Cortando el Lienzo - La Historia de Lucio Fontana

El arte abstracto crea preguntas, no respuestas. Así, invita al ataque. No a todo el mundo le gustan las preguntas. La gente a menudo desea del arte solo confort y belleza. Pero muchos artistas abstractos no son tanto decoradores-consoladores como filósofos-científicos: personas que buscan experimentar e interpretar el universo, no solo adornarlo. Lucio Fontana fue uno de esos artistas. Como fundador de una técnica revolucionaria llamada Spazialismo, o Espacialismo, Fontana estaba profundamente preocupado por las formas prácticas de hacer arte que confrontaran las misteriosas propiedades del espacio. Tenía curiosidad por cómo las formas habitaban el espacio, cómo podían contener el espacio y cómo, al eliminar la masa, se podía crear espacio. Estaba particularmente fascinado por cómo un agujero en una forma podía crear un vacío a través del cual se podía expandir la experiencia del espacio. Pero Spazialismo no se limitaba solo a tales preguntas académicas. Como dijo Fontana en 1967, en referencia al hecho de que los humanos estaban entonces viajando rutinariamente al espacio exterior en cohetes, “Ahora en el espacio ya no hay medida. Ahora ves la infinitud… aquí está el vacío, el hombre se reduce a nada… Y mi arte también se basa en esta pureza, en esta filosofía de la nada, que no es una nada destructiva, sino una nada creativa."

Lucio Fontana y el Arte Multidisciplinario

Es un error histórico que Lucio Fontana sea mayormente referido como pintor. Se formó como escultor. Nació en Argentina en 1899, hijo de un padre escultor que le enseñó a Lucio las bases de su oficio. Después de décadas trabajando junto a su padre, Lucio se mudó a Milán en 1927 y se inscribió como estudiante de escultura en la Academia Brera. Tuvo su primera exposición escultórica a la edad de 31 años en una galería de Milán. Refiriéndose a sí mismo como escultor abstracto, se unió a la asociación de artistas Abstraction-Création en 1935, y en la década de 1940 regresó a Argentina donde enseñó escultura y continuó creando obras tridimensionales.

En verdad, Fontana trabajó casi exclusivamente en el medio de la escultura hasta 1948. Y aun así, cuando comenzó a hacer objetos que se asemejaban a pinturas, insistió en que no eran pinturas, sino más bien “una nueva cosa en escultura.” Pero aun así, si quisiéramos ser fieles a las intenciones completas de Fontana como artista, no lo llamaríamos escultor tampoco. Simplemente lo llamaríamos artista, y tal vez un explorador del espacio.

Lucio Fontana - Figura en el espejo. Cerámica. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

El Manifiesto Blanco

En 1946, Fontana había llegado a la decisión de que las definiciones de escultura y pintura ya no eran suficientes para acomodar la naturaleza teórica de su trabajo. Lideró a un grupo de artistas y estudiantes en la creación de lo que él llamó el Manifiesto Blanco, el primero de varios documentos que Fontana ayudaría a redactar y que esperaba que abordaran la necesidad de un nuevo enfoque hacia el arte. El Manifiesto Blanco llamó la atención sobre la necesidad de que el arte estuviera en línea con otras actividades intelectuales de la época. Señaló que los recientes desarrollos científicos y filosóficos se centraban en la idea de síntesis, que diferentes ideas deberían combinarse para formar un punto de vista unificado.

Fontana abogó por un enfoque "sintético" similar para la creación del arte, uno que sintetizara lo que él llamaba las "formas de arte 'estáticas' tradicionales" con el fin de crear un método completo de expresión estética que "involucre el principio dinámico del movimiento a través del tiempo y el espacio." Con las ideas expresadas en el Manifiesto Blanco, Fontana esencialmente inventó el arte multidisciplinario: la perspectiva de que un artista debería ser capaz de trabajar en cualquier y todos los medios, utilizando el método que mejor se adapte a una idea particular.

Lucio Fontana - Entorno Espacial, iluminado. © Lucio Fontana

Aventuras en el espacio

Al principio de su carrera, Fontana fue criticado por pintar sus formas escultóricas abstractas en colores estridentes y aparentemente aleatorios. Él respondió que estaba intentando usar el color para involucrar las obras con su entorno, para unir el espacio entre el objeto y el espectador. Continuó abordando esta preocupación a lo largo de su carrera. Quería que el espacio mismo se manifestara como forma y se convirtiera en el sujeto de su arte. Pero no podía determinar cómo podría lograrse eso. Como escribió una vez en su diario, “ninguna forma es espacial.”

Lucio Fontana - Concepto Espacial, 1949. © Lucio Fontana

Pero en 1949, Fontana experimentó avances que lo acercaron a su objetivo. El primero se manifestó como una obra llamada Entorno Espacial. Para este esfuerzo innovador, Fontana oscureció una habitación en la que las paredes estaban pintadas de negro y colgó del techo formas abstractas de papel maché pintadas en colores neón que brillaban al ser iluminadas con luz ultravioleta. Transformó el espacio de exhibición en parte de la obra de arte, creando una obra que precedió al arte de instalación y al Movimiento de Luz y Espacio por más de una década, pero que incorporaba muchos de sus conceptos. Sin embargo, el tema de la obra aún no era el espacio, ya que el enfoque en la experiencia del espectador se centraba en las formas escultóricas brillantes.

Lucio Fontana - Concepto Espacial, 1950. Acrílico sobre lienzo. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Conceptos espaciales

El siguiente avance de Fontana llevó su trabajo en una dirección completamente opuesta. En lugar de transformar una habitación entera en un espacio vacío y luego llenarlo con un objeto, decidió tomar un objeto y usarlo como un punto de entrada al espacio. Estiró lienzo sobre bastidores como si fuera a hacer una pintura tradicional, luego hizo agujeros en el lienzo con un cuchillo antes de aplicar una capa monocromática de pintura.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, con cuentas de vidrio y piedras añadidas. © Lucio Fontana

Aunque técnicamente es una pintura, los agujeros actuaron como vacíos en la forma, ofreciendo acceso al espacio detrás del lienzo. Este simple gesto transformó la pintura en una escultura. Pero aunque esto en sí mismo fue revolucionario y demostrativo de sus ideas sobre el arte multidisciplinario, aún sentía que no creaba forma a partir del espacio. Así que Fontana experimentó con diferentes expresiones del pensamiento general. Hizo agujeros de tal manera que creó círculos, triángulos y otras formas en la superficie. También añadió piedras, vidrio y cristales a algunos lienzos, extendiendo la superficie hacia afuera en el espacio mientras también abría el espacio más allá.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Un solo corte

En la década de 1950, Fontana tuvo una revelación. Comenzó a cortar sus lienzos, obras que llamó Tagli, o cortes. Gradualmente evolucionó esta idea hasta que en 1959 llegó a lo que consideraba la manifestación definitiva de la expresión: una sola hendidura a través de un lienzo monocromático. Fue con este gesto que logró su objetivo de crear forma a partir del espacio, diciendo en 1968: “Mi descubrimiento fue el agujero y eso es todo. Estoy feliz de ir a la tumba después de tal descubrimiento.”

Fontana dio a todos sus objetos cortados el mismo nombre: Concetto Spaziale, o Concepto Espacial. Cuando finalmente descubrió la simplicidad y elegancia de las largas hendiduras, les dio a esas pinturas el subtítulo adicional de attesa. En italiano, attesa significa espera, o expectativa esperanzadora. Como es evidente, Fontana no solo estaba interesado en cómo las personas percibían y concebían el espacio. También le interesaba cómo las personas se percibían y concebían a sí mismas. A través del uso de un vacío, no solo manifestó forma a partir del espacio, también manifestó algo más, algo tanto abstracto como concreto: las expectativas esperanzadoras de lo que hay más allá de una obra de arte.

Imagen destacada: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Cerámica pintada. © Lucio Fontana
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio