Abstracción en la Fotografía de László Moholy-Nagy

Hoy en día, la fotografía está en todas partes. Las cámaras están integradas en miles de millones de dispositivos electrónicos, y es difícil imaginar algún tema que no haya sido explorado exhaustivamente hasta el cansancio en fotografías. Pero, ¿cuál es el estatus de la fotografía como arte abstracto? En 1925, el artista húngaro y profesor de la Bauhaus László Moholy-Nagy se quejaba de que, aunque la fotografía existía desde hacía más de 100 años en ese momento, los artistas la usaban para poco más que la reproducción de la realidad. Él dijo: “el resultado total hasta la fecha no es más que un logro visual enciclopédico.” Llamó a la mayoría de las fotografías nada más que un “momento detenido de una exhibición en movimiento.” Ahora, casi 100 años después, todavía usamos principalmente la fotografía para la reproducción, no para la producción. En Pintura, Fotografía, Cine, su libro fundamental sobre el tema, Moholy-Nagy pontificó extensamente sobre la multitud de otras posibilidades que la fotografía podría ofrecer a los artistas dispuestos a explorar su potencial abstracto. Entre esas posibilidades, la más importante en su opinión era el potencial de la fotografía para crear “nuevas relaciones entre lo conocido y lo aún desconocido.” Moholy-Nagy creía que estamos en nuestro mejor estado cuando todos nuestros sistemas biológicos funcionan en síntesis entre sí, y que parte integral de ese estado de funcionalidad total es la incorporación de un flujo regular de sensaciones novedosas. Para los artistas, eso significa que la mayor contribución que uno puede hacer para la elevación de la raza humana es ofrecer nuevas experiencias sensoriales; no simplemente imitando, o fotografiando, lo que ya existe, sino ofreciendo perspectivas para ver el mundo de nuevo.

Lo Personal y lo Universal

El arte no es un tema para generalizar fácilmente, porque casi todos los artistas buscan la originalidad. Fuera de esos momentos en que un grupo de artistas firma un manifiesto describiendo exactamente lo que hacen, es casi imposible agrupar a los artistas en un movimiento o en un punto de vista particular. No obstante, ocasionalmente es correcto decir que una tendencia común fue o está siendo adoptada por un grupo particular de artistas, y hablar de manera general sobre lo que esa tendencia parece ser. (Si eso suena a advertencia, es porque lo es.) Dos de las tendencias más comúnmente generalizadas que parecen ocurrir dentro del arte abstracto son la tendencia hacia expresiones estéticas personales y la tendencia hacia expresiones estéticas universales.

Las expresiones personales son generalmente algo subjetivas o ambiguas; las expresiones universales son generalmente objetivas o inequívocas. Estas dos tendencias se manifestaron de manera distinta entre muchos de los primeros artistas abstractos modernistas. Por un lado estaban artistas como Kazimir Malevich y Piet Mondrian que defendían una sensibilidad geométrica y objetiva. Por otro lado estaban artistas como Wassily Kandinsky y Paul Klee que buscaban expresar su búsqueda personal de lo espiritual. Esto es una simplificación, pero una forma de decirlo es que un lado era emocional y el otro lado era práctico. Pero todos esperaban lograr algo universalmente valioso, aunque sus perspectivas eran muy diferentes y sus enfoques a menudo diametralmente opuestos.

László Moholy-Nagy- Unsere Grossen, 1927. © Fundación László Moholy-Nagy

Blanco y Negro

Hasta casi su lecho de muerte, László Moholy-Nagy estuvo firmemente del lado de los artistas prácticos. Una historia sobre él afirma que, cerca de la muerte, renunció a su desprecio por el arte emocional y anunció la importancia de la subjetividad. Pero cuando fue más influyente, mientras estuvo en la Bauhaus y mientras se dedicaba a la fotografía, fue tan inequívoco como pocos. Su estado de ánimo era que los artistas deberían usar la fotografía conforme a su función objetiva como medio. Esa función, como él la expresó, es la capacidad de transmitir claroscuro.

El claroscuro es la representación de las cualidades de claridad y oscuridad en una pintura. Se dice que las pinturas con diferencias extremas entre sombra y luz contienen un alto grado de claroscuro. László Moholy-Nagy percibía la fotografía como un medio principalmente preocupado por la luz, y por ello la consideraba el medio supremo para representar el claroscuro. Vio esto como el uso más elevado del medio, y muchas de sus primeras fotografías abstractas fueron concebidas como composiciones puras y formales de blanco, negro y tonos de gris. Estas imágenes se vuelven abstractas cuando nos enfocamos en el claroscuro, porque reconocemos que el objeto fotografiado no es el sujeto, sino que el sujeto es una idea, en este caso la idea de claridad y oscuridad.

László Moholy-Nagy - Sin título, Fotograma, Dessau, 1925-8. © Fundación László Moholy-Nagy

Lo Místico en lo Mundano

Además del claroscuro, László Moholy-Nagy también identificó varias otras cualidades abstractas únicas que creía inherentes a la fotografía, todas las cuales buscó expresar en su obra. Una es la capacidad de transformar algo mundano en algo mágico mediante la manipulación de elementos formales como la exposición y la composición. A nuestro alrededor existe una imagen que, si pudiéramos verla desde cierta perspectiva, apreciaríamos sus propiedades estéticas surrealistas, oníricas o incluso místicas. Pero nuestra verdadera experiencia del mundo limita nuestra perspectiva e inhibe nuestra capacidad para seleccionar lo que vemos y cómo lo vemos.

Una cámara ve la realidad desde un punto de vista editado por naturaleza. Puede congelar un momento y extenderlo para siempre en el tiempo. La fotografía también explota el hecho de que la mente humana percibe instintivamente cualquier cosa que el ojo ve en una fotografía como realidad. Aunque una fotografía nos muestra solo una vista parcial del mundo, una que ha sido manipulada por el artista, nuestra mente aún la interpreta como verdadera. Esto puede hacer que algo familiar parezca extraño, o viceversa, y esa experiencia inquietante puede crear la sensación de que lo que estamos viendo de alguna manera trasciende lo natural.

László Moholy-Nagy - Retrato de un niño, 1928. © Fundación László Moholy-Nagy

Multiplicidad Consciente

Otra cualidad potencialmente abstracta en la fotografía es la capacidad que tiene el artista de usar el medio para crear multiplicidad. László Moholy-Nagy logró múltiples efectos de diversas maneras en sus fotografías. A veces exponía un negativo varias veces, creando composiciones que contenían diferentes perspectivas simultáneas sobre un solo tema; muy parecido a una pintura cubista. Otras veces hacía una impresión que presentaba múltiples copias de la misma imagen, resultando en composiciones extrañas de objetos idénticos repetidos.

Al mirar estas imágenes, nuestra mente lucha por identificar qué debe considerar como el tema. ¿Es el tema la imagen reconocible de una persona o un objeto? ¿Debemos ignorar el hecho de las múltiples imágenes o múltiples perspectivas? ¿O el tema es la idea de repetición? En verdad, el tema es el hecho de que no conocemos el tema. Es la representación abstracta de lo aún desconocido.

László Moholy-Nagy - La ley de las series, 1925. © Fundación László Moholy-Nagy

Verdad a través de la Distorsión

La perspectiva puede ser la herramienta abstracta más poderosa que posee un fotógrafo. Una fotografía permite que todo el mundo vea lo que una sola cámara puede ver. En un sentido, la perspectiva aumenta la capacidad de una fotografía para mostrarnos la realidad. Por ejemplo, en su famosa fotografía Balcón, Moholy-Nagy nos ofrece una nueva perspectiva sobre la composición armoniosa de objetos en el mundo real al capturar la composición geométrica de la arquitectura bajo la luz del sol. Esta es la verdad visual de nuestro entorno ordenado y geométrico, ya que nuestra vista limitada no nos permite verla.

En otro sentido, la perspectiva aumenta la capacidad de una fotografía para distorsionar la realidad. En su fotografía llamada Torre de Radio de Berlín, Moholy-Nagy nos muestra un punto de vista tan subjetivo que resulta casi cursi. Este es nuestro mundo como probablemente nunca lo veremos en la vida real, ni necesitaremos verlo. Esta es la realidad, pero no nuestra realidad cotidiana. Podemos apreciar la fotografía puramente según su tema objetivo, o podemos apreciar sus elementos compositivos, desvinculados de cualquier responsabilidad personal hacia el contenido. O podemos interpretar el tema como la noción abstracta de nuestra habitual incapacidad para ver una perspectiva más amplia de nuestro mundo.

László Moholy-Nagy - Balcones (izquierda), y László Moholy-Nagy - Torre de Radio de Berlín (derecha). © Fundación László Moholy-Nagy

Nuevas Formas de Ver

Muchas de las fotografías que creó László Moholy-Nagy parecen distorsionadas, oscurecidas o intencionalmente abstractas. Pero él no las definió según esas propiedades. Veía la cámara como una herramienta a través de la cual se podía expresar una realidad elevada y universal. Pero para expresar esa realidad elevada creía que la cámara debía usarse “de conformidad con sus propias leyes y su carácter distintivo.”

Definió el carácter distintivo de la fotografía como algo simultáneamente objetivo y abstracto. La fotografía captura la realidad, pero no siempre limita su tema a la realidad que captura. En cambio, el tema gira en torno a nociones de claridad y oscuridad, el misterio de la perspectiva, la capacidad de congelar el movimiento y el poder de extender el tiempo. A través de su obra, Moholy-Nagy demostró cómo las fotografías abstractas no son necesariamente distorsiones, sino que en manos de un artista visionario pueden ser, “una invitación a reevaluar nuestra forma de ver.”

Imagen destacada: László Moholy-Nagy - Composición Z VIII, 1924. © Fundación László Moholy-Nagy
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio