'RESUMEN / NO RESUMEN por Gagosian y Jeffrey Deitch en Art Basel Miami Beach 2017'
La Semana del Arte de Miami 2017 ha concluido, y con más de una docena de ferias simultáneas y decenas de exposiciones temporales por toda la ciudad, es seguro decir que nadie vio todo. Pero a pesar de la competencia, la colaboración Jeffrey Deitch / Larry Gagosian Art Basel Miami en el Edificio Moore en el Distrito de Diseño logró por tercer año consecutivo convertirse en una de las exposiciones más comentadas de la semana. Deitch y Gagosian están entre los veteranos del mercado del arte más experimentados y conocedores que existen hoy en día. Deitch comenzó su carrera mientras aún estaba en la universidad, abriendo una galería en una pequeña habitación de un hotel en Massachusetts a principios de los años 70. Estableció el brazo de inversión en arte de Citibank en los 80, y en los 90 abrió Deitch Projects en Nueva York. Cerró su galería en 2010 para aceptar un puesto como Director del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. Desde que dejó ese cargo en 2015, ha regresado a sus raíces como marchante de arte. Gagosian también comenzó su carrera en la universidad. Empezó en los años 60 vendiendo carteles cerca del campus de UCLA. Gradualmente fue desarrollando su comercio, abriendo finalmente galerías en Los Ángeles y Nueva York. La Galería Gagosian abrió en 1980, y hoy cuenta con 16 sedes en todo el mundo. Estos dos visionarios comenzaron su colaboración en Miami Beach en 2015 con ” Unrealismo ,” una exposición con obras de 50 artistas internacionales, que exploraba lo que ellos veían como un regreso a la imagen figurativa en el arte contemporáneo. En 2016, reclutaron a Diana Widmaier Picasso (nieta del artista) para curar “ Deseo ,” una exposición que exploraba nociones contemporáneas del erotismo en la obra de 50 artistas. Este año, Deitch y Gagosian dieron un giro de 180 grados respecto a su primera colaboración y presentaron “ABSTRACTO / NO ABSTRACTO,” una muestra con la obra de 33 artistas, que intentó explorar la inmensa profundidad y amplitud del arte abstracto contemporáneo.
Estas raíces son profundas
El comunicado inicial de prensa para ABSTRACTO / NO ABSTRACTO hacía que la exposición sonara como un intento de mostrar toda la evolución de la abstracción. Se mencionaba que las raíces de la abstracción se remontan a alrededor de 1910, y se planteaba la idea de lo asombroso que es que más de 100 años después los artistas sigan encontrando nuevas formas de explorar y ampliar los límites del arte abstracto. Aunque ambicioso, la idea de una muestra con solo 33 artistas y en el Edificio Moore me asustaba. Ese espacio es grande y hermoso, y cuenta con muchos lugares maravillosos para exhibir arte, pero se necesitaría mucho más espacio y quizás miles de artistas más para contar la historia completa de las raíces de la abstracción modernista.
Afortunadamente, la versión final de la exposición no intentó asumir esa ambiciosa tarea. Su alcance terminó siendo decididamente más contemporáneo. Fue más bien una exploración de las últimas cuatro décadas de abstracción. Entre los mayores incluidos en la muestra estaban John Armleder y Richard Prince, ambos cerca de los 70 años, y Rudolf Stingel, Jeff Koons y Albert Oehlen, todos en sus 60. Destacaban en el grupo más joven Torey Thornton (27), cuyas composiciones caprichosas, al estilo Art Brut, evocan un mundo de sueños entre dibujos animados de sábado por la mañana y un páramo neón; Analia Saban (37), cuyas creaciones en tonos tierra y apagados evocan lujo mientras insinúan algo que siempre permanece oculto; y Korakrit Arunanondchai (31), cuyo trabajo visualmente explosivo y multidisciplinar emplea el color y la forma de maneras emocionantes que dan vida a energías invisibles en lienzos y pantallas.
Jeff Koons - Paisaje (Cascada) I, 2007. © Jeff Koons. Fotografía de Rob McKeever. Cortesía de Gagosian
Un nuevo contexto para la abstracción contemporánea
Lo más refrescante de ABSTRACTO / NO ABSTRACTO es que logró ampliar el concepto limitado que los medios de arte han tenido sobre el arte abstracto en los últimos años. Soy uno de muchos escritores que sienten que la muestra fue un argumento efectivo contra la existencia del llamado Formalismo Zombi. La primera vez que leí este término fue en 2014, en un artículo de Walter Robinson en Artspace. Robinson usó el término para lamentar que, en su opinión, tanta abstracción contemporánea se ve igual. Lo explicó como, “‘Formalismo’ porque este arte implica un método directo, reductivo y esencialista para hacer una pintura... y ‘Zombi’ porque revive la estética descartada de Clement Greenberg.” Lo que a ese punto de vista le falta, en mi opinión, es perspectiva. Suena menos a una crítica iluminada y más a la queja agobiada de un crítico de arte sobrecargado que fue a demasiadas exposiciones con obras similares en poco tiempo.
La realidad es más vívida de lo que Robinson dejó entrever. Claro, el pasado influye en el presente. Pero cuando se trata de estética contemporánea, todo de todas las épocas es válido todo el tiempo. Alguien que gusta de la textura podría disfrutar viendo la obra de cientos de artistas que exploran la textura y nunca aburrirse. Alguien que encuentra significado en las relaciones de color podría mirar a cientos de artistas obsesionados con la teoría del color y nunca cansarse. Alguien que aprecia la abstracción y comprende la dificultad inherente de crear una obra nueva nunca despreciaría a toda una generación de artistas con una etiqueta que los hace parecer derivados y triviales. Así que felicito a Deitch y Gagosian. Con ABSTRACTO / NO ABSTRACTO, hicieron su pequeña parte para enterrar la idea del Formalismo Zombi. Aunque podrían haber incluido fácilmente a muchos más artistas y llenar mucho más espacio, la selección de artistas que incluyeron en esta muestra ofrece un vistazo suficientemente variado al rango de obras que están creando los artistas abstractos hoy para demostrar de manera indiscutible que las raíces de la abstracción siguen tan saludables como siempre y son tan profundas como siempre.
John M. Armleder - Galaxia, 2014. Foto de EPW Studio. Cortesía del artista y Massimo De Carlo, Milán/Londres/Hong Kong y Gagosian
Imagen destacada: Steven Parrino - Sin título, 1988, Esmalte sobre lienzo, 182.9 × 274.3 cm, © Steven Parrino. Cortesía de la herencia familiar Parrino y Galería Gagosian. Fotografía de Rob McKeever.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
