El Arte Abstracto Temprano como la Encarnación Visual de una Idea

Una de las ironías del arte abstracto temprano es que muchas personas lo sospechaban de ser aleatorio, caprichoso o sin sentido. Los espectadores condicionados a aceptar solo representaciones objetivas del mundo material estaban desconcertados por una nueva generación de artistas que, como dijo Wassily Kandinsky, buscaban expresar “ideas que dan libre curso a las aspiraciones no materiales del alma.” Ahora sabemos que desde el principio del arte abstracto, sus practicantes estaban comprometidos en gestos que nada tenían de aleatorios. Estaban haciendo elecciones estéticas razonadas y conscientes en un intento de transmitir los fundamentos filosóficos sobre los cuales se basaba la filosofía de la abstracción. 

Arte Abstracto Temprano vs. El Pasado

Antes del auge de la abstracción, cualquier amante del arte razonable esperaba que una buena pintura poseyera al menos algún elemento reconocible del mundo real. Los espectadores podían aceptar que un artista tomara medidas para abstraer elementos reconocibles. Incluso a veces podían aceptar una pintura casi completamente irreconocible, siempre que su nombre diera alguna pista sobre el objeto del cual fue abstraída. Pero la noción de una pintura puramente abstracta, una sin correlación reconocible con la realidad visual, se consideraba absurda, si no herética.

Wassily Kandinsky fue el primer artista en abrazar completamente la idea de la pura abstracción. Creía que las verdades fundamentales de la humanidad y las ideas universales no podían ser descubiertas a través de la representación del mundo material. Creía que los objetos no eran de utilidad para los artistas que intentaban expresar las profundidades internas de la humanidad. En 1912, Kandinsky publicó su libro seminal, “Sobre lo espiritual en el arte”, que expuso la filosofía que guiaba su búsqueda de un arte abstracto puro. En él escribió:

"Las emociones amorfas como el miedo, la alegría, el duelo, etc., ya no atraerán en gran medida al artista. Se esforzará por despertar emociones más sutiles, aún sin nombre... emociones elevadas más allá del alcance de las palabras."

Kazimir Malevich - Cuadrado Negro, 1915, óleo sobre lienzo, 79.5 x 79.5 cm, Galería Tretyakov, Moscú

La búsqueda de la pureza artística

Al mirar hacia atrás en la historia del arte, Kandinsky creía que las generaciones anteriores se habían centrado principalmente en comunicarse consigo mismas y en expresar la personalidad de su tiempo. Creía que los artistas abstractos debían buscar expresar las similitudes esenciales que cada ser humano tiene con todos los demás seres humanos, independientemente de a qué era pertenezcan. Llamó a estas similitudes la "simpatía interna del significado" de la humanidad.

Kandinsky creía que la fuente de este significado era el alma humana, o lo que él llamaba la "Necesidad Interior". Sentía que la necesidad interior podía expresarse a través del arte puro, siempre que estuviera libre de ego y puntos de vista materialistas. Como él lo expresó:

“Eso es hermoso… lo que brota del alma.”

Wassily Kandinsky - La primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, Acuarela y tinta india y lápiz sobre papel. 19.5 × 25.5 in (49.6 × 64.8 cm) Centro Georges Pompidou, París

La música como modelo

Kandinsky creía que la música era la forma de arte más hábil para comunicar "emociones más allá del alcance de las palabras." Escribió:

"Un pintor…en su anhelo de expresar su vida interior, no puede más que envidiar la facilidad con la que la música, el arte más inmaterial de hoy, logra este fin."

Él reconoció que los compositores habían deconstruido con éxito la música en sus partes más simples, identificando cómo los elementos individuales de una composición podían afectar el espíritu humano. Comenzó a descifrar los elementos de la pintura de la misma manera, por ejemplo, intentando definir el efecto individual de cada color en los espectadores. Kandinsky incluso tomó prestadas palabras del léxico de la música para ayudar a explicar su perspectiva sobre el arte abstracto. Llamó a las pinturas composiciones y recomendó a los artistas que construyeran cuidadosamente sus composiciones a través de elecciones razonadas. Al mismo tiempo, instó a los artistas a dejar espacio en sus composiciones para la improvisación, que él llamó "la expresión espontánea del carácter interior." Creía que a través de un trabajo abstracto conscientemente construido, los pintores podrían convertirse en "grandes líderes espirituales" y finalmente podrían tener éxito en expresar el potencial más pleno del espíritu humano a través del arte.

Wassily Kandinsky - boceto para Composición II, 1910, 38.4 × 51.4 in (97.5 × 130.5 cm), El Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York

Arte Abstracto vs. el Futuro

En su prólogo a "Lo espiritual en el arte" de Kandinsky, el historiador británico Michael Sadler escribió:“Si (Kandinsky) alguna vez logra encontrar un lenguaje común de color y línea que se mantenga solo como el lenguaje del sonido y el ritmo se mantiene solo… será aclamado por todos como un gran innovador, como un defensor de la libertad del arte.” Mirando hacia atrás en más de un siglo de arte abstracto, vemos que Kandinsky logró su objetivo. Agradecidamente, también vemos que sentó las bases para que nosotros, y innumerables generaciones futuras, construyamos sobre su filosofía, buscando nuevas formas de expresar “emociones elevadas más allá del alcance de las palabras.”

Kazimir Malevich - Suprematismo: Realismo pictórico de un futbolista (Masas de color en la cuarta dimensión), 1915, Óleo sobre lienzo, 27 x 17 1/2 in, Instituto de Arte de Chicago, Chicago

Imagen destacada: Hilma af Klint - El Cisne, No 17, Grupo IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.