El Arte Abstracto Temprano como la Encarnación Visual de una Idea

Una de las ironías del arte abstracto temprano es que muchas personas sospechaban que era improvisado, aleatorio o carente de sentido. Los espectadores acostumbrados a aceptar solo representaciones objetivas del mundo material se sentían desconcertados por una nueva generación de artistas que, como dijo Wassily Kandinsky, buscaban expresar “ideas que dan libre curso a las aspiraciones no materiales del alma.” Ahora sabemos que desde el inicio del arte abstracto, sus practicantes estaban lejos de hacer gestos al azar. Tomaban decisiones estéticas razonadas y conscientes en un intento de transmitir los fundamentos filosóficos en los que se basaba la filosofía de la abstracción.

Arte Abstracto Temprano vs. El Pasado

Antes del auge de la abstracción, cualquier amante del arte razonable esperaba que una buena pintura poseyera al menos algún elemento reconocible del mundo real. Los espectadores podían aceptar que un artista tomara pasos para abstraer elementos reconocibles. Incluso a veces podían aceptar una pintura casi totalmente irreconocible, siempre que su nombre diera alguna pista sobre el objeto del que fue abstraída. Pero la idea de una pintura puramente abstracta, sin ninguna correlación reconocible con la realidad visual, se consideraba absurda, si no herética.

Wassily Kandinsky fue el primer artista en abrazar completamente la idea de la abstracción pura. Creía que las verdades fundamentales y las ideas universales de la humanidad no podían descubrirse mediante la representación del mundo material. Pensaba que los objetos no servían a los artistas que intentaban expresar las profundidades internas de la humanidad. En 1912, Kandinsky publicó su libro fundamental, “De lo espiritual en el arte,” que expuso la filosofía que guiaba su búsqueda de un arte abstracto puramente. En él escribió:

"Emociones sin forma como el miedo, la alegría, el dolor, etc., ya no atraerán mucho al artista. Él se esforzará por despertar emociones más sutiles, aún sin nombre… emociones elevadas más allá del alcance de las palabras."

Kazimir Malévich - Cuadrado negro, 1915, óleo sobre lino, 79.5 x 79.5 cm, Galería Tretiakov, Moscú

La Búsqueda de la Pura Maestría

Al repasar la historia del arte, Kandinsky creía que las generaciones anteriores se habían centrado principalmente en comunicarse consigo mismas y expresar la personalidad de su época. Pensaba que los artistas abstractos debían buscar expresar las semejanzas esenciales que cada ser humano tiene con todos los demás, sin importar a qué época pertenezcan. Llamó a estas semejanzas la “simpatía interior de significado” de la humanidad.

Kandinsky creía que la fuente de este significado era el alma humana, o lo que él llamó la “Necesidad Interior.” Sentía que la necesidad interior podía expresarse mediante la pura maestría artística, siempre que estuviera libre de ego y puntos de vista materialistas. Como él dijo:

“Eso es bello… lo que brota del alma.”

Wassily Kandinsky - Primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, acuarela, tinta india y lápiz sobre papel. 49.6 × 64.8 cm, Centro Georges Pompidou, París

La Música como Modelo

Kandinsky creía que la música era la forma de arte más apta para comunicar “emociones más allá del alcance de las palabras.” Escribió:

"Un pintor… en su anhelo por expresar su vida interior, no puede sino envidiar la facilidad con que la música, el arte más inmaterial de hoy, logra este fin.”

Reconoció que los compositores habían descompuesto con éxito la música en sus partes más simples, identificando cómo los elementos individuales de una composición podían afectar el espíritu humano. Comenzó a descifrar los elementos de la pintura de la misma manera, por ejemplo, intentando definir el efecto individual de cada color en los espectadores. Kandinsky incluso tomó prestadas palabras del léxico musical para ayudar a explicar su visión del arte abstracto. Llamaba a las pinturas composiciones y recomendaba a los artistas construir cuidadosamente sus composiciones mediante elecciones razonadas. Al mismo tiempo, instaba a los artistas a dejar espacio en sus composiciones para la improvisación, que él llamaba la “expresión espontánea del carácter interior.” Creía que a través de obras abstractas construidas conscientemente, los pintores podían convertirse en “grandes guías espirituales” y finalmente lograr expresar el máximo potencial del espíritu humano mediante el arte.

Wassily Kandinsky - boceto para Composición II, 1910, 97.5 × 130.5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York

Arte Abstracto vs. el Futuro

En el prólogo de “De lo espiritual en el arte” de Kandinsky, el historiador británico Michael Sadler escribió:“Si (Kandinsky) alguna vez logra encontrar un lenguaje común de color y línea que se mantenga por sí solo como el lenguaje del sonido y el ritmo se mantienen por sí solos… será aclamado por todos como un gran innovador, como un defensor de la libertad del arte.” Al mirar atrás más de un siglo de arte abstracto, vemos que Kandinsky alcanzó su objetivo. Agradecidamente, también vemos que sentó las bases para que nosotros y generaciones innumerables futuras construyamos sobre su filosofía, buscando nuevas formas de expresar “emociones elevadas más allá del alcance de las palabras.”

Kazimir Malévich - Suprematismo: Realismo pictórico de un jugador de fútbol (Masas de color en la cuarta dimensión), 1915, óleo sobre lienzo, 27 x 17 1/2 pulgadas, Instituto de Arte de Chicago, Chicago

Imagen destacada: Hilma af Klint - El cisne, nº 17, Grupo IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

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