Frauen in der amerikanischen Abstraktion, 1930-1950

Amerikanische abstrakte Künstler standen in den 1930er und 1940er Jahren vor vielen Hürden. In eine Disziplin eintretend, die noch von Realismus dominiert und von mächtigen Kunstkritikern und Institutionen beherrscht wurde, mussten abstrakte Künstler kreative Wege finden, um ihre Arbeiten zu fördern und in einer zunehmend turbulenten Welt Akzeptanz zu gewinnen. An vorderster Front standen mutige, talentierte Künstlerinnen, die zudem komplexe soziale und kulturelle Dynamiken in den Vor- und Nachkriegszeiten navigieren mussten. Bis heute wurden ihre Beiträge zur frühen amerikanischen Abstraktion oft zugunsten männlicher Pioniere übersehen. Um jedoch die Kunstgeschichte vollständig zu verstehen, müssen wir die Frauen anerkennen, die den Weg für die Abstraktion geebnet haben durch ihre Kreativität, Ästhetik und Advocacy.

Frühe Abstraktion

Abstraktion wird allgemein anerkannt, dass sie in Europa im späten neunzehnten Jahrhundert begann, als einige Künstler sich von der Realität abwandten und Formen, Texturen und Töne detaillierter erkundeten. Technologische Fortschritte, einschließlich verbesserter Kommunikation und Reisen, ermöglichten es europäischen und amerikanischen Künstlern, Ideen mehr denn je auszutauschen. Ebenso brachten viele europäische Künstler, die vor den Schrecken des Ersten und Zweiten Weltkriegs flohen, neue Techniken und Theorien in die Vereinigten Staaten. Dies führte zu einer wachsenden Gruppe amerikanischer Künstler, die an Abstraktion interessiert waren, von denen viele Künstler in Europa besucht oder Kurse bei europäischen Flüchtlingen in den Vereinigten Staaten belegt hatten. Abstraktion wurde jedoch besonders vom amerikanischen Kunstestablishment verachtet, das abstrakte Künstler daran hinderte, in Galerien und Museen auszustellen, sie in der Presse auf die schwarze Liste setzte und sie daran hinderte, erfolgreiche Karrieren zu verfolgen.

Chancen für Frauen

Die Unruhen der 1930er Jahre öffneten überraschenderweise die Türen für abstrakte Künstler in Amerika. Als Reaktion auf die hohe Arbeitslosigkeit in der Kunstgemeinschaft während der Großen Depression schuf die US-Regierung das Works Progress Administration (WPA) Federal Art Project. Künstler aus allen Hintergründen (einschließlich Frauen und abstrakter Künstler) wurden während der Depression und der Kriegsjahre bezahlte Positionen in von der Regierung geförderten Kunstprojekten angeboten. Tausende von Künstlern wurden eingestellt, darunter zukünftige Wegbereiter wie Lee Krasner, Dorr Bothwell und Louise Nevelson, um Institutionen in den Vereinigten Staaten mit Wandmalereien, Gemälden und anderen Designs zu verschönern. Andere Künstler, wie Irene Rice Pereira, halfen, staatlich geförderte Kunstschulen zu gründen, um benachteiligten Schülern Kunstkurse anzubieten. Indem sie diese einzigartigen Programme nutzten, konnten Künstlerinnen ein Einkommen durch Kunst erzielen und wertvolle Erfahrungen im Unterrichten, in der Kunstproduktion und im öffentlichen Engagement sammeln. Diese Fähigkeiten waren entscheidend, als sie die vielfältige Disziplin der Abstraktion und ihre eigenen Karrieren schufen, verwalteten und förderten.

Andere Frauen, darunter Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina und Ray Kaiser (später Eames), halfen dabei, eine neue Organisation, die American Abstract Artists (AAA), zu gründen, um die Abstraktion der Öffentlichkeit näherzubringen und Ausstellungsräume für Künstler bereitzustellen. Gegründet im Jahr 1936 in New York City, wurde die AAA als Reaktion auf die erste Ausstellung über Abstraktion des Museum of Modern Art im selben Jahr ins Leben gerufen. Diese Ausstellung mit dem Titel Cubism and Abstract Art zeigte fast ausschließlich europäische Künstler – was eine weitere institutionelle Ablehnung amerikanischer abstrakter Künstler darstellte. Slobodkina verfasste die Historische Übersicht der AAA, die noch heute auf ihrer Website veröffentlicht ist, und die den dringenden Bedarf für diese Gruppe zusammenfasste: „Was waren die Umstände, unter denen diese einzigartige Organisation entstand und schnell Wurzeln schlug? . . . Das Jahr war 1936. Der Ort – New York City. Die Zeit – wirtschaftliche Depression und praktisch totale Isolation der Allgemeinheit von jeglichem Kontakt mit aktuellen fortschrittlichen ästhetischen Strömungen.“

Innerhalb eines Jahres veranstaltete AAA seine erste Ausstellung in den Squibb Galleries in New York. Obwohl die Ausstellung gut besucht war und allgemein positives Feedback aus der Öffentlichkeit erhielt, reagierte die Presse dennoch mit Feindseligkeit. AAA zeigte jedoch weiterhin in vielen lokalen Veranstaltungsorten und gewann langsam eine wachsende Basis von Bewunderern und Sammlern, selbst als die Große Depression und der Zweite Weltkrieg die Stimmung dämpften und die Geldbeutel leerten. Frauen spielten eine wichtige Rolle bei AAA, standen im Mittelpunkt der Ausstellungen, schrieben Kritiken und übernahmen Führungsrollen – darunter die Gründerinnen Mason und Slobodkina, die beide als Präsidentinnen von AAA amteten.

Charmion von Wiegand (1896-1983), Untitled, ca. 1942. Collagiertes Papier, opake Aquarellfarbe und Feder und Tinte auf Papier, 8 1/2 × 8 1/16 Zoll (21,6 × 20,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Geschenk von Alice und Leo Yamin 91.84.5. © Nachlass von Charmion von Wiegand; Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Kritiken

Allerdings sahen Frauen, selbst als die Abstraktion in der amerikanischen Kultur Fuß fasste, weiterhin erheblichen Schwierigkeiten gegenüber. Trotz einiger Fortschritte, die während des Krieges erzielt wurden und es Frauen ermöglichten, außerhalb des Hauses zu arbeiten, wurden weibliche Künstlerinnen dafür kritisiert, Arbeiten zu verrichten, die nicht strikt häuslich oder kriegsbezogen waren. Viele Pionierinnen dieser Zeit werden eher für ihre berühmten Ehemänner als für ihre Beiträge zur Abstraktion in Erinnerung behalten, darunter Ray Kaiser (später Eames, verheiratet mit Charles Eames), Lee Krasner (verheiratet mit Jackson Pollock) und Elaine De Kooning (verheiratet mit Willem De Kooning). Dennoch kann ihr künstlerischer Einfluss auf ihre Ehemänner nicht geleugnet werden. Man betrachte nur Kaiser, eine hochqualifizierte Künstlerin, die mit ihrem Architekten-Ehemann an mehreren Projekten zusammenarbeitete. Ihr Einsatz von organischen Formen und die Spannung zwischen Räumen sind zentrale Merkmale ihrer Designs und das, was den Namen Eames so gefeiert machte. Ebenso sind Krasners Bemühungen, Pollocks Erbe nach seinem frühen Tod 1956 zu fördern, weitgehend der Grund, warum sein Werk heute so gefeiert wird.

Viele Galerien und Museen weigerten sich ebenfalls, Künstlerinnen auszustellen: Der Galerist Samuel Kootz, ein großer Unterstützer des Abstract Expressionism, soll gesagt haben, dass dies daran lag, dass sie zu viel Trouble machten. Auf der anderen Seite reagierten viele Kritiker zunächst positiv auf Werke von weiblichen abstrakten Künstlerinnen – bis sie entdeckten, dass die Schöpferin eine Frau war. Krasner berichtete, dass ein Kritiker einmal über ihr Werk sagte: „Wir erfuhren, dass die Künstlerin eine Frau war, gerade rechtzeitig, um unseren Enthusiasmus zu dämpfen.“ Infolgedessen änderten mehrere Künstlerinnen ihre Namen, um ihre Weiblichkeit zu verbergen. Irene Rice Pereira stellte ihre dynamischen geometrischen Gemälde stattdessen unter dem Namen I. Rice Pereira aus. Ebenso änderte die Künstlerin Dorr Bothwell ihren Namen von Doris rechtlich, um eine günstigere Aufnahme bei den Kritikern für ihre surrealistischen Werke zu erhalten. Dennoch rahmten viele männliche Führer der Bewegung die Werke dieser Künstlerinnen weiterhin im Zusammenhang mit ihrer Weiblichkeit ein. Der legendäre Hans Hoffman, der viele weibliche abstrakte Künstlerinnen ausbildete, sagte einmal, dass Krasners Werk „so gut sei, dass man nicht wüsste, dass es von einer Frau gemacht wurde.“ Trotz der offensichtlichen Qualität ihrer Arbeiten wurden Künstlerinnen ständig daran erinnert, dass Weiblichkeit ein Werkzeug war, das gegen sie verwendet wurde, um die Ablehnung ihres Handwerks in der Kunstwelt zu rechtfertigen.

Freiheit in der Abstraktion

Die Ironie ist natürlich, dass Abstraktion – mit ihrer Vielfalt an Ausdrucksformen, dem Fehlen konkreter Formen und der Vielzahl von Themen – im Allgemeinen nicht als männlich oder weiblich klassifiziert wird. Wenn ein Betrachter ein abstraktes Kunstwerk betrachtet, wird es ihm schwerfallen, das Geschlecht des Künstlers, der es geschaffen hat, zu identifizieren. Nehmen wir zum Beispiel Alice Trumbull Masons Druck "Labyrinth der geschlossenen Formen" von 1945, eine Ansammlung von runden und rechteckigen Formen auf einem schattierten Hintergrund. Das Werk spielt mit Graustufen, Weißraum und Interaktionen zwischen Formen – nichts an dem Werk spricht für Masons Identität als Frau. Elaine De Kooning hingegen umarmte Elemente der Figuration in ihren bunten, ätherischen Pinselstrichen, genau wie viele männliche Impressionisten einige Jahrzehnte zuvor mit Licht gearbeitet hatten. Durch Abstraktion konnten Frauen die Vorstellungen von 'weiblicher' Ästhetik herausfordern und aus früheren Formen ausbrechen. Dennoch blieb die wirkliche Akzeptanz innerhalb der künstlerischen Gemeinschaft schwer fassbar – vielleicht bis jetzt.

Was bemerkenswert an den abstrakten Künstlerinnen der 1930er und 1940er Jahre ist, ist ihre Widerstandsfähigkeit und ihr Engagement für ihr Handwerk. Durch wirtschaftliche Katastrophen und globale Kriege fanden sie Wege, inspiriert, engagiert und aktiv in ihrem Bereich zu bleiben. Infolgedessen überleben ihre Werke und Vermächtnisse bis heute. Es ist nicht zu spät, die Errungenschaften dieser Individuen in dieser bemerkenswerten Zeit der Geschichte anzuerkennen.

Das Whitney Museum für Amerikanische Kunst In New York City wurde eine Ausstellung kuratiert, um die Arbeiten und Errungenschaften mehrerer amerikanischer abstrakter Künstlerinnen aus der Zeit vor und nach dem Krieg zu erkunden. "Labyrinth der Formen: Frauen und Abstraktion, 1930-1950" wird bis März 2022 zu sehen sein.

Von Emelia Lehmann

Vorschaubild: Lee Krasner (1908-1984), Stillleben, 1938. Öl auf Papier, 19 × 24 3/4 Zoll (48,3 × 62,9 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Kauf zu Ehren von Charles Simon, mit Mitteln, die von seinen Freunden von Salomon Brothers anlässlich seines 75. Geburtstags gegeben wurden, sowie mit Mitteln von einem anonymen Spender und dem Zeichnungsausschuss 90.19. © 2021 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York