Joanne Freeman
Lienzos blancos elegantes adornados con solo unos pocos bucles cuidadosamente diseñados de diferentes colores, que exudan un cierto ritmo de paz y armonía. El principio de menos es más es evidente en las obras de Joanne Freeman. Con solo unas pocas líneas efectivas, logra construir una visión impactante y cautivar al espectador. IdeelArt tuvo una oportunidad única de hacerle a Joanne Freeman algunas preguntas sobre su trabajo, proceso creativo y vida como artista. Hablamos sobre sus pensamientos acerca de su obra, cómo percibe la relación entre el creador y el arte, y entre el arte y el espectador. Así que, disfruten de nuestra breve, pero perspicaz, entrevista con la encantadora Joanne Freeman.
Has asistido a la universidad en Madison, Wisconsin, has dado conferencias en Massachusetts, has expuesto ampliamente en los EE. UU. y a nivel internacional, y vives y trabajas en la ciudad de Nueva York. ¿Puedes hablar sobre las formas en que tu trabajo está influenciado por un sentido de lugar?
Mi trabajo está fuertemente influenciado por el lugar. Como mencioné, vivo y trabajo en la ciudad de Nueva York, y ese clima visual y cultural tiene un gran impacto en mi trabajo. Siempre me sorprende cuando salgo y vuelvo a entrar, por lo que noto. El tiempo fuera siempre me da una perspectiva renovada y una frescura de vista. Viajar hace lo mismo, cuando estoy en un entorno diferente estoy abierto a cosas que otros pueden encontrar mundanas por la familiaridad. Puedo contar muchas de las influencias en el trabajo, a veces directamente mientras lo estoy creando y a veces mucho después de hecho cuando lo estoy viendo.
¿Cómo influye tu propia fisicalidad en tu trabajo?
"Mi proceso en el estudio es físicamente exigente, especialmente a medida que aumenta la escala de las pinturas. Las líneas de borde duro en las pinturas se hacen con el movimiento de mi brazo de un borde del lienzo al otro. El tamaño tanto de los soportes externos como de las líneas interiores son relativos tanto al proceso como a las proporciones de mi cuerpo."
A veces trabajas en superficies redondas. Considerando la naturaleza física de los gestos que realizas, ¿cómo evoluciona tu conexión con la superficie cuando te enfrentas a un espacio circular?
"Los gestos se vuelven más contenidos y controlados cuando se combinan con un espacio circular. Son más deliberados, girando y mimetizando la forma circular del lienzo. Mientras que en las pinturas rectangulares más grandes realizo grandes barridos que se extienden más allá de los bordes y sugieren la infinitud, las piezas circulares se centran en sí mismas, acentuando la forma y el borde de la superficie, lo que contribuye a objetivar la pintura."
"Parte del trabajo que realizas implica limitar tu acceso a la superficie al cubrir áreas con cinta. ¿Cómo varía tu estado emocional/intelectual cuando te enfrentas a un trabajo así, en comparación con cuando tienes total libertad para acceder a toda la superficie?"
Creo que te refieres a mis obras en papel donde enmascaro áreas y creo formas de color, en comparación con mis pinturas, que parecen más abiertas. El proceso es en realidad bastante similar entre los dos medios y es bastante intuitivo. Coloco ya sea una línea o una forma en la superficie y construyo a partir de eso. Con las pinturas, la composición es más fija y mis opciones tienen más que ver con las elecciones de color. El color monocromático que uso en los dibujos me permite jugar más con la composición. De cualquier manera, he reducido el lenguaje, establecido límites y limitado mis elecciones, lo que paradójicamente permite más libertad.
Has mencionado que te ha influido el trabajo de artistas reductivos. ¿Podrías nombrar a algunos de los artistas cuyo trabajo admiras y hablar sobre las preguntas que te han ayudado a encontrar o responder?
Miro el trabajo de muchos artistas, algunos que vienen a la mente son: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi y Ellsworth Kelly. Admiro el trabajo de artistas cuyas obras parecen mínimas y monumentales, pero al mismo tiempo celebran lo hecho a mano y lo caprichoso. Es un poco un Catch-22, el proceso de la pintura reductiva, porque tienes que pasar por mucho trabajo y exceso para llegar a una declaración simple y honesta. Cuestiono mis reacciones al trabajo de mis predecesores y trato de encontrar la confianza para decir más con menos.
¿Qué experimentas intelectualmente durante el acto físico de la creación de imágenes reductivas?
Intento actuar de manera reflexiva en el estudio controlando las evaluaciones críticas y tratando de hacer juicios visceralmente, basándome en la información que tengo delante. La canonización de artistas y las poderosas influencias de la historia del arte pueden llevar a una situación que me describieron como el síndrome de la Mona Lisa, donde la mitología de una obra eclipsa una reacción honesta hacia ella. He internalizado un lenguaje visual reductivo que funciona para mí basado en sus precedentes en la historia del arte; el Constructivismo Ruso, la Escuela Bauhaus, el Neoplasticismo y, menos obvio, el arte cristiano temprano de Giotto y Fra Angelico, en el Convento de San Marco. Estas enseñanzas, junto con las influencias de artistas más contemporáneos, siempre están conmigo en el estudio. Espero que este lenguaje común aprendido conduzca a una interpretación única.
¿Qué esperas que el espectador experimente al encontrarse con tu obra?
Extrañamente, porque estoy tan involucrado en el proceso de crear mi trabajo, a veces tengo problemas para verlo realmente en el momento. He tenido la experiencia de ver mi trabajo unos años después en la casa de otra persona o en el contexto de una institución diferente. En ese momento, siempre es agradable pensar: "oh, vaya, eso funciona". Esperaría lo mismo para un espectador.
Joanne Freeman
Imagen destacada: Fotografía tomada de la serie ''Covers'' de Joanne Freeman en Art on Paper, stand de Kathryn Markel, Pier 36, Nueva York, NY. 4-6 de marzo - Cortesía de la artista.
