Cargamento Poético de una Impresión Abstracta

En la inauguración de la obra de tu pintor abstracto favorito, te sientes inmediatamente atraído por una pintura, como una luna feliz siendo atraída hacia una estrella acogedora. Sabes que la quieres. Entonces ves algo escrito en la esquina inferior derecha: 1/10. No es una pintura abstracta; es una estampa abstracta. Tu mente cambia. Surgen preguntas sobre la singularidad. No es única; es una de diez. ¿Deberías comprarla igual?

Poesía Visual

¿Quién puede afirmar entender el proceso de un poeta? Pero sabemos esto: Los poetas organizan palabras en configuraciones abstractas para invitar a lo inesperado en la mente del lector. Cuando leemos un poema, al intentar comprender lo que leemos, la actividad eléctrica en nuestro cerebro aumenta. Cuando finalmente hacemos una conexión y en algún lugar profundo de nuestra conciencia se alcanza un significado, nuestro cerebro libera sustancias que inducen placer y experimentamos alegría. Sentimos un sentido de ritmo y belleza. Eso se llama carga poética.

Se dice que las pinturas abstractas también poseen una carga poética. Son para las imágenes lo que los poemas son para las palabras. Cuando miras la imagen de una manzana, la luz incide en la superficie de la imagen y se refleja en tu retina. Tu cerebro analiza los colores, formas y líneas que llegan a la retina y dice “manzana”. Pero cuando miras una imagen abstracta, aunque ocurre la misma ciencia óptica, al final del proceso tu cerebro no sabe qué decir. Se esfuerza por realizar maniobras neurológicas para determinar el significado conceptual de los colores, formas y líneas que ve. Cuando finalmente llega a algún sentido interno de significado de la imagen, el ritmo y la belleza inundan la mente.

La pregunta es, ¿puede una estampa abstracta tener el mismo efecto? ¿Puede una estampa abstracta poseer la misma carga poética que una pintura abstracta? Para descubrirlo, veamos las diferencias entre pinturas y estampas y consideremos las formas en que el cerebro podría responder a cada una.

Clayton Kashuba - High Tade (detalle), © Clayton Kashuba

El Artista Está Presente

Primero que nada, aclaremos que no estamos hablando de reproducciones aquí. No hablamos de copias producidas en masa de obras originales. Tampoco hablamos de impresiones giclée con barniz aplicado para que parezcan pinturas, ni fotografías de pinturas convertidas en carteles. De lo que hablamos aquí son estampas de artistas: ediciones limitadas, múltiples hechas a mano de la obra original de un artista. Las reproducciones son solo copias. Las estampas se consideran obras únicas y auténticas.

Las estampas de artistas se hacen de varias maneras. Pueden hacerse a partir de un grabado, como un xilograbado. Pueden hacerse mediante litografía, que consiste en grabar una imagen en metal o piedra. Pueden hacerse por serigrafía, que es una palabra elegante para impresión en pantalla. O pueden hacerse por alguna variación de estos métodos que involucra la mano del artista y algún proceso cuasi-mecánico adicional.

Al hacer estampas a partir de un grabado o una litografía, cada impresión desgasta ligeramente la plancha original, alterando sutilmente las impresiones posteriores. En la serigrafía, el proceso implica la aplicación del medio por parte del artista y la presión de la mano del artista. Esto resulta en innumerables variaciones entre estampas debido a desviaciones inevitables, cambios ambientales o cambios en la calidad de la superficie o del medio.

Matthew Langley - So Though, 2015, 22 x 28 pulg

Singularidad

Todo esto significa que las estampas de artistas son únicas. Parecen iguales, pero aunque sea en la forma más sutil, no lo son. Esto es favorable para la carga poética de una estampa, ya que los humanos responden visceralmente a las cosas que son raras. Si un espectador siente que puede encontrar más de algo en otro lugar, se pierde un elemento de asombro.

Quizá en este sentido, una estampa pueda tener menos potencial para la carga poética que una pintura, ya que una pintura es totalmente única. Sin embargo, dado que cada estampa que hace un artista varía de las demás debido a las inevitables desviaciones inherentes al proceso, mientras la serie de estampas sea lo suficientemente pequeña y el grupo de compradores lo suficientemente grande, se creará escasez. Y la escasez es un sustituto suficientemente cercano a la rareza que debería devolver a la estampa cualquier singularidad que haya perdido.

Margaret Neill - Groove 1, 2005, 22.8x22 pulg

Especificidad del Medio

El cerebro humano responde de manera diferente a distintos medios debido a la forma en que varios medios interactúan de manera distinta con la luz. Los óleos reflejan la luz de manera diferente que los acrílicos o el gouache. Las acuarelas reflejan la luz de manera diferente que el carbón o la tinta. Cada medio también posee otras cualidades físicas inherentes, como viscosidad, aspereza o incluso aroma o sabor por los químicos o metales en el medio. Cada elemento de las cualidades esenciales de un medio podría potencialmente transferir significado a los espectadores, afectando así la carga poética de una obra.

Pero, ¿la especificidad del medio afecta a una estampa de manera diferente que a una pintura? Tanto pinturas como estampas se hacen con un medio. Ambos pueden hacerse con tinta, pintura o cualquier otro medio que el artista pueda idear. Lo que importa es si se elige el medio adecuado para la obra correcta. Las estampas involucran herramientas diferentes a las pinturas, por lo que una elección inapropiada del medio podría interferir con la conexión del espectador con la obra. Mientras se elija el medio apropiado, no debería afectar la carga poética de una estampa.

Jose Heerkens - L28. Passing Colours, 2012, 13.8 x 13.8 pulg

Planitud vs. Empaste

Lo que podría importar mucho es cómo se aplica el medio. Cada medio tiene un peso visual perceptible y cualidades táctiles propias. Cómo se aplica a una superficie altera fundamentalmente cómo la luz reacciona a él. La palabra empaste se refiere a la cualidad que tiene la pintura cuando se aplica en capas gruesas sobre la superficie de una pintura. La textura y los relieves que la pintura desarrolla al aplicarse en capas le dan profundidad. Cuanto más se extiende el medio fuera de la superficie de la obra, más empaste y menos planitud tiene la obra.

Como las estampas se hacen con la ayuda de una máquina u otro dispositivo, no poseen empaste. El medio se extiende plano sobre la superficie y no contiene trazos de pincel. Esta planitud le da a la obra un aspecto de perfección mecanizada que es decididamente diferente de las cualidades “pictóricas” de una obra con empaste. Pero la planitud no debería reducir la capacidad de una estampa para poseer carga poética. La planitud puede ser una cualidad muy deseable en una obra de arte. La planitud llevó a Clement Greenberg a elogiar las cualidades deseables de los abstraccionistas post-pictóricos. Los alabó por la claridad de sus imágenes, que sentía se veía realzada por sus mínimas cualidades “pictóricas”.

Holly Miller - Bend #2, 2013, 9.8 x 9.8 pulg

En el Borde

Cuando un pintor hace una pintura, el proceso a menudo implica ir más allá del borde de la superficie, por ejemplo, dejando caer pintura sobre el borde y hacia el lado del lienzo. Esa sensación de imperfección puede afectar la carga poética al transmitir pasión, energía o libertad, aportando capas adicionales de emoción conceptual a la obra.

Las estampas se extienden sobre superficies planas de manera controlada. El proceso de hacer una estampa tiende a resultar en bordes limpios y esquinas relativamente precisas. Este aspecto tiende a transmitir más una sensación de control en la obra que lo que comunicaría una pintura, pero eso no reduce necesariamente la carga poética de una estampa. Simplemente comunica algo más contenido.

Dana Gordon - Night (detalle), 2012, 59.8 x 78 pulg

Bajo la Superficie

Las pinturas generalmente comienzan con algún tipo de superficie imprimada, como un lienzo o panel preparado con gesso. Esta subcapa le da a la pintura una base que aporta profundidad a las capas posteriores y oculta la materialidad de la superficie. Capas adicionales pueden añadir una luminosidad y valor profundos a los colores que finalmente componen la capa final de una pintura.

Las estampas generalmente no están compuestas por múltiples capas de medio. Aunque algunos artistas hacen estampas con numerosas capas de medio, a menudo una estampa está hecha de una sola capa impresa sobre una hoja de papel u otra superficie no imprimada. Esto puede dar a una estampa la sensación de descansar sobre una superficie en lugar de estar incorporada en ella. De esta manera, una estampa podría perder algo de su capacidad para atraer al espectador, ya que podría llamar la atención sobre la superficie en la que descansa.

Anya Spielman - Bloom, 2010, 7.9 x 5.9 pulg

Sumándolo Todo

Una estampa y una pintura comparten muchas similitudes. Ambas usan el medio para transmitir significado. Ambas pueden poseer especificidad del medio. Pero también difieren en aspectos importantes. Aunque únicas, son singularmente diferentes. Las estampas también poseen más planitud que las pinturas. Utilizan menos capas. Son menos pictóricas. En cierto modo, eso realza la carga poética de una estampa. Los colores pueden ser más puros, más intensos, tal vez más modernos. ¿Y quién dijo que la modernidad y la poesía no pueden mezclarse?

Creemos que la capacidad de una pintura abstracta para afectar a un espectador es innegable. Y aunque diferentes, ¿por qué una estampa abstracta debería ser menos capaz de tocar a alguien de manera similar? Cuando pienses en comprar una obra de arte y veas ese pequeño 1/10, o 3/50, o 100/300 en la esquina inferior de la imagen, simplemente da un paso atrás, despeja tu mente y luego vuelve a mirar la obra. Si lo que ves ante ti es hermoso y tu corazón se abre, eso es carga poética. Es un diluvio: un desbordamiento. Celebra que provenga de una estampa.

Imagen destacada: Michael Keck - Running Free, © Michael Keck