Joanne Freeman

Elegantes lienzos blancos adornados con solo unos pocos lazos cuidadosamente diseñados de diferentes colores, que irradian un cierto ritmo de tranquilidad y armonía. El principio de menos es más es evidente en las obras de Joanne Freeman. Con solo unas pocas líneas efectivas, logra construir una visión impactante y cautivar al espectador. IdeelArt tuvo la oportunidad única de hacerle a Joanne Freeman algunas preguntas sobre su trabajo, proceso creativo y vida como artista. Hablamos sobre sus pensamientos acerca de su obra, cómo percibe la relación entre el creador y el arte, y entre el arte y el espectador. Así que disfruten nuestra entrevista breve, pero profunda, con la encantadora Joanne Freeman.

Has estudiado en Madison, Wisconsin, dado conferencias en Massachusetts, expuesto ampliamente en Estados Unidos y a nivel internacional, y vives y trabajas en la ciudad de Nueva York. ¿Puedes hablar sobre las maneras en que tu trabajo está influenciado por el sentido del lugar?

Mi trabajo está fuertemente influenciado por el lugar. Como mencioné, vivo y trabajo en la ciudad de Nueva York, y ese clima visual y cultural tiene un gran impacto en mi obra. Siempre me sorprendo cuando salgo y regreso, por lo que noto. El tiempo fuera siempre me da una perspectiva renovada y una frescura de la vista. Viajar hace lo mismo; cuando estoy en un entorno diferente, estoy abierta a cosas que otros pueden encontrar mundanas por la familiaridad. Puedo recordar muchas de las influencias en la obra, a veces directamente mientras la creo y otras veces mucho después, cuando la estoy observando.

¿Cómo influye tu propia corporalidad en tu trabajo?

Mi proceso en el taller es físicamente exigente, especialmente a medida que aumenta la escala de las pinturas. Las líneas de borde duro en las pinturas se hacen con el movimiento de mi brazo desde un borde del lienzo hasta el otro. El tamaño tanto de los soportes externos como de las líneas interiores es relativo tanto al proceso como a las proporciones de mi cuerpo.

A veces trabajas sobre superficies redondas. Considerando la naturaleza física de los gestos que haces, ¿cómo evoluciona tu conexión con la superficie cuando te enfrentas a un espacio circular?

Los gestos se vuelven más contenidos y controlados cuando se combinan con un espacio circular. Son más deliberados, giratorios y mimetizan la forma circular del lienzo. Mientras que en las pinturas rectangulares más grandes ejecuto barridos amplios que se extienden más allá de los bordes y sugieren infinito, las piezas circulares se centran en sí mismas, acentuando la forma y el borde de la superficie, lo que contribuye a objetivar la pintura.

Parte de tu trabajo implica limitar el acceso a la superficie mediante el uso de cinta para cubrir áreas. ¿Cómo varía tu estado emocional e intelectual cuando te enfrentas a una obra así, en comparación con cuando tienes libertad total para acceder a toda la superficie?

Creo que te refieres a mis obras sobre papel donde cubro áreas con cinta y creo formas de color, en contraste con mis pinturas, que parecen más abiertas. El proceso es en realidad bastante similar entre los dos medios y es bastante intuitivo. Coloco una línea o una forma en la superficie y construyo a partir de ella. En las pinturas la composición es más fija y mis opciones tienen que ver más con la elección de colores. El color monocromático que uso en los dibujos me permite jugar más con la composición. De cualquier manera, he reducido el lenguaje, establecido límites y limitado mis opciones, lo que paradójicamente permite más libertad.

Has mencionado estar influenciada por el trabajo de artistas reductivos. ¿Podrías nombrar algunos de los artistas cuyo trabajo admiras y hablar sobre las preguntas que te han ayudado a encontrar o responder?

Observo el trabajo de muchos artistas, algunos que vienen a la mente son: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi y Ellsworth Kelly. Admiro el trabajo de artistas cuyas obras parecen mínimas y monumentales, pero al mismo tiempo celebran lo hecho a mano y lo caprichoso. Es un poco una paradoja, el proceso de la pintura reductiva, porque tienes que pasar por mucho trabajo y exceso para llegar a una declaración simple y honesta. Cuestiono mis reacciones al trabajo de mis predecesores y trato de encontrar la confianza para decir más con menos.

¿Qué experimentas intelectualmente durante el acto físico de crear imágenes reductivas?

Trato de actuar de manera reflexiva en el taller controlando las evaluaciones críticas y tratando de hacer juicios de forma visceral, basados en la información frente a mí. La canonización de artistas y las poderosas influencias de la historia del arte pueden llevar a una situación que me describieron como el síndrome de la Mona Lisa, donde la mitología de una obra eclipsa una reacción honesta hacia ella. He interiorizado un lenguaje visual reductivo que funciona para mí basado en sus precedentes históricos; Constructivismo ruso, la Escuela Bauhaus, Neoplasticismo, y menos obvio, el arte cristiano temprano de Giotto y Fra Angelico, en el Convento de San Marco. Estas enseñanzas junto con las influencias de artistas más contemporáneos siempre están conmigo en el taller. Espero que este lenguaje común aprendido conduzca a una interpretación única.

¿Qué esperas que el espectador experimente al encontrarse con tu obra?

Curiosamente, porque estoy tan involucrada en el proceso de crear mi obra, a veces me cuesta verla realmente en el momento. He tenido la experiencia de ver mi trabajo años después en la casa de otra persona o en el contexto de una institución diferente. En ese momento siempre es agradable pensar, “oh, eso funciona”. Esperaría lo mismo para un espectador.

Joanne Freeman

Imagen destacada: Fotografía tomada de la serie ''Covers'' de Joanne Freeman en Art on Paper, stand de Kathryn Markel, Pier 36, Nueva York, NY. 4-6 de marzo - Cortesía de la artista