seinem Werk können wir einige der Merkmale erkennen, die heute als Kennzeichen des neo-expressionistischen Stils gelten. Diese Merkmale umfassen eine Rückkehr zum direkten Ausdruck der realistischen Welt, eine Ablehnung traditioneller Kompositionstheorien, eine Kombination aus expressionistischer Figuration und abstrakten gestischen Techniken, eine primitive Ästhetik, den Fokus auf das Ausdrücken von Sehnsucht und Angst sowie eine erneute Akzeptanz der Idee des Geschichtenerzählens in der Kunst.

Jean-Michel Basquiat - Gefallener Engel, 1981, Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, © 2018 Nachlass von Jean-Michel Basquiat

Wurzeln des Neo-Expressionismus

Der Name Neo-Expressionismus bezieht sich auf die Figuration und den Umgang mit Farbe, wie sie von Künstlern der Jahrhundertwende des deutschen Expressionisten wie Edvard Munch und Vincent van Gogh angenommen wurden. Diese Künstler entwickelten einen Malstil, der durch verzerrte Bilddarstellungen, primitive Maltechniken und unrealistische Farben gekennzeichnet war. Statt zu versuchen, Gemälde zu schaffen, die die Wirklichkeit nachahmen, versuchten die deutschen Expressionisten, etwas Tieferes über das menschliche Dasein auszudrücken: etwas Inneres, Emotionales, Psychologisches, Universelles und Abstraktes.

Anstatt zu zeigen, wie eine Person auf einer Brücke um die Jahrhundertwende aussah, drückt Der Schrei von Edvard Munch den Schrecken, die Angst und das Chaos der Anfänge des Industriezeitalters aus. Neo-expressionistische Künstler wie Baselitz, Schnabel und Guston versuchten einen ähnlichen Ansatz, machten ihn aber für eine ganz andere Zeit relevant. Sie drückten die Ängste und Schrecken eines Zeitalters des Globalismus, der Technik, der Raumfahrt, des ständigen Krieges, der Verstädterung, endloser sozialer Konflikte, der Bevölkerungsexplosion und eines allgemeinen Gefühls der individuellen Bedeutungslosigkeit in einer kakophonen, überreizten Kultur aus.

Philip Guston - Maler im Bett, 1973, Öl auf Leinwand, 151,4 x 264,8 cm, MoMA Sammlung, Geschenk von Edward R. Broida, © 2018 Nachlass von Philip Guston

Abstraktion im Neo-Expressionismus

Da die Bilder des Neo-Expressionismus oft figürlich sind, können sie leicht als Quelle der Abstraktion übersehen werden. Doch eines der bleibenden Vermächtnisse des Neo-Expressionismus ist, dass er unser Verständnis davon erweitert hat, was abstrakte Kunst sein kann. Der deutsche Expressionist Ernst Ludwig Kirchner beschrieb einmal, was es bedeutet, Expressionist zu sein. Er sagte: „Jeder, der direkt und ehrlich das wiedergibt, was ihn zum Schaffen antreibt, gehört zu uns.“ Während einige abstrakte Kunstbewegungen, wie die Konkrete Kunst, darauf abzielten, direkt zu sein, strebte die frühe abstrakte Kunst meist eine offene oder mehrdeutige Position an. Der Neo-Expressionismus schaffte es, offen und zugleich direkt zu sein. Er umfasste eine große Bandbreite an Themen und Techniken und bewies, dass Figuration auch als abstrakt gelesen werden kann.

Eine der häufigsten abstrakten Ideen, die durch neo-expressionistische Werke vermittelt werden, ist die Vorstellung vom Zusammenbruch der Moderne in die Antike. Elemente des Primitivismus verbinden sich mit moderner Symbolik, die eine gleichzeitige Anziehungskraft zur Vergangenheit und zur Zukunft anzeigt. Im Gemälde Cordoba des italienischen Transavanguardia-Künstlers Mimmo Paladino sehen wir zwei Figuren, die in einem klaustrophobischen, unheimlichen Raum ringen, der voller Anspielungen auf antike Kunst, expressionistische Kunst und Abstraktion ist. Das Gemälde enthält abstrakte geometrische Formen, Farbflächen, monochrome Bezüge und vermittelt das Gefühl, in der Zeit gefangen zu sein, umgeben von alten Mythen, ohne andere Wahl als den Kampf.

Mimmo Paladino - Cordoba, 1984, Öl auf Leinwand, 300 x 400 cm, Sammlung der Art Gallery NSW, © Mimmo Paladino

Abstraktion durch Assoziation

Eine der wirkungsvollsten Methoden, mit denen neo-expressionistische Maler Abstraktion nutzten, war die Verwendung von Assoziation. Im Grunde ist Assoziation, wenn wir unseren Gedanken erlauben, auf nicht-lineare Weise von einem Gedanken zum nächsten zu springen, was zur Entstehung von Ideen führt, die persönlich und unvorhersehbar sind. Im Leben können zufällige Assoziationen jederzeit auftreten, ausgelöst durch eine endlose Vielfalt sinnlicher Erfahrungen.

Neo-expressionistische Maler nutzten die assoziative Abstraktion, um Hinweise auf tiefere Auseinandersetzungen mit ihrer Kunst zu geben. Beim Betrachten ihrer Bilder werden Assoziationen durch Farben, Texturen, Formen, Bilder und Symbole ausgelöst, die narrative oder mythologische Bezüge im Werk schaffen. Assoziative Abstraktion beseitigt die Vorstellung, dass ein Werk nur dann als abstrakt gelten kann, wenn es gegenstandslose Kunst ist. Sie erweitert den Begriff der Abstraktion und zeigt, dass selbst ein überwiegend realistisches Bild Assoziationen hervorrufen kann, die als abstrakt wahrgenommen werden.

Das Ende der Geschichten

Wenn man auf die Geburt der Moderne zurückblickt, würden manche sagen, die Denkweise jener frühen Modernisten wirkt heute etwas altmodisch. Die ganze Vorstellung, die Welt könne durch Künstler neu gestaltet werden, klingt etwas utopisch und naiv. Aber die Modernisten glaubten an die Erzählung der Geschichte und daran, dass es möglich sei, die Welt auf bisher ungeprobte Weise zu verändern. Sie glaubten auch, dass Neuheit und Wandel notwendigerweise eine bessere Welt schaffen. Es war diese übergreifende Erzählung, dass Geschichte linear und logisch sei und sich fortschreitend aufbauen lasse, die zur Moderne und zu jeder Kunstbewegung führte, die Teil von ihr wurde.

Viele betrachten den Neo-Expressionismus als das Ende dieser Geschichte. Er vereinte Aspekte mehrerer vorangegangener Bewegungen. Er verband Abstraktion und Figuration. Er wandte sich der Vergangenheit zu, anstatt strikt neu sein zu wollen. Und er lieferte ein überzeugendes Argument, dass es kaum, wenn überhaupt, Unterschiede zwischen Gegenwart und Vergangenheit gibt. Er zeigte, dass jede Trennung und jeder Fortschritt, der mit der Moderne verbunden ist, möglicherweise falsch war. Er lehrte uns, dass alle Kunst direkt ist, alle Kunst Ausdruck ist und dass alle Kunst im Grunde abstrakt ist. Damit vollendete er die Arbeit der Moderne. Er ebnete den Weg für den Pluralismus, den wir heute in der Kunstwelt sehen, und für die Vorstellung, dass jede Kunstbewegung und jede ästhetische Position gleichzeitig existieren und für jede Zeit gleichermaßen relevant sein kann.

Abgebildet: Georg Baselitz - Der Brücke-Chor (Detail), 1983, Öl auf Leinwand, © Georg Baselitz
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio