James Siena – No es tu típico artista abstracto

Mirar una pintura de James Siena es ser arrastrado a un laberinto sinuoso y metódico de color y líneas. No hay una imagen a la que mirar. En cambio, hay una zona trascendental en la que vagar. La superficie, el espacio y la luz se fusionan en vibraciones visuales hasta que la mente se ve obligada a elegir entre el análisis y la aceptación. El acto directo de mirar pacientemente rara vez es tan generosamente recompensado. Si mirar estos enredos de color y línea es hipnótico, imagina pintarlos. La laboriosidad involucrada, especialmente en las recientes obras a gran escala que ha realizado Siena, es difícil de imaginar. Imaginar a Siena dominando una de sus superficies añadiendo línea tras línea me recuerda bastante a “A Line Made By Walking” (1967), una de las primeras obras de Land Art del escultor británico Richard Long. Para hacerla, Long caminó repetidamente de un lado a otro a través del mismo parche de hierba. Más tarde recordó: “Quería hacer de la naturaleza el tema de mi trabajo, pero de nuevas maneras. Mi primera obra hecha caminando fue una línea recta en un campo de hierba, que también era mi propio camino, yendo a ‘ninguna parte’.” De alguna manera, Siena está haciendo líneas que no van a ninguna parte, y en el proceso, al igual que Long, está prestando menos atención a la obra terminada en sí, y más atención a la planificación y el trabajo humano que implica su creación. De manera similar, las composiciones sinuosas que crea Siena evocan conexiones con la obra maestra de Alberto Burri, su “Grande Cretto.” Tallado en la superficie del planeta mismo, su laberinto de grietas lineales obliga a los espectadores a elegir: pueden caminar a través de ellas o mantenerse lo suficientemente lejos para mirarlas. Las dos experiencias son totalmente diferentes y mutuamente excluyentes. Del mismo modo, podemos retroceder y mirar una pintura de James Siena, o podemos acercarnos y tratar de navegar por sus enredos lineales. Las experiencias no son nada parecidas, aunque ambas tienen la posibilidad de un deleite puro.

Pensar y Sentir

Siena habla sobre su práctica pictórica en dos términos separados: provocar pensamiento e inducir sentimiento. Para el espectador, la dicotomía es obvia. Las líneas y formas que vemos confunden cualquier parecido con la realidad, y sin embargo, no podemos evitar pensar en lo que podrían ser, lo que podrían representar o lo que podrían significar. Pensamos en cómo fueron hechas y de qué están hechas. Al mismo tiempo, nos cansamos de pensar. Cuando simplemente nos permitimos sentir, comenzamos a creer que hay más en juego de lo que la cognición puede reconocer. La sensación de los patrones se impone: puede ser armoniosa o puede ser disonante. La sensación de las relaciones de color nos lleva a la confluencia con fuerzas desconocidas: pueden traer alegría o tal vez repulsión. En este estado de medio pensar y medio sentir, tenemos la oportunidad de simplemente dejar ir. Mirar la pintura, o a través de ella, como podríamos hacer con un Campo de Color de Rothko, ofrece una liberación que es puro placer.

James Siena - Tanagra, 2006. Litografía. Composición (irreg.): 28 7/8 x 43 3/16" (73.4 x 109.7 cm); hoja: 29 1/2 x 43 7/8" (75 x 111.4 cm). Universal Limited Art Editions, Bay Shore, NY. Regalo de Emily Fisher Landau. Colección MoMA. © 2019 James Siena

Sin embargo, cuando habla sobre la diferencia entre pensar y sentir, Siena no solo está hablando de nosotros, los espectadores. También se refiere a su propio método artístico. Puede que no lo parezca, pero cada una de sus pinturas está planificada con antelación: él elabora un sistema que determina la estructura de la composición, lo que él llama un "algoritmo visual". Siena sigue este sistema hasta que la pintura se completa por sí misma. Esa es la fase de pensamiento. Sin embargo, el proceso se ve inevitablemente alterado por las limitaciones de su mente y su cuerpo. El plan puede ser mecánico, pero él, como artista, no lo es. Sus manos no pueden actuar con el mismo nivel de exactitud que una máquina, ni su mente puede mantenerse perfectamente concentrada durante todo el proceso de creación de una pintura. La obra es una colaboración entre el plan y la acción; entre la previsión de un algoritmo y las sustituciones exigidas por la fragilidad humana. En juego está un comentario abstracto sobre nuestro tiempo: el final de la era de la información y el amanecer de la era de la imaginación.

James Siena - Organismo No Orgánico de Doce Lóbulos con Dientes de Serrar, 2013. Esmalte sobre aluminio. 19 1/4 x 15 1/8”. Cortesía del artista y Pace Gallery. Foto de Tom Barratt.

Fabricación y funcionamiento

Una de las dificultades que a veces encuentro al mirar una pintura de James Siena es sentir cuándo y dónde detener mi mirada. Ninguna parte de la imagen destaca como un punto focal. No hay sujeto, solo hay materia. Esto es un testimonio de la dedicación de Siena al continuo de trabajo. Ha hablado en el pasado sobre el tiempo y la noción de que cuando estás involucrado en un proceso que toma tiempo, cada segundo es tan importante como cualquier otro segundo. Imbuye sus pinturas con esa misma filosofía, pero en un sentido visual. La imagen es un registro del tiempo. Ningún momento en la creación de la obra fue más importante que cualquier otro momento, y ningún elemento de la imagen se afirma como más importante que cualquier otro elemento, aunque cada uno es único.

James Siena - Dra. Michelle Carlson, 2011-2014. Esmalte sobre aluminio. 19-1/4″ x 15-1/4″. Cortesía del artista y Pace Gallery. © 2019 James Siena

El continuo de su trabajo se traslada al continuo de su práctica, mientras Siena se mueve prolíficamente de una pintura a la siguiente. Su furioso output lo ha empujado a evolucionar hacia la creación de pinturas más grandes con patrones más complejos, pero los fundamentos de su método perduran. Su creciente complejidad muestra madurez y dedicación. Para un artista, hacer lo mismo una y otra vez es difícil, variando una acción de maneras sutiles y, sin embargo, manteniéndose fiel al concepto de repetición. La imaginación y la inventiva deben encontrarse en lugares cada vez más matizados. Un artista como Siena, que no utiliza asistentes, no debe preguntarse por qué se están trazando estas líneas, ni por qué se están inventando estos sistemas, sino que simplemente debe deleitarse en la creación y la invención. De manera similar, para que los espectadores se embarquen en la contemplación de tales obras se requiere igual devoción a la simplicidad, igual dedicación a la imaginación y igual apertura al deleite.

Imagen destacada: James Siena - Coalition, 2011. Litografía de once colores. 22.50 x 18.00 in (57.1 x 45.7 cm). Edición de 21. © 2019 James Siena
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio