Elles Font l’Abstraction - Una Entrevista con la Jefa de Conservación del Pompidou, Christine Macel

El Centre Pompidou escribirá historia este verano con Elles font l’abstraction - la elucidación más completa jamás realizada sobre la contribución de las artistas femeninas al desarrollo del arte abstracto. La Jefa de Conservación del Pompidou, Christine Macel, reunió más de 500 obras de 106 artistas para la exposición. Lejos de simplemente llenar las galerías con arte, Macel aprovechó esta oportunidad para demostrar cuál es el verdadero papel de un conservador: los conservadores escriben, y en su mejor momento corrigen, la historia del arte. Docenas de los artistas que seleccionó serán familiares para el público. Muchos otros serán completamente nuevos, incluso para los expertos en el campo. Esto se debe a que Macel y su equipo han realizado el increíble trabajo de descubrir y resaltar voces femeninas globales que, a pesar de su genialidad e influencia, fueron omitidas del canon histórico del arte. Abarcando desde 1860 hasta la década de 1980, la exposición y la documentación de apoyo -incluyendo escritos, películas y conferencias- cambiarán para siempre nuestra comprensión de la evolución de la abstracción como un lenguaje plástico. Después de mi reciente entrevista con Macel, he llegado a creer que esto es solo el comienzo. Nuestra conversación sigue a continuación.

Gracias por hablar con nosotros, Christine, he sido fan de tu trabajo desde que curaste la Bienal de Venecia en 2017. ¿Es Elles font l’abstraction el intento institucional más ambicioso que conoces para reconocer adecuadamente la contribución internacional de las artistas abstractas?

Sí, de hecho. Por eso decidí hacer esta investigación y exposición. Claramente hubo un proceso de invisibilización de las artistas mujeres en la historiografía de la abstracción.

¿Cuál fue la parte más desafiante de llevar esta exposición al Centre Pompidou?

El proceso de préstamo y los problemas de presupuesto, así como la situación de la pandemia. Pero debo decir que hubo un apoyo increíble por parte de los museos y coleccionistas privados de todo el mundo, así como de patrocinadores. En medio de la pandemia, pude contar con el apoyo de Van Cleef y Arpels, la Fundación Luma, los Amigos del Pompidou, etc., que fueron decisivos para realizar este proyecto. Sin mencionar la colaboración con el Guggenheim Bilbao, que fue crucial para esta exposición. Muchos historiadores del arte y académicos también han sido muy solidarios. Primero que nada, Griselda Pollock, quien es una de las muchas escritoras del catálogo y nuestra invitada de honor para el simposio con la asociación Aware. Los propios artistas también estaban muy entusiasmados. ¡Fue un gran impulso de energía! Tuve grandes discusiones con Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud y Jessica Stockholder, por nombrar solo algunas.

Esos cuatro artistas en particular tienen lenguajes visuales tan diferentes. Es refrescante ver la increíblemente amplia gama de posiciones visuales representadas en esta exposición.

"Mi declaración es abrir la definición de los medios concernientes a la abstracción, siguiendo las posiciones de los propios artistas. El espiritualismo, la danza, las artes decorativas, la fotografía y el cine han sido parte de esta historiografía. También quiero insistir en cada artista como particular y original."

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Cortesía de la familia Caland. Foto Elon Schoenholz, Cortesía de la familia Caland.

¿Cuál dirías que es el tono que esperas establecer con esta exposición?

Una explosión de alegría y placer; una admiración y respeto a todos estos artistas; una conciencia del largo camino que tenemos por delante para realmente profundizar en esta historia.

"Tantos artistas en este espectáculo nunca han recibido la admiración y el respeto que merecen. ¿Sigue siendo una experiencia alienante ser una artista abstracta hoy en día?"

No, hoy no estamos en una situación de alienación, sino de apertura, de descubrimiento y redescubrimientos. La puerta está en gran medida abierta, y muchos museos, historiadores del arte y jóvenes académicos están trabajando para hacer un futuro diferente.

Sin duda, podrías haber incluido a muchos más artistas en esta exposición. ¿Cómo redujiste tus selecciones?

Es un proceso tan complejo que no puedo describirlo en pocas palabras. La disponibilidad de las obras, el costo del transporte, los problemas de espacio, etc., también son parte del resultado final. Pero he realizado una gran parte de lo que quería hacer.

Georgiana Houghton - Álbum de Arte Espiritual, 1866-84. Imagen cortesía del Colegio de Estudios Psíquicos, Londres

¿Tenías miedo de omitir a alguien crucial?

Es menos un miedo que una cierta tristeza, un arrepentimiento, a veces, verse obligado a elegir. La omisión siempre es parte del trabajo, ya que la historia siempre es una historia parcial. Esta conciencia de la misma imposibilidad de una narrativa total es algo que está en el núcleo de la investigación en general. La historia del arte siempre está inconclusa y reescrita. Nada definitivo, solo una propuesta.

Tenías 8 años cuando visitaste por primera vez el Centre Pompidou. ¿Cómo habría sido diferente tu percepción al crecer si Elles font l’abstraction hubiera sido la exposición en vista durante esa visita?

Hubiera sido un enfoque totalmente diferente. Me tomó un tiempo darme cuenta de cómo la historia del arte estaba dominada por historiadores y artistas masculinos. Recuerdo claramente a los artistas que descubrí cuando fui al Pompidou de niño: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, ¡todos hombres! Pero como adolescente estaba muy interesada en escritoras: Anaïs Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. También recuerdo haber leído a Shere Hite, que estaba en la misma estantería que Freud en la biblioteca pública. ¡Por eso tal vez como estudiante decidí escribir mi tesis sobre Rebecca Horn y traducir todas sus películas del alemán al francés.

Para reformular la pregunta que hiciste en 2017 como Directora del Sector de Artes Visuales de la Bienal de Venecia: ¿Qué significa ser una artista abstracta hoy en día?

En realidad, ser un artista "tout court" debería ser la posición correcta. Ahora hemos superado el esencialismo, con suerte. Nunca me he considerado una "curadora femenina". Como solía decir, nadie le ha preguntado a Okwui Enwezor si era padre o estaba casado durante sus entrevistas como director de la Bienal de Venecia. Me resulta muy molesto que siempre me pregunten sobre mi género y la llamada situación de ser "mujer", en lugar de preguntarme sobre mi trabajo. Necesitamos nuevamente mucha investigación y exposiciones para llegar a este punto para las "artistas mujeres" también. Pero la puerta ahora está bien abierta y no habrá marcha atrás gracias a la generación más joven de estudiantes de arte.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Patrimonio de Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Así que toda tu carrera has estado contando una historia más completa de la historia. Pero la abstracción no se trata tanto de contar historias como de desafiar la percepción. ¿La aparición de este espectáculo en este momento señala que crees que nuestra generación necesita volver a búsquedas más esotéricas?

No, no diría eso. Pero en el momento en que las personas viven con virtualidad e imágenes, en un mundo paralelo, mayormente figurativo, siento que la presencia del arte abstracto nos lleva a una esfera diferente. Nos habla de algo tanto anclado en nuestras dimensiones cognitivas como espirituales. Puedes sentir muy precisamente lo que una obra abstracta te dice, ya sea materialista o trascendental, por ejemplo, ya sea divertida o háptica, sin ninguna palabra. Es un poco como la música. La percepción es suficiente para captar los puntos, e incluso para sentir quién es el artista detrás de ello. En un momento en que el arte a veces está demasiado cargado de explicaciones y discursos paralelos, me encanta estar con obras que "hablan" por sí mismas.

Nuestro agradecimiento a Christine Macel por conceder generosamente a IdeelArt esta entrevista. Elles font l’abstraction se puede ver del 5 de mayo al 23 de agosto de 2021 en el Centre Pompidou en París.

Imagen destacada: Hilma Af Klint - El Cisne, No. 16, Grupo IX/SUW, 1915. Cortesía de la Fundación Hilma af Klint. Foto: Moderna Museet, Estocolmo
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Entrevista por Phillip Barcio