Cortando el Lienzo - La Historia de Lucio Fontana

El arte abstracto crea preguntas, no respuestas. Por eso invita al ataque. No a todos les gustan las preguntas. A menudo, la gente desea del arte solo consuelo y belleza. Pero muchos artistas abstractos no son tanto decoradores-consoladores como filósofos-científicos: personas que buscan experimentar e interpretar el universo, no solo adornarlo. Lucio Fontana fue uno de esos artistas. Como fundador de una técnica revolucionaria llamada Spazialismo, o Espacialismo, Fontana estaba profundamente interesado en las formas prácticas de hacer arte que enfrentara las misteriosas propiedades del espacio. Le intrigaba cómo las formas habitaban el espacio, cómo podían contenerlo y cómo, al eliminar la masa, se podía crear espacio. Le fascinaba especialmente cómo un agujero en una forma podía crear un vacío a través del cual se podía expandir la experiencia del espacio. Pero el Spazialismo no se limitaba solo a esas cuestiones académicas. Como dijo Fontana en 1967, en referencia al hecho de que los humanos entonces viajaban rutinariamente al espacio exterior en cohetes, “Ahora en el espacio ya no hay medida. Ahora ves el infinito… aquí está el vacío, el hombre se reduce a nada… Y mi arte también se basa en esta pureza, en esta filosofía de la nada, que no es una nada destructiva, sino una nada creativa.”

Lucio Fontana y el Arte Multidisciplinario

Es un error histórico que a Lucio Fontana se le considere principalmente un pintor. Fue formado como escultor. Nació en Argentina en 1899, hijo de un padre que era escultor y que le enseñó a Lucio los fundamentos de su oficio. Tras décadas trabajando junto a su padre, Lucio se trasladó a Milán en 1927 y se inscribió como estudiante de escultura en la Academia de Brera. Tuvo su primera exposición escultórica a los 31 años en una galería de Milán. Refiriéndose a sí mismo como escultor abstracto, se unió a la asociación de artistas Abstraction-Création en 1935, y en los años 40 regresó a Argentina donde enseñó escultura y continuó creando obras tridimensionales.

En realidad, Fontana trabajó casi exclusivamente en el medio de la escultura hasta 1948. E incluso cuando comenzó a hacer objetos que parecían pinturas, insistía en que no eran pinturas sino “una cosa nueva en la escultura.” Pero aun así, si fuéramos fieles a las intenciones completas de Fontana como artista, no lo llamaríamos escultor tampoco. Simplemente lo llamaríamos artista, y tal vez explorador del espacio.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Cerámica. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

El Manifiesto Blanco

En 1946, Fontana había llegado a la conclusión de que las definiciones de escultura y pintura ya no eran suficientes para abarcar la naturaleza teórica de su obra. Lideró un grupo de artistas y estudiantes en la creación de lo que llamó el Manifiesto Blanco, el primero de varios documentos que Fontana ayudaría a redactar y que esperaba abordar la necesidad de un nuevo enfoque del arte. El Manifiesto Blanco llamó la atención sobre la necesidad de que el arte estuviera en sintonía con otras actividades intelectuales de la época. Señaló que los recientes avances científicos y filosóficos se centraban en la idea de síntesis, que diferentes ideas debían combinarse para formar un punto de vista unificado.

Fontana defendió un enfoque “sintético” similar para la creación artística, uno que sintetizara lo que él llamaba las “formas artísticas ‘estáticas’ tradicionales” para crear un método completo de expresión estética que “involucrara el principio dinámico del movimiento a través del tiempo y el espacio.” Con las ideas expresadas en el Manifiesto Blanco, Fontana inventó esencialmente el arte multidisciplinario: la perspectiva de que un artista debería poder trabajar en cualquier medio y en todos, usando el método que mejor se adapte a una idea particular.

Lucio Fontana - Ambiente espacial, iluminado. © Lucio Fontana

Aventuras en el Espacio

Al principio de su carrera, Fontana fue criticado por pintar sus formas escultóricas abstractas con colores fuertes y aparentemente aleatorios. Respondió que intentaba usar el color para conectar las obras con su entorno, para tender un puente entre el objeto y el espectador. Continuó abordando esta preocupación a lo largo de su carrera. Quería que el espacio mismo se manifestara como forma y se convirtiera en el tema de su arte. Pero no podía determinar cómo lograrlo. Como escribió una vez en su diario, “ninguna forma es espacial.”

Lucio Fontana - Concepto espacial, 1949. © Lucio Fontana

Pero en 1949, Fontana tuvo avances que lo acercaron a su objetivo. El primero se manifestó en una obra llamada Ambiente espacial. Para este esfuerzo innovador, Fontana oscureció una habitación cuyas paredes estaban pintadas de negro y colgó del techo formas abstractas de papel maché pintadas con colores neón que brillaban al ser iluminadas con luz ultravioleta. Transformó el espacio de exhibición en parte de la obra de arte, creando una obra que precedió al arte de instalación y al Movimiento Luz y Espacio por más de una década, pero que encarnaba muchos de sus conceptos. Sin embargo, el tema de la obra aún no era el espacio, ya que el enfoque en la experiencia del espectador estaba en las formas escultóricas luminosas.

Lucio Fontana - Concepto espacial, 1950. Acrílico sobre lienzo. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Conceptos Espaciales

El siguiente avance de Fontana llevó su obra en dirección completamente opuesta. En lugar de transformar una habitación entera en espacio vacío y luego llenarla con un objeto, decidió tomar un objeto y usarlo como punto de entrada al espacio. Estiró lienzo sobre bastidores como si fuera a hacer una pintura tradicional y luego hizo agujeros en el lienzo con un cuchillo antes de aplicar una capa monocromática de pintura.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, con cuentas de vidrio y piedras añadidas. © Lucio Fontana

Aunque técnicamente una pintura, los agujeros actuaban como vacíos en la forma que ofrecían acceso al espacio detrás del lienzo. Este simple gesto transformó la pintura en escultura. Pero aunque esto en sí mismo fue revolucionario y demostrativo de sus ideas sobre el arte multidisciplinario, aún sentía que no creaba forma a partir del espacio. Por eso Fontana experimentó con diferentes expresiones de esta idea general. Hizo agujeros de manera que creaban círculos, triángulos y otras formas en la superficie. También añadió piedras, vidrio y cristales a algunos lienzos, extendiendo la superficie hacia afuera en el espacio y abriendo también el espacio más allá.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Un Solo Corte

En los años 50, Fontana tuvo una revelación. Comenzó a cortar sus lienzos, obras que llamó Tagli, o cortes. Fue desarrollando esta idea hasta que en 1959 llegó a lo que consideraba la manifestación definitiva de la expresión: un solo corte en un lienzo monocromático. Fue con este gesto que logró su objetivo de crear forma a partir del espacio, diciendo en 1968, “Mi descubrimiento fue el agujero y eso es todo. Estoy feliz de ir a la tumba después de tal descubrimiento.”

Fontana dio a todos sus objetos cortados el mismo nombre: Concetto Spaziale, o Concepto Espacial. Cuando finalmente descubrió la simplicidad y elegancia de los cortes largos, dio a esas pinturas el subtítulo adicional de attesa. En italiano, attesa significa espera o expectativa esperanzada. Como es evidente, Fontana no solo estaba interesado en cómo las personas percibían y concebían el espacio. También le interesaba cómo las personas se percibían y concebían a sí mismas. A través del uso de un vacío no solo manifestó forma a partir del espacio, sino que también manifestó algo más, algo tanto abstracto como concreto: las expectativas esperanzadas de lo que hay más allá de una obra de arte.

Imagen destacada: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Cerámica pintada. © Lucio Fontana
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio