18 Artistas Abstractos Contemporáneos Hablan Sobre Su Linaje

Es peligroso e imposible enseñar arte. Sin embargo, también es imperativo. Para que el arte exista, los artistas deben aprender a convertirse en lo que van a ser y a crear lo que van a crear. Algunos aprenderán en la escuela, de otros humanos defectuosos como ellos que, por cualquier razón, han asumido la peligrosa, imposible e imperativa tarea de compartir con otros lo que han aprendido. Otros artistas encontrarán maestros fuera del aula. Pueden aprender lo que significa ser un artista al relacionarse con otros artistas en inauguraciones o en bares. Pueden aprender lo que significa hacer arte al ver videos en línea, o al deconstruir el arte que ven en museos o en libros. Algunos artistas pueden enseñarse a sí mismos lo que son siguiendo la inspiración que reciben de la arquitectura y el diseño, simplemente respondiendo a los pensamientos y sentimientos que experimentan al interactuar con el entorno construido cotidiano y sus innumerables productos y espacios. Otros más pueden aprender a ser artistas simplemente abrazando—y luego nutriendo—su compulsión interna de crear. El proceso de hacer puede enseñarnos cómo hacer. El proceso de ser puede enseñarnos lo que queremos ser. Al final, todos los que logran atravesar el proceso de aprendizaje hasta el momento en que pueden decir la frase, “Soy un artista,” sin sentir que es una mentira, tendrán una historia que contar sobre sus maestros. Hoy les traemos una colección de tales historias de artistas lo suficientemente valientes como para compartir sus linajes de aprendizaje. Son valientes porque anunciar su herencia estética o conceptual los expone a una terrible amenaza. Tú, el lector, podrías darte cuenta de que un artista fue estudiante de otro artista, o se inspiró en esto o aquello, y confundir eso con un atajo. Podrías decir, “¡Ajá! Ahora veo a quién están copiando,” o, “¡Ahora entiendo su arte!” En cambio, mientras lees estas anécdotas de cómo estos 18 artistas se convirtieron en lo que son, deja que la información expanda tu percepción. Sigue cada hilo y profundiza. Podrías vislumbrar la peligrosa, imposible e imperativa belleza de lo que realmente significa enseñar y aprender arte.

Anya Spielman

Spielman fue estudiante de Wayne Thiebauld mientras estaba en la Universidad de California en Davis. Sobre sus otros maestros, ella dice:

"Una gran influencia para mí fue ver el tríptico de Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias terrenales" en El Prado cuando era adolescente. Me quedé impresionado por la iconografía, así como por el color exuberante y las composiciones intrincadas de su obra. Respondí de inmediato a la dualidad en el trabajo de Bosch: su paleta stark y iluminada: tonos de negro tinta, umbra, rosa pálido, hueso, bermellón y azurita; las curvas de sus cápsulas de placer translúcidas en el Edén juxtapuestas con el descenso psicológico y físico penetrante hacia un infierno alucinatorio. El genio visionario de Bosch representó la naturaleza humana en todas sus formas, con una intimidad y poder directos que encuentro increíblemente raros incluso hoy en día."

Anya Spielman - Ultravioleta, 2015. Óleo sobre panel. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudió con Louis Finkelstein mientras era estudiante de posgrado en Queens College, City University of New York. En la misma escuela, estudió con Benny Andrews, quien se formó como un Expresionista Abstracto en la School of the Art Institute of Chicago en la década de 1950; Clinton Hill, quien fue asistente de estudio de Mark Rothko; el crítico de arte y editor asociado de Artforum Robert Pincus-Witten, quien dice que "me ayudó a desarrollar mi ojo crítico;" y Charles Cajori, quien fue estudiante de Hans Hoffman. Dice Sirlin:

"[Lineage] es, de hecho, una pregunta complicada. Los vínculos con los artistas también son laterales. Anne Truitt fue importante para mí cuando era un joven artista en Yaddo. Melissa Meyer también estaba allí ese verano [1983]. Erin Lawlor fue mi compañera de estudio en The Rothko Centre en Letonia. Jose Heerkins estaba en el Rothko Centre al mismo tiempo que nosotros [2016]. Kara Walker era estudiante cuando enseñé en The Atlanta College of Art y Kara y yo mostramos en la misma Bienal de Atlanta en 1992. Luego están los otros artistas—escritores y dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frieda Kahlo y Arshile Gorky] fue mi mentora como escritora de arte. Chris Kraus [I Love Dick] y yo estuvimos en Yaddo juntos... Fui un amigo cercano del dramaturgo Ronald Tavel [Teatro de lo Ridículo]. Él fue guionista para Warhol... Espero no haber confundido las cosas para ti en esta respuesta adicional."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Técnica mixta sobre lienzo. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Cuando empecé a pintar, fui más influenciado por Picasso. Me atrajo su uso del color y la creación de marcas, en particular en "Chica ante el espejo" (1932). Más tarde, a medida que comencé a pintar más de una manera expresionista abstracta, me sentí más atraído por Joan Mitchell y Willem De Kooning. Sin embargo, realmente empecé a mirar su trabajo después de haber estado pintando de esta manera, no antes."

Brenda Zappitell - En este momento, 2017. Flashe y acrílico con cera fría sobre panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

En una entrevista de 2006 para Minus Space NY, el pintor Chris Ashley preguntó a Göttin dónde comienza como artista. Göttin respondió:

"La historia del arte a veces finge que un movimiento artístico particular es una entidad completa. Usar el término "concreto" no necesariamente coincide con el trasfondo ideológico de la Konkrete Kunst, que también se basaba en ideas sobre la sociedad y la política. Mi preocupación es sobre una entidad que también puede incluir contradicciones: un sí y un no, e incluso un tal vez. Mi punto de partida es una síntesis de diferentes puntos de vista o posiciones al mismo tiempo, que para mí es una visión espacial. Puede ser obvio o sutil, simétrico o asimétrico o ambos juntos, con o sin contradicción. Puede ser regla y desviación juntas. Algunas de las obras anteriores que hice fueron collages relacionados con el trabajo de Kurt Schwitters (Merz), cualquier material encontrado pegado de manera aproximada sobre un trozo de cartón: físico, directo, improvisado, accidental, colorido, incluso dadaísta. Más tarde, me interesé en el Arte Minimal, donde la obra de arte a menudo está precisamente planificada, y perfectamente y claramente construida con un uso definido de materiales y atención a los detalles. Ambos movimientos son importantes para mí, y a veces veo mi trabajo llevando partes de ambos, correspondiendo entre esas dos posiciones históricas del arte."

Daniel Göttin - Sin título 2 (Rosa), 1992. Acrílico sobre pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Es bastante difícil entender las influencias de uno, al menos para mí, ya que trabajo en gran medida desde la intuición y no tanto desde la conciencia. Creo que mis años formativos como estudiante de arte en UCLA (BA 74, MFA 77) formaron una gran parte de quien soy. En aquellos días, UCLA era una escuela bastante orientada a la pintura con una inclinación europea/modernista. Para mi primera clase de pintura, estaba inscrito para tomar la clase introductoria de pintura con Richard Diebenkorn (no tenía idea de quién era), pero él y la dirección de la facultad tuvieron algunos problemas, y su puesto fue terminado antes de que comenzara la clase. Así que estudié con Richard Joseph, un nuevo realista, que me proporcionó una base sólida. No fue hasta seis meses después, trabajando en una clase de pintura más avanzada con Charles Garabedian, que comencé a experimentar con la abstracción. A lo largo de los años, el profesor que probablemente tuvo más influencia en mí fue William Brice. Bill era un maestro y amigo muy articulado, digno, generoso, reflexivo y divertido. Como un artista prolífico y trabajador, a menudo hablaba sobre la necesidad de pasar tiempo en el estudio resolviendo cosas y que todo lo demás es menos importante. A menudo pienso en él y me siento muy afortunado de haberlo conocido durante mucho tiempo. Me tomó varios años separarme de la idea de ser un estudiante y de escuchar los sonidos de mis viejos profesores en mi cabeza cada vez que pintaba, pero con el tiempo he alcanzado una clara comprensión de quién soy y de la responsabilidad que tengo de hacer un trabajo que cumpla con mi visión. A menudo veo aspectos de otros artistas en mi trabajo, a veces sintiendo que realmente hay una conexión a través de las mismas ideas y otras veces simplemente parece que cualquier parecido es superficial. Al final, que hablen los críticos de arte sobre las influencias."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) fue mi profesor de grabado hace 25 años. Nos conocimos por primera vez cuando me alojaba en el Fine Arts Work Center en Provincetown, donde Michael ofrecía un taller de una semana sobre grabado. Hay tantas cosas que destacan sobre nuestra conexión inicial: Michael era una persona increíblemente empática y socialmente consciente, no solo en su tema elegido (dibujos y grabados de los pacientes sufrientes en un hospital psiquiátrico y animales tras las rejas en un zoológico), sino en nuestras conversaciones uno a uno sobre la vida. Me enseñó a ser generoso a través del ejemplo como una forma de equilibrar la autoabsorción del estudio. No había nada sobre su técnica o la búsqueda de una carrera artística que Michael no compartiera. Michael pasó tiempo en China a finales de los 80 y fue a través de su amor por el paisaje asiático que aprendí a simplificar mis gestos, a pintar con una economía de expresión, algo que guardo muy cerca de mi corazón. Nunca olvidaré su sentido del humor cuando me decía: "Tracey, esto es ungepatchke!", una palabra yiddish que significa demasiado ocupado y decorado."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafito e tinta sobre rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cita su primera inspiración como una acuarela de Paul Cezanne que vio cuando tenía 11 años, la cual dejó "una impresión inolvidable." Ella continúa diciendo:

"Mi profesor, Klaus Stümpel, estaba lo suficientemente cerca de la naturaleza como para que casi le apodaran 'un agricultor'. Me recomendó estudiar a Frantisek Kupka. Estudié su proceso de abstracción y su perspectiva cósmica y mística. Sobre todo, aprendí más que nada sobre su amor por la vida y su voluntad de mantener sus pensamientos. Cuando volví a Corea, volví a pensar en Kandinsky. Creo que su deseo de encontrar una verdad objetiva y universal en el arte es un desafío imposible. Creo que el arte es subjetivo y personal más que cualquier otra cosa. Cuando busco mi lado más profundo, puedo comunicarme con el interior de los demás. Creo que el arte puede ser un medio que conecta el microcosmos (humano) y el macrocosmos (mundo). Especialmente, el color es el tema de mi investigación. Estoy buscando el color como adjetivo. Me gusta la actitud de Richter hacia el trabajo, su pasión por la pintura y el espíritu de experimentación. ¿Quizás On Kawara? Me gusta su obra, que quería probar que estaba vivo, y quiero probarme a mí mismo trabajando todos los días que todavía estoy vivo, emocional y sensiblemente. Mis pensamientos sobre Wassily Kandinsky y muchos otros Minimalistas son muy diferentes de la perspectiva general. No estoy de acuerdo con su punto de vista artístico."

Kyong Lee - Imagen con Blanco, 2008. Acrílico sobre lienzo, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita influencias que incluyen artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, y Andy Warhol), diseñadores (Saul Bass y Roy Kuhlman) y arquitectos (Le Corbusier). Pero también habla sobre las formas personales en que la cultura ha influido en su arte, como en la siguiente anécdota:

"El negocio de mi papá era la señalización. Como la mayoría de los niños urbanos en América, crecí en el asiento trasero de un coche, hiperconsciente de las vallas publicitarias y el neón. El estímulo visual directo que llama la atención era parte de mi psique. Muy recientemente, estuve visitando el MoMA en Nueva York y me impactó nuevamente la pintura de Barnett Newman "Vir Heroicus Sublimis" (Hombre, Heroico y Sublime) (1950-51). Mi respuesta visceral a su poder, inmediatez y simplicidad fue abrumadora, reafirmando mi propio pasado visual e identidad."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sobre papel Khadi hecho a mano. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Para mí, fue Mondrian. Los artistas abstractos de esa época trabajaban de manera más conceptual con la abstracción, lo que significa que les gustaba la idea de ello, mientras que Mondrian trabajaba hacia atrás a través de la mecánica y salía por el otro lado reinventando el plano pictórico. No muchos han hecho eso desde entonces. Luego empecé a pensar que debe haber más formas de entrar en este extraño espacio que Mondrian tenía tan claro. [Ellsworth] Kelly y [Robert] Mangold mostraron otras formas de expresar este 'otro' espacio. La experiencia de estos artistas me dio espacio para realmente apreciar los esfuerzos de mis compañeros y esforzarme por avanzar más allá del siguiente sobre."

Brent Hallard - Nubes, 2013. Acrílico sobre papel. 25.4 x 35.6 cm

Piedra Audrey

"He amado y pensado frecuentemente en la obra de Vija Celmins. Su intensa observación y calma ejecución son muy inspiradoras para mí. Louise Bourgeois siempre me ha inspirado con su determinación de expresarse en el mejor medio para sus ideas. Una inspiración más obvia sería Agnes Martin, me encanta su reserva confiada, y Mark Rothko por el impacto emocional que su obra puede provocar."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Hilo, tinta y grafito sobre papel. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menciona los búnkeres alemanes de la era de la Segunda Guerra Mundial que bordean la costa atlántica francesa. Él dice: “La mayoría de la gente los considera cicatrices feas. A mis ojos, su sustancia era parte del paisaje, el tiempo los fusionó con la arena, las dunas y el mar o con las pinturas que los artistas callejeros les hicieron.” Además, Auville fue afectado por esta experiencia de su juventud:

"A la edad de seis o siete años, tuve el privilegio de visitar la Cueva de Lascaux en el suroeste de Francia. Fue un shock para mí. Mis padres compraron algunas reproducciones como souvenirs y pasé horas mirándolas en el sótano de nuestra casa preguntándome qué hacía la diferencia entre las imágenes y la verdadera obra de arte. La diferencia era obvia, pero luchaba por entender su esencia. Encendía y apagaba la luz, pegaba arena en las imágenes en un intento de replicar la sustancia de las pinturas de Lascaux, pero nunca alcancé lo que creía que era su alma."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentado sobre paneles de espuma. Estructura y marco colgante en la parte posterior. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menciona influencias que van desde artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) hasta diseñadores de álbumes (Hipgnosis, Peter Saville), hasta músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Él dice:

"En los años anteriores a mi pubertad, el lenguaje visual de Piet Mondriaan recibió mucha atención en los Países Bajos. Era demasiado joven para pensar en términos de arte, pero Mondriaan estaba ahí, y era intrigante. ¡Y todavía lo es! Un poco más tarde conocí a los Suprematistas que, como yo, tomaron formas geométricas como punto de partida. Debido a que mis hermanas son aproximadamente cinco años mayores que yo, descubrí (a través de sus novios) a principios de mi adolescencia la música 'progresiva' y el diseño de portada que la acompañaba. No es sorprendente que quisiera convertirme en diseñador de portadas. Si tuviera que elegir un artista visual que cambiara mi forma de ver las cosas, sería Ellsworth Kelly. A mediados de los 80, el Museo Stedelijk de Ámsterdam compró "Blue Curve VI" (1982). Iba regularmente a mirarlo y estudiaba el lenguaje visual. Pero ahora, quizás más importante, también me guía mi propia reacción al arte... Comencé a pensar en el arte... el propósito, el significado, oh Dios mío."

Luuk De Haan - Danza Diáfana 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD sobre papel Hannemuhle. 29.7 x 21 cm

Brenda Rubia

"Las enseñanzas de Josef Albers influyen en cómo pienso sobre la colocación de colores en diferentes contextos. Y los skyspaces de James Turrell influyeron en cómo pienso sobre la colocación de color atmosférico en diferentes contextos. En general, la estética general de mis series Paper Skies y Moving Pictures está fuertemente influenciada por pintores americanos modernos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Grande), 2015. Impresión por sublimación de tintas sobre aluminio (acabado mate/brillante). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Descubrí, hace más de 20 años, la capilla de Ronchamp, una obra tardía del arquitecto Charles Edouard Jeanneret, conocido como Le Corbusier. No sentí, ni antes ni después, tal percepción de la corrección de las posibilidades entre masividad y elevación. Entonces comenzó para mí esta larga búsqueda, que aún me alimenta hoy, con el objetivo de acercarme a la relación más adecuada entre lo lleno y lo vacío."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum y punta seca sobre cobre. Impresión en papel bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Me gustaría hablar sobre el artista que me ha inspirado durante décadas, más que cualquier otro artista: Matisse, un artista que se podría estudiar durante toda una vida. Su obra tomó tantas rutas debido a su experimentación y búsqueda de nuevas posibilidades con la pintura. Son hermosas, edificantes, complejas, a veces encantadoras y serenas, a veces difíciles y desafiantes—reflejo de cómo es la vida."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acuarela sobre papel. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

En lugar de enumerar sus influencias, Cantrick cita a los artistas cuyo trabajo le interesa más, ya sea que haya o no un vínculo directo con su propio trabajo. Su lista corta de arte moderno y contemporáneo:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé y Per Kirkeby. Esa es una lista ecléctica y no exhaustiva, pero lo que tienen en común es claridad, complejidad y vitalidad—que son mis propias preocupaciones—expresadas a través de un color y una estructura fuertes, formas distintas y un espacio pictórico superficial. Para el periodo premoderno, Vermeer, Degas y Manet están en la cima de mi lista, por, nuevamente, ese trío de atributos: claridad, complejidad, vitalidad. Además: La tensión en la sólida representación de Vermeer transmite una quietud increíblemente palpable—la suspensión del tiempo. La manera particular de Degas de puntuar su espacio con áreas "silenciosas", no animadas y/o un fuerte elemento vertical promueve una visualización prolongada y rítmica. Y hay una inmediatez y frescura en Manet que, aparte de toda la maestría, es, en su mejor momento, cautivadora."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrílico sobre lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"En mi caso, no fui influenciado por un artista en particular, sino más bien por la comunidad artística en la que crecí en Chicago. Había artistas por todas partes en mi vecindario, llamado el área de Lincoln Park o Old Town, y cuando mostré interés en el dibujo siendo preadolescente, me animaron a asistir a la escuela afiliada con el maravilloso Instituto de Arte de Chicago para el dibujo de figura. Allí pude caminar directamente a través del Museo con su famosa colección impresionista para poder entrar a la escuela. Creo que eso formó básicamente mi interés en la línea, el gesto y el color."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre lienzo. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mi linaje artístico se encuentra en artistas que combinan un enfoque "reductivo" en la creación de imágenes/objetos con una atención a la superficie y al detalle sutil. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros y Sol Lewitt vienen a la mente. Además, el trabajo escultórico de Richard Serra, Carl Andre y Fred Sandback, con su uso particular del espacio tridimensional, sigue inspirando mi enfoque hacia la pintura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílico sobre lienzo. 122 x 96.9 cm