18 Artistas Abstractos Contemporáneos Hablan Sobre Su Linaje

Es peligroso e imposible enseñar arte. Sin embargo, también es imperativo. Para que exista el arte, los artistas deben aprender a convertirse en aquello en lo que vayan a convertirse y a crear aquello que vayan a crear. Algunos aprenderán en la escuela, de otros seres humanos imperfectos como ellos que, por la razón que sea, han asumido la peligrosa, imposible e imperativa tarea de compartir con los demás aquello que han aprendido. Otros artistas encontrarán maestros fuera del aula. Quizá aprendan lo que significa ser artista al pasar el rato con otros artistas en inauguraciones o bares. Quizá aprendan lo que significa hacer arte viendo videos en línea o deconstruyendo el arte que ven en museos o libros. Algunos artistas quizá se enseñen a sí mismos quiénes son siguiendo la inspiración que reciben de la arquitectura y el diseño, respondiendo simplemente a los pensamientos y sentimientos que experimentan al interactuar con el entorno construido cotidiano y sus innumerables productos y espacios. Otros quizá aprendan a ser artistas simplemente al aceptar -y después alimentar- su compulsión interior por crear. El proceso de hacer puede enseñarnos a hacer. El proceso de ser puede enseñarnos lo que queremos ser. Al final, todo aquel que atraviese el proceso de aprendizaje hasta el momento en que pueda decir la frase «Soy artista» sin sentir que es una mentira tendrá una historia que contar sobre sus maestros. Hoy les presentamos una colección de historias así, contadas por artistas lo bastante valientes como para compartir sus genealogías de aprendizaje. Son valientes porque anunciar su herencia estética o conceptual los expone a una amenaza terrible. Tú, lector, podrías darte cuenta de que un artista fue alumno de otro artista o que se inspiró en esto o aquello, y confundirlo con un atajo. Podrías decir: «¡Ajá! Ahora veo a quién están copiando» o «¡Ahora entiendo su arte!». En cambio, al leer estas anécdotas sobre cómo estos 18 artistas llegaron a ser quienes son, deja que la información amplíe tu percepción. Sigue cada hilo y profundiza. Quizá vislumbres la peligrosa, imposible e imperativa belleza de lo que realmente significa enseñar y aprender arte.

Anya Spielman

Spielman fue alumna de Wayne Thiebaud mientras estudiaba en la Universidad de California en Davis. Sobre sus otros maestros, dice:

"Una gran influencia para mí fue ver el tríptico de Hieronymus Bosch, “El jardín de las delicias”, en El Prado cuando era adolescente. Me quedé atónita ante la iconografía, así como ante el color exuberante y las composiciones intrincadas de su obra. Respondí de inmediato a la dualidad en la obra de Bosch: su paleta austera y luminosa: tonos de negro tinta, siena tostada, rosa pálido, hueso, bermellón y azurita; las curvas de sus transparentes cápsulas del placer en el Edén, yuxtapuestas con el descenso psicológico y físico, desgarrador, hacia un infierno alucinatorio. El genio visionario de Bosch plasmó la naturaleza humana en todas sus formas, con una intimidad y un poder directos que incluso hoy me parecen increíblemente raros."

Anya Spielman - Ultravioleta, 2015. Óleo sobre panel. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudió con Louis Finkelstein mientras cursaba un posgrado en Queens College, City University of New York. En la misma institución, estudió con Benny Andrews, quien se formó como expresionista abstracto en la School of the Art Institute of Chicago en la década de 1950; Clinton Hill, quien fue asistente de estudio de Mark Rothko; el crítico de arte y editor asociado de Artforum Robert Pincus-Witten, de quien dice que “me ayudó a desarrollar mi mirada crítica”; y Charles Cajori, quien fue alumno de Hans Hofmann. Dice Sirlin:

"[Lineage] es, en efecto, una cuestión complicada. Los vínculos con los artistas también se desvían. Anne Truitt fue importante para mí cuando era una artista joven en Yaddo. Melissa Meyer también estuvo allí ese verano [1983]. Erin Lawlor fue mi compañera de estudio en el Centro Rothko de Letonia. Jose Heerkens estuvo en el Centro Rothko al mismo tiempo que nosotros [2016]. Kara Walker era estudiante cuando enseñé en el Atlanta College of Art, y Kara y yo expusimos en la misma Bienal de Atlanta en 1992. Luego están los demás artistas: escritores y dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frida Kahlo y Arshile Gorky] fue mi mentora como escritora de arte. Chris Kraus [I Love Dick] y yo estuvimos juntos en Yaddo... Fui amiga íntima del dramaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Fue guionista para Warhol... Espero no haberte confundido con esta respuesta adicional."

Deanna Sirlin - Maravilla, 2015. Técnica mixta sobre lienzo. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

«Cuando empecé a pintar, Picasso fue quien más me influyó. Me atraían su uso del color y la creación de marcas, en particular en “Muchacha ante un espejo” (1932). Más tarde, cuando empecé a pintar de una manera más cercana al expresionismo abstracto, me sentí más atraída por Joan Mitchell y Willem De Kooning. Sin embargo, realmente empecé a observar su obra después de estar pintando de esa manera, no antes».

Brenda Zappitell - En este momento, 2017. Flashe y acrílico con cera fría sobre panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

En una entrevista de 2006 para Minus Space NY, el pintor Chris Ashley preguntó a Göttin dónde comienza como artista. Göttin respondió:

La historia del arte a veces finge que un movimiento artístico particular es una entidad completa. Usar el término «concreto» no necesariamente coincide con el trasfondo ideológico del arte concreto, que también se basaba en ideas sobre la sociedad y la política. Me preocupa una entidad que también pueda incluir contradicciones: un sí y un no, e incluso un quizá. Mi punto de partida es una síntesis de diferentes puntos de vista o posiciones al mismo tiempo, lo que para mí constituye una visión espacial. Puede ser obvia o sutil, simétrica o asimétrica, o ambas a la vez, con contradicción o sin ella. Puede ser regla y desviación juntas. Algunas de las primeras obras que hice fueron collages relacionados con la obra de Kurt Schwitters (Merz): cualquier material encontrado pegado de manera aproximada sobre un trozo de cartón; físicos, directos, improvisados, accidentales, coloridos, incluso dadaístas. Más tarde, me interesé por el arte minimalista, donde la obra suele planificarse con precisión y construirse de manera perfecta y clara, con un uso definido de los materiales y atención a los detalles. Ambos movimientos son importantes para mí, y a veces veo que mi obra lleva partes de ambos, situándose entre esas dos posiciones de la historia del arte.

Daniel Göttin - Sin título 2 (Rosa), 1992. Acrílico sobre pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Es bastante difícil comprender las propias influencias, al menos para mí, ya que trabajo principalmente a partir de la intuición y no tanto de la conciencia. Creo que mis años de formación como estudiante de arte en UCLA (BA 74, MFA 77) fueron una parte importante de quien soy. En aquella época, UCLA era una escuela de pintores bastante orientada hacia el modernismo europeo. Para mi primera clase de pintura, me inscribí en el curso introductorio con Richard Diebenkorn (no tenía ni idea de quién era), pero él y la dirección del profesorado tuvieron algunos desacuerdos, y su puesto fue cancelado antes de que comenzara la clase. Así que estudié con Richard Joseph, un nuevo realista, quien me proporcionó una base sólida. No fue hasta seis meses después, mientras trabajaba en una clase de pintura más avanzada con Charles Garabedian, que comencé a experimentar con la abstracción. A lo largo de los años, el profesor que probablemente tuvo la mayor influencia en mí fue William Brice. Bill era un profesor y amigo muy elocuente, digno, generoso, considerado y divertido. Como artista prolífico y trabajador, a menudo hablaba de la necesidad de pasar tiempo en el estudio resolviendo las cosas, y de que todo lo demás es menos importante. Pienso en él a menudo y me siento muy afortunado de haberlo conocido durante tanto tiempo. Me llevó varios años desligarme de la idea de ser estudiante y de escuchar las voces de mis antiguos profesores en mi cabeza cada vez que pintaba, pero con el tiempo he adquirido una noción clara de quién soy y de la responsabilidad que tengo de crear obras que hagan realidad mi visión. A menudo veo aspectos de otros artistas en mi obra, a veces con la sensación de que realmente existe una conexión a través de las mismas ideas, y otras veces simplemente parece que cualquier parecido es superficial. Al final, dejemos que los críticos de arte hablen de las influencias."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) fue mi profesor de grabado hace 25 años. Nos conocimos por primera vez cuando me alojaba en el Fine Arts Work Center de Provincetown, donde Michael impartía un taller de una semana sobre grabado. Muchas cosas destacan de nuestra conexión inicial: Michael era una persona increíblemente empática y consciente de la sociedad, no solo por los temas que elegía (dibujos y grabados de pacientes que sufrían en un hospital psiquiátrico y de animales tras las rejas de un zoológico), sino también por nuestras conversaciones individuales sobre la vida. Me enseñó a ser generosa dando ejemplo, como una forma de equilibrar la ensimismada dedicación del estudio. No había nada sobre su técnica ni sobre la trayectoria profesional en el arte que Michael no compartiera. Michael pasó un tiempo en China a finales de los años 80 y fue gracias a su amor por el paisaje asiático que aprendí a simplificar mis gestos y a pintar con una economía de expresión, algo que llevo muy dentro. Nunca olvidaré su sentido del humor cuando me decía: «Tracey, ¡esto es ungepatchke!», una palabra yidis que significa demasiado recargado y decorado."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafito y tinta sobre rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cita como su primera inspiración una acuarela de Paul Cezanne que vio cuando tenía 11 años y que le dejó «una impresión inolvidable». Continúa diciendo:

"Mi profesor, Klaus Stümpel, estaba tan cerca de la naturaleza que casi lo apodaban «granjero». Me recomendó estudiar a Frantisek Kupka. Estudié su proceso de abstracción y su perspectiva cósmica y mística. Sobre todo, aprendí más que nada de su amor por la vida y su voluntad de conservar sus pensamientos. Cuando regresé a Corea, volví a pensar en Kandinsky. Creo que su deseo de encontrar una verdad objetiva y universal en el arte es un desafío imposible. Pienso que el arte es subjetivo y personal por encima de todo. Cuando busco mi lado interior más profundo, puedo comunicarme con el interior de los demás. Creo que el arte puede ser un medio que conecte el microcosmos (el ser humano) y el macrocosmos (el mundo). En especial, el color es el tema de mi investigación. Busco el color como adjetivo. Me gusta la actitud de Richter hacia el trabajo, su pasión por la pintura y el espíritu de experimentación. ¿Quizá On Kawara? Me gusta su obra, con la que quería demostrar que estaba vivo, y yo quiero demostrarme a mí misma, trabajando cada día, que sigo viva, emocional y sensiblemente. Mis ideas sobre Wassily Kandinsky y muchos otros minimalistas son muy diferentes de la perspectiva general. No estoy de acuerdo con su enfoque artístico."

Kyong Lee - Cuadro con blanco, 2008. Acrílico sobre lienzo, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cita influencias que incluyen a artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman y Andy Warhol), diseñadores (Saul Bass y Roy Kuhlman) y arquitectos (Le Corbusier). Pero también habla de las formas personales en que la cultura ha influido en su arte, como en la siguiente anécdota:

"El negocio de mi padre era la rotulación. Como la mayoría de los niños urbanos de Estados Unidos, crecí en el asiento trasero de un automóvil, muy consciente de las vallas publicitarias y los letreros de neón. Los estímulos visuales directos y llamativos formaban parte de mi psique. Hace muy poco estaba visitando el MoMA de Nueva York y volví a quedar impactada por el cuadro de Barnett Newman «Vir Heroicus Sublimis» (El hombre, heroico y sublime) (1950-51). Mi respuesta visceral ante su fuerza, inmediatez y sencillez fue abrumadora, reafirmando mi propio pasado e identidad visuales."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sobre papel khadi hecho a mano. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Para mí, fue Mondrian. Los artistas abstractos de aquella época trabajaban de manera más conceptual con la abstracción, es decir, les gustaba la idea de esta, mientras que Mondrian trabajaba hacia atrás a través de la mecánica y salía por el otro extremo reinventando el plano pictórico. No muchos han hecho eso desde entonces. Después empecé a pensar que debía de haber más formas de adentrarse en ese extraño espacio que Mondrian dominaba tan claramente. [Ellsworth] Kelly y [Robert] Mangold mostraron otras maneras de expresar este «otro» espacio. La experiencia de estos artistas me dio margen para apreciar realmente los esfuerzos de mis colegas y para esforzarme por superar el siguiente límite."

Brent Hallard - Nubes, 2013. Acrílico sobre papel. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Me ha encantado y he pensado con frecuencia en la obra de Vija Celmins. Su intensa observación y serena ejecución me resultan muy inspiradoras. Louise Bourgeois siempre me ha inspirado por su determinación de expresarse con el medio más adecuado para sus ideas. Una inspiración más evidente sería Agnes Martin; me encanta su serena seguridad, y Mark Rothko por el impacto emocional que puede transmitir su obra."

Audrey Stone - Núm. 61, 2011. Hilo, tinta y grafito sobre papel. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menciona los búnkeres alemanes de la época de la Segunda Guerra Mundial que bordean la costa atlántica francesa. Dice: «La mayoría de la gente los considera cicatrices feas. A mis ojos, su sustancia formaba parte del paisaje; el tiempo los fusionó con la arena, las dunas y el mar, o con las pinturas que los artistas callejeros plasmaban en ellos». Además, Auville quedó marcado por esta experiencia de su juventud:

"A los seis o siete años tuve el privilegio de visitar la cueva de Lascaux, en el suroeste de Francia. Fue un shock para mí. Mis padres compraron algunas réplicas como recuerdos y pasé horas mirándolas en el sótano de nuestra casa, preguntándome qué diferenciaba las imágenes de la obra de arte real. La diferencia era evidente, pero me costaba descubrir en qué consistía. Encendía y apagaba la luz, pegaba arena sobre las imágenes en un intento de reproducir la sustancia de las pinturas de Lascaux, pero nunca alcancé lo que yo consideraba su alma."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentado sobre paneles de espuma. Estructura y marco de suspensión en la parte posterior. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menciona influencias que van desde artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) hasta diseñadores de álbumes (Hipgnosis, Peter Saville) y músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Dice:

"En los años anteriores a mi pubertad, el lenguaje visual de Piet Mondriaan recibió mucha atención en los Países Bajos. Era demasiado joven para pensar en términos de arte, pero Mondriaan estaba allí, y resultaba intrigante. ¡Y todavía lo es! Poco después conocí a los suprematistas, quienes, al igual que yo, tomaban las formas geométricas como punto de partida. Como mis hermanas son unos cinco años mayores que yo, al principio de mi adolescencia descubrí, a través de sus novios, la música «progresiva» y el diseño de portadas que la acompañaba. No es de extrañar que quisiera convertirme en diseñador de portadas de discos. Si tuviera que elegir a un artista visual que cambió mi forma de mirar las cosas, sería Ellsworth Kelly. A mediados de los años 80, el Stedelijk Museum de Ámsterdam adquirió «Blue Curve VI» (1982). Iba regularmente a contemplarla y estudiaba su lenguaje visual. Pero ahora, quizá más importante aún, también me guío por mi propia reacción ante el arte... Empecé a pensar en el arte... en su propósito, su significado, Dios mío."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD sobre papel Hahnemühle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Las enseñanzas de Josef Albers influyen en mi forma de pensar sobre cómo colocar los colores en distintos contextos. Y los skyspaces de James Turrell influyeron en mi forma de pensar sobre cómo colocar el color atmosférico en distintos contextos. En general, la estética de conjunto de mis series Paper Skies y Moving Pictures está muy influida por pintores estadounidenses modernos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Impresión por sublimación de tintes sobre aluminio (acabado mate/brillante). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Hace más de 20 años descubrí la capilla de Ronchamp, una obra tardía del arquitecto Charles Edouard Jeanneret, conocido como Le Corbusier. Ni antes ni después había experimentado una percepción tan clara de la relación entre las posibilidades de la masa y la elevación. Entonces comenzó para mí esta larga búsqueda, que todavía me alimenta hoy, con el objetivo de acercarme a la relación más adecuada entre lo lleno y lo vacío."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundo y punta seca sobre cobre. Impresión sobre papel BFK Rives de 250 g. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Me gustaría hablar de la artista que me ha inspirado durante décadas, más que cualquier otro artista: Matisse, un artista al que se podría estudiar durante toda la vida. Su obra tomó tantos caminos debido a su experimentación y a su búsqueda de nuevas posibilidades con la pintura. Son hermosas, inspiradoras y complejas; a veces encantadoras y serenas, a veces difíciles y desafiantes, un reflejo de cómo es la vida."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acuarela sobre papel. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

En lugar de enumerar sus influencias, Cantrick cita a los artistas cuya obra más le interesa, haya o no un vínculo directo con su propio trabajo. Su breve lista de artistas modernos y contemporáneos:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé y Per Kirkeby. Es una lista ecléctica y no exhaustiva, pero lo que tienen en común es claridad, complejidad y vitalidad - mis propias preocupaciones -, expresadas mediante un color y una estructura fuertes, formas diferenciadas y un espacio pictórico poco profundo. En cuanto a los premodernos, Vermeer, Degas y Manet encabezan mi lista, nuevamente por ese trío de atributos: claridad, complejidad y vitalidad. Además: la tensión de la sólida representación de Vermeer transmite una quietud increíblemente palpable - la suspensión del tiempo. La manera particular de Degas de puntuar su espacio con áreas «silenciosas» e inanimadas y/o un fuerte elemento vertical fomenta una contemplación prolongada y rítmica. Y en Manet hay una inmediatez y frescura que, aparte de todo lo demás que domina, resulta, en su mejor momento, cautivadora."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrílico sobre lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"En mi caso, no me influyó un artista en particular, sino más bien la comunidad artística donde crecí, en Chicago. Había artistas por todas partes en mi barrio, llamado la zona de Lincoln Park o Old Town, y cuando mostré interés por el dibujo en la preadolescencia, me animaron a ir a la escuela afiliada al maravilloso Art Institute of Chicago para dibujar del natural. Allí podía atravesar directamente el museo, con su famosa colección impresionista, para entrar en la escuela. Creo que eso formó básicamente mi interés por la línea, el gesto y el color."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre lienzo. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mi linaje artístico se encuentra en artistas que combinan un enfoque «reductivo» de la creación de imágenes/objetos con una atención a la superficie y al detalle sutil. Me vienen a la mente Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros y Sol Lewitt. Además, la obra escultórica de Richard Serra, Carl Andre y Fred Sandback, con su particular uso del espacio tridimensional, sigue inspirando mi enfoque de la pintura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílico sobre lienzo. 122 x 96.9 cm

Fuentes

• Tríptico El jardín de las delicias, Museo Nacional del Prado: Sirve de apoyo para la descripción de los paneles del Paraíso, los placeres terrenales y el Infierno del tríptico.