Elles Font l’Abstraction - Una Entrevista con la Jefa de Conservación del Pompidou, Christine Macel

El Centre Pompidou hará historia este verano con Elles font l’abstraction, la explicación más completa hasta la fecha sobre la contribución de las artistas femeninas al desarrollo del arte abstracto. La conservadora principal del Pompidou, Christine Macel, reunió más de 500 obras de 106 artistas para la exposición. Lejos de simplemente llenar las galerías con arte, Macel aprovechó esta oportunidad para demostrar cuál es realmente el papel de un conservador: los conservadores escriben, y en su mejor versión corrigen, la historia del arte. Decenas de las artistas que seleccionó serán conocidas por el público. Muchas otras serán completamente nuevas, incluso para expertos en el campo. Esto se debe a que Macel y su equipo han realizado el arduo trabajo de descubrir y destacar voces femeninas globales que, a pesar de su genio e influencia, fueron omitidas del canon histórico del arte. Abarcando desde 1860 hasta la década de 1980, la exposición y la documentación de apoyo —incluyendo escritos, películas y conferencias— cambiarán para siempre nuestra comprensión de la evolución de la abstracción como lenguaje plástico. Tras mi reciente entrevista con Macel, he llegado a creer que esto es solo el comienzo. Nuestra conversación sigue a continuación.

Gracias por hablar con nosotros, Christine. He sido admirador de su trabajo desde que usted curó la Bienal de Venecia en 2017. ¿Es Elles font l’abstraction el intento institucional más ambicioso que conoce para reconocer adecuadamente la contribución internacional de las artistas abstractas?

Sí, efectivamente. Por eso decidí realizar esta investigación y exposición. Claramente hubo un proceso de invisibilización de las artistas mujeres en la historiografía de la abstracción.

¿Cuál fue la parte más desafiante de llevar esta exposición al Centre Pompidou?

El proceso de préstamo y los problemas presupuestarios, así como la situación pandémica. Pero debo decir que hubo un apoyo increíble de museos y coleccionistas privados de todo el mundo, así como de patrocinadores. En medio de la pandemia, pude contar con el apoyo de Van Cleef and Arpels, la Fundación Luma, los Amigos del Pompidou, etc., que fueron decisivos para realizar este proyecto. Sin mencionar la colaboración con el Guggenheim Bilbao, que fue crucial para esta exposición. Muchos historiadores del arte y académicos también han sido muy solidarios. Primero que nada Griselda Pollock, quien es una de las muchas escritoras del catálogo y nuestra invitada de honor para el simposio con la asociación Aware. Las propias artistas también mostraron mucho entusiasmo. ¡Fue un gran impulso de energía! Tuve grandes conversaciones con Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud y Jessica Stockholder, por nombrar solo algunas.

Esas cuatro artistas en particular tienen lenguajes visuales tan diferentes. Es refrescante ver la increíble variedad de posiciones visuales representadas en esta muestra.

Mi intención es abrir la definición de los medios implicados en la abstracción, siguiendo las posiciones de las propias artistas. El espiritualismo, la danza, las artes decorativas, la fotografía y el cine han sido parte de esta historiografía. También quiero insistir en cada artista como particular y original.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Cortesía de la familia Caland. Foto Elon Schoenholz, cortesía de la familia Caland

¿Qué tono espera establecer con esta exposición?

Una explosión de alegría y placer; una admiración y respeto hacia todas estas artistas; una conciencia del largo camino que tenemos por delante para profundizar realmente en esta historia.

Muchas artistas en esta muestra nunca han recibido la admiración y el respeto adecuados. ¿Sigue siendo una experiencia alienante ser una artista abstracta femenina hoy en día?

No, hoy no estamos en una situación de alienación sino de apertura, de descubrimiento y redescubrimientos. La puerta está ampliamente abierta, y muchos museos, historiadores del arte y jóvenes académicos están trabajando para construir un futuro diferente.

Sin duda podría haber incluido muchas más artistas en esta exposición. ¿Cómo redujo sus selecciones?

Es un proceso tan complejo que no puedo describirlo en pocas palabras. La disponibilidad de las obras, el costo del transporte, los problemas de espacio, etc., también forman parte del resultado final. Pero he logrado realizar gran parte de lo que quería hacer.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Imagen cortesía del Colegio de Estudios Psíquicos, Londres

¿Tuvo miedo de omitir a alguien crucial?

Es menos un miedo que cierta tristeza, un pesar, a veces, por verse obligada a elegir. La omisión siempre forma parte del trabajo, ya que la historia es siempre una historia parcial. Esta conciencia de la imposibilidad misma de una narrativa total es algo que está en el núcleo de la investigación en general. La historia del arte siempre está incompleta y se reescribe. Nada definitivo, solo una propuesta.

Tenía 8 años cuando visitó por primera vez el Centre Pompidou. ¿Cómo habría sido diferente su percepción al crecer si Elles font l’abstraction hubiera sido la exposición en exhibición durante esa visita?

Habría sido un enfoque totalmente diferente. Me tomó tiempo darme cuenta de cómo la historia del arte estaba dominada por historiadores y artistas masculinos. Recuerdo claramente a los artistas que descubrí cuando fui al Pompidou de niña: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, ¡todos hombres! Pero como adolescente me interesaban mucho las escritoras: Anaïs Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. También recuerdo haber leído a Shere Hite, que estaba en la misma estantería que Freud en la biblioteca pública. Por eso, tal vez, como estudiante decidí escribir mi tesis sobre Rebecca Horn y traducir todas sus películas del alemán al francés.

Para parafrasear la pregunta que hizo en 2017 como directora del Sector de Artes Visuales de la Bienal de Venecia: ¿Qué significa ser una artista abstracta femenina hoy en día?

En realidad, ser artista "a secas" debería ser la posición correcta. Ya hemos superado el esencialismo, afortunadamente. Nunca me he considerado una “conservadora femenina”. Como solía decir, a Okwui Enwezor nunca le preguntaron si era padre o estaba casado durante sus entrevistas como director de la Bienal de Venecia. Me parecía muy molesto que siempre me preguntaran sobre mi género y mi supuesta situación como “mujer”, en lugar de sobre mi trabajo. Todavía necesitamos mucha investigación y exposiciones para llegar a ese punto también para las “artistas mujeres”. Pero la puerta ahora está bien abierta y no habrá retroceso gracias a la generación más joven de estudiantes de arte.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Patrimonio de Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Durante toda su carrera ha contado una historia más completa de la historia. Pero la abstracción no trata tanto de contar historias como de desafiar la percepción. ¿La aparición de esta muestra en este momento señala que cree que nuestra generación necesita volver a búsquedas más esotéricas?

No, no diría eso. Pero en un momento en que la gente vive con virtualidad e imágenes, en un mundo paralelo, mayormente figurativo, siento que la presencia del arte abstracto nos conduce a una esfera diferente. Nos habla de algo anclado tanto en nuestras dimensiones cognitivas como espirituales. Puedes sentir con mucha precisión lo que una obra abstracta te dice, ya sea materialista o trascendental, por ejemplo, si es divertida o táctil, sin palabras. Es un poco como la música. La percepción es suficiente para captar los puntos, e incluso para sentir quién es el artista detrás. En un momento en que el arte a veces está demasiado cargado de explicaciones y discursos paralelos, me encanta estar con obras que “hablan” por sí mismas.

Agradecemos a Christine Macel por conceder generosamente esta entrevista a IdeelArt. Elles font l’abstraction estará en exhibición del 5 de mayo al 23 de agosto de 2021 en el Centre Pompidou de París.

Imagen destacada: Hilma Af Klint - El cisne, n.º 16, Grupo IX/SUW, 1915. Cortesía de la Fundación Hilma af Klint. Foto: Moderna Museet, Estocolmo
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Entrevista por Phillip Barcio