Cómo el Expresionismo Abstracto Influyó en la Escultura - Una Exposición del Guggenheim

Una exposición de escultura recientemente inaugurada en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York se siente confundida en lo que respecta al legado de los movimientos artísticos blancos y patriarcales del pasado. Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism afirma ser una consideración de “las diversas maneras en que los artistas de las décadas de 1960 y 70 respondieron a los logros de los pintores del Expresionismo Abstracto para formular enfoques únicos a la práctica escultórica.” La curaduría incluye obras de la colección Guggenheim de seis artistas: Richard Serra, Robert Morris, Tony Smith, Lynda Benglis, Senga Nengudi y Maren Hassinger. La curaduría (y la escritura que la acompaña) implica un nivel general de simpatía hacia el Expresionismo Abstracto que realmente solo se aplica a la mitad de los artistas en la exposición—los hombres. Ya sea que intentaran promoverlo o que lo rechazaran explícitamente en su práctica, Serra, Morris y Smith al menos afirmaron en algún momento una cordialidad hacia la idea de ser parte de la línea oficial de la historia del arte a la que pertenece el Expresionismo Abstracto. Sin embargo, es un estiramiento decir lo mismo sobre Benglis, Nengudi y Hassinger—las tres mujeres cuyas obras están incluidas en la exposición. Durante toda su carrera, Benglis ha estado llamando la atención sobre la misoginia del Expresionismo Abstracto, el Minimalismo y sus protagonistas, y sobre toda la visión racista, sexista y patriarcal de la historia del arte que representan. Nengudi y Hassinger, mientras tanto, han dedicado sus respectivas carreras a crear voces visuales completamente distintivas que, si acaso, subvierten los sistemas de género y patriarcales celebrados en esta exposición. Quizás el Guggenheim estaba tratando de ser anti-sexista y anti-racista al incluir a Benglis—una gigante del arte feminista—y a Nengudi y Hassinger—dos mujeres de color—en una exposición con tres íconos de la historia del arte blanco y patriarcal. Sin embargo, si esa era la idea, siento que el intento falla y tal vez incluso logra el objetivo opuesto.

Representación en Inspiración

En 2014, el Museo de Arte Contemporáneo de Denver organizó una ambiciosa retrospectiva del trabajo de Senga Nengudi, quien es residente desde hace mucho tiempo de la cercana Colorado Springs. Esa retrospectiva dio una representación adecuada a las inspiraciones de esta artista. Al hacerlo, dejó claro que Nengudi es una artista distintiva cuyo trabajo no puede explicarse en términos del habitual canon histórico del arte. Nacida en Chicago en 1943, se mudó con su madre en 1949 a Los Ángeles. Después de obtener su licenciatura en Cal State, asistió a la Universidad Waseda en Tokio durante un año, donde se familiarizó con las ideas y métodos del Grupo Gutai. Al regresar a Los Ángeles, se convirtió en parte del colectivo experimental Studio Z y comenzó a desarrollar una práctica multidisciplinaria arraigada en la intersección del performance feminista negro y la escultura. En 1974, comenzó a trabajar con medias, documentando actuaciones de danza intuitiva en las que manifestaba habitaciones escultóricas del espacio, enredándose con longitudes del material que estaban sujetas a las paredes. Su trabajo en la actual exposición del Guggenheim proviene de esa serie. Podría plausiblemente colocarse en el legado de Gutai, Fluxus, Feminismo y la vanguardia negra, pero encajarlo en una conversación sobre el Expresionismo Abstracto es un estiramiento.

Senga Nengudi - Pieza de Performance, 1978/2013. Impresiones en gelatina de plata, tríptico, 40 x 31 1/2 pulgadas (101.6 x 80 cm) y 31 1/2 x 40 pulgadas (80 x 101.6 cm) cada una. A.P. 1/1, edición de 5. Fotografías de Harmon Outlaw. Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Comprado con fondos contribuidos por el Consejo de Fotografía, con fondos adicionales contribuidos por Manuel de Santaren 2019.20. © 2020 Senga Nengudi

Nativa de Los Ángeles, Maren Hassinger ha tenido una asociación de toda la vida con Nengudi, y las dos son incluso colaboradoras ocasionales. Al igual que Nengudi, Hassinger es una artista completamente distintiva cuyo trabajo casi no tiene conexión con el legado ideológico del Expresionismo Abstracto. Hassinger estudió en el Bennington College en Vermont, y lamentó la forma en que sus profesores exaltaban a Clement Greenberg y su visión de la historia del arte como el todo y la nada. Sus esculturas de fibra e instalaciones tienen un peso emocional que comparte más en común con las obras de Eva Hesse, otra artista completamente distintiva, a quien Hassinger considera una influencia. La obra de Hassinger en la exposición del Guggenheim fue adquirida recientemente por el museo. Presenta cuerdas náuticas de gran tamaño con nudos atados en ellas. De alguna manera, el texto que acompaña la exposición relaciona esta obra con una escultura de fieltro de Robert Morris. Entiendo que el Guggenheim quiere exhibir esta increíble nueva adquisición de Hassinger, pero ¿por qué pretender que tiene algo que ver con el Minimalismo o Morris? ¿Estaban los curadores incómodos al darle a esta poderosa obra su propio espacio para expresar sus verdaderas preocupaciones?

Lynda Benglis - Julieta, 1974. Yeso de aluminio, pantalla de aluminio, 32 1/2 × 19 3/4 × 7 1/4 pulgadas (82.6 × 50.2 × 18.4 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Donación, Colección Andrew Powie Fuller y Geraldine Spreckels Fuller, 2009.4. © Lynda Benglis / Licenciado por VAGA en Derechos de Artistas

Reemplazar el Patriarcado

De una manera algo inversa, Lynda Benglis es la única artista femenina que podría ser incluida en esta exposición porque a finales de la década de 1960, Benglis realizó una serie de pinturas de suelo en respuesta a la postura dominante y patriarcal defendida por Pollock y los Expresionistas Abstractos. Sin embargo, Benglis no estaba siendo simpática al imitar esta forma de pintar. Todo lo contrario. Era un gesto destinado a ridiculizar el movimiento. Las dos obras de Benglis que están incluidas en Knotted, Torn, Scattered—"Two" y "Juliet"—fueron realizadas en 1973 y 1974, respectivamente. Para entonces, Benglis había pasado a realizar obras de video innovadoras, y aunque todavía trabajaba en otros medios como la escultura también, estaba trabajando plenamente en un espacio mental creativo que era separado de la masculinidad—y totalmente alejado del ethos del canon histórico del arte centrado en el hombre. Parece incorrecto que estas dos esculturas anudadas de Benglis se presenten en esta exposición como extensiones de algún legado estético o intelectual que Pollock inició.

Mostrado en primer plano: Tony Smith - Wingbone, 1962. Yeso, tela y madera, 26 x 25 x 118 pulgadas (66 x 63.5 x 299.7 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Comprado a través de donaciones previas de Andrew Powie Fuller y el legado de Geraldine Spreckels Fuller y el legado de Richard S. Zeisler, 2013.7. © 2020 Patrimonio de Tony Smith / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Para citar el Manifiesto de la Revuelta Femenina (1970), “La mujer no debe ser definida en relación al hombre. El hombre no es el modelo a seguir para el proceso de autodescubrimiento de la mujer.” El mismo sentimiento se aplica a los artistas que se autoasocian con cualquier identidad humana definida en relación a artistas de cualquier otra identidad humana. Agrupar las obras de Benglis, Nengudi y Hassinger en una exposición que celebra la historia del arte blanca y patriarcal socava el trabajo que estos artistas han realizado para manifestar su pleno potencial como individuos y niega sus verdaderos legados. La versión arbitraria, y en el mejor de los casos parcial, de la historia del arte en la que se basa Knotted, Torn, Scattered tiene su lugar, pero estos artistas merecen algo mejor que ser mostrados en esclavitud a ello.

Imagen destacada: Maren Hassinger - Sin título, 1972/2020. Cuerda. Dimensiones variables. Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York. Comprado a través de un regalo previo del juez y la Sra. Samuel I. Rosenman, 2020 © 2020 Maren Hassinger
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio