Haciendo Tradición Contemporánea - Jeffrey Gibson
Tuve una experiencia poco común recientemente mientras observaba la obra de Jeffrey Gibson. Algo en su trabajo me abrió una puerta. Me expuso a una relación más amplia e interesante con el espacio físico. Verá, asisto a muchas exposiciones de arte. Y tiendo a tener el mismo tipo general de relación con cada exposición a la que asisto. Probablemente pueda adivinar qué tipo de relación es basándose en cómo lo estoy describiendo ahora mismo. Se define por el hecho de que me siento separado del arte y del espacio que ocupa. Me veo a mí mismo, al arte, a la exposición y al espacio como cuatro cosas separadas, sin conexión inherente. Entro en un espacio donde el arte está en exhibición, miro el arte, pienso en lo que estoy viendo, y luego, con el paso del tiempo, la obra puede o no resonar conmigo de diversas maneras. Por supuesto, ha habido algunas ocasiones en las que la obra me ha hecho no verla de esa manera, como en un Skyspace de James Turrell, donde el espacio es el arte. Pero en su mayoría, casi siempre veo las exposiciones de arte como oportunidades para ir a algún lugar y mirar algo. Lo que sucedió con la obra de Jeffrey Gibson, sin embargo, es que provocó en mí un tipo diferente de relación. No estaba dispuesto a aceptar la limitación de ser solo cosas en un espacio que se miran y se piensan. Por el poder de su presencia me hizo saber que no estaba viendo el panorama completo. Me hizo dar cuenta de que el arte no solo ocupa espacio: el espacio y el arte habitan uno en el otro. Y cuando una persona entra en esa relación, ocurre un evento en el que los tres —el arte, el espacio y la persona— se convierten en colaboradores iguales. No hablo de nada espiritual o metafísico. Digo que de la misma manera que una persona que se pone un uniforme militar “se convierte” en soldado, o una persona que se pone una vestimenta “se convierte” en ministro, cuando un espacio monta una exposición de arte “se convierte” en algo nuevo, algo más. Y cuando entramos en relación con esta nueva cosa —esta combinación de arte y espacio— la habitamos de la misma manera que un sacerdote habita una vestimenta o un soldado un uniforme. Le damos vida. Le damos poder y sus privilegios. Es más de lo que habría sido sin nuestra presencia. Y depende de nosotros demostrar qué significa.
Powwows y Raves
Jeffrey Gibson nació en Colorado en 1972. Su herencia familiar es nativa americana, parte cherokee y parte choctaw. Debido al trabajo de su padre, Gibson viajó siendo joven, viviendo en diferentes momentos en Corea del Sur, Alemania, Inglaterra y varios lugares de Estados Unidos. La mezcla de influencias culturales fue a veces iluminadora para él, y en otras ocasiones frustrante. Un ejemplo principal es su amor por la música y el baile. De joven fue iniciado en la tradición nativa americana del powwow, una reunión social en la que se toca música y los trajes vibrantes cobran vida con los bailarines. Y como adolescente en Asia y Europa, pudo llevar ese mismo espíritu a su vida yendo a clubes con sus amigos para escuchar música y bailar. Pero cuando regresó a Estados Unidos a los 16 años, se encontró en una cultura en la que era demasiado joven para entrar a bares y clubes. Fue una rareza cultural sutil pero generalizada. Se sentía atraído por la música y el baile, pero tenía pocas formas de expresar ese sentimiento de manera socialmente aceptable.
Una salida que encontró fue la escena rave subterránea, que en muchos sentidos sentía que tenía el mismo espíritu que el powwow: era social, giraba en torno a la música, y la escena alentaba a las personas a manifestar su personalidad a través del adorno y los disfraces, y a llamar la atención sobre sí mismos mediante el baile. Después de graduarse de la escuela secundaria, obtuvo su BFA en el Instituto de Arte de Chicago en 1995. Luego, tras ser admitido en el programa de Maestría en Bellas Artes del Royal College of Art en Londres, se enteró por su jefe que la Banda Choctaw de Mississippi estaba dispuesta a pagar su matrícula. Gibson dijo en una entrevista de 2007 con ARTnews: “Mi jefe sentía que yo yendo allí, siendo un artista fuerte, lo hacía más fuerte a él.” La obra que Gibson ha estado creando desde que obtuvo su MFA en 1998 y regresó a Estados Unidos está informada por esa vasta y diversa gama de experiencias culturales que llenaron su crianza, especialmente un sentido de sus muchas comunidades y una atracción por el legado de powwows y raves: espacios que cobran vida cuando son habitados por personas y arte.
Jeffrey Gibson - Aquí Viene, 2014, Técnica Mixta, Crédito fotográfico Scott McCrossen/ FIVE65 Design
Luchando contra las Generalizaciones
La obra que Gibson crea incorpora muchos medios y formas, pero transmite un lenguaje estético unificador. Ese lenguaje está dominado por colores vivos y puros, formas geométricas de bordes definidos y patrones ópticos. La imaginería evoca inmediatamente tanto la abstracción modernista como la estética nativa americana. Lo que es tan efectivo de esta combinación es que abre de inmediato lo que ambas posiciones estéticas pueden ofrecer potencialmente. El arte abstracto modernista utiliza formas y patrones de manera autorreferencial, llamando a los triángulos triángulos, y nada más, y pidiendo a los espectadores que disfruten las relaciones de color por sí mismas sin buscar ningún tipo de sentido codificado o subyacente. Pero la tradición nativa americana es inherentemente codificada. Un triángulo nunca es solo un triángulo. Simboliza algo: quizás algo personal, quizás algo cultural, quizás algo poético. Pero en cualquier caso, tiene un significado para alguien. Debido a las dos tradiciones de las que emergen estas piezas, somos libres de interpretarlas abiertamente, añadiendo nuestras propias tradiciones, códigos y expectativas a la mezcla.
Uno de los cuerpos de obra más icónicos que Gibson ha creado hasta ahora es una serie de sacos de boxeo adornados con coloridos trabajos de cuentas. Se topó con los sacos de boxeo cuando su terapeuta le sugirió contratar a un entrenador personal para ayudarlo con la ira que sentía como joven artista tratando de encontrar su voz y su camino en el mundo del arte contemporáneo. La forma del saco es en sí misma simbólica. Implica resistencia, aislamiento y transferencia de energía. Los sacos de boxeo se mueven y se balancean. Ceden ante la presión, pero siempre regresan a su posición original. Son suaves y duros al mismo tiempo. Gibson crea imágenes en ellos usando medios como cuentas y textiles colgantes, que hablan de la comprensión preconcebida que la gente contemporánea tiene del arte nativo americano. A veces también incluye texto en las composiciones, invitando a una contemplación más profunda de la imaginería y la forma. Los sacos de boxeo están cubiertos con el lenguaje visual de la historia del arte, así como con el lenguaje codificado de la narrativa cultural y el lenguaje material de la generalización. Hablan de la lucha que todos experimentamos mientras tratamos de descubrir en qué nos vamos a convertir.
Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrílico y grafito sobre lienzo, 31 × 27 pulg, 78.7 × 68.6 cm (Izquierda) y Village, 2017, Acrílico y grafito sobre lienzo, 31 × 27 pulg, 78.7 × 68.6 cm (Derecha), créditos fotográficos De Buck Gallery
Habitando Formas
Lo que más me influye directamente cuando considero la obra de Jeffrey Gibson son sus disfraces. Crea disfraces fluidos, coloridos y elaborados y los coloca sobre estructuras de madera. Inmediatamente me imagino poniéndome uno. Pienso en las formas en que el disfraz me transformaría si lo usara. Luego pienso en cómo yo lo transformaría a él. Juntos nos convertiríamos en algo más expresivo que cualquiera de los dos por separado. Las formas, colores y patrones del disfraz adquirirían un nuevo significado al combinarse con los movimientos de mi cuerpo. El objeto artístico y yo nos fusionaríamos para convertirnos en una forma viva de comunicación.
Algo en la forma en que estos disfraces ilustran la fusión del arte, el espacio y el cuerpo humano me ha dado una nueva visión —no solo de estas obras, sino de todas las obras de arte. El espacio de la exposición es un contenedor de imágenes y objetos, al igual que estos disfraces. Yo entro en él, como si me pusiera un disfraz en el cuerpo. Al habitar la exposición y moverme dentro de ella, las imágenes y objetos en sus superficies cobran vida con mi movimiento. Tal vez suene cursi, pero ya no siento que solo soy un tipo que va a exposiciones para mirar arte. Ahora me doy cuenta de que cada espacio que muestra arte es como uno de estos disfraces que hace Jeffrey Gibson. Nos está esperando, esperando nuestro aliento y nuestros cuerpos para que lo llenemos, lo animemos, le demos vida y nos otorguemos mutuamente más significado del que cualquiera de nosotros podría haber tenido por sí solo.
Jeffrey Gibson - Otra Lengua, 2016 18 × 11 1/2 × 13 pulg, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Izquierda) y Debería Saber Mejor, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 pulg, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Derecha), créditos fotográficos Roberts & Tilton, Culver City
Imagen destacada: Jeffrey Gibson - Muestreo Infinito, 2010, Lápiz, acuarela, pintura acrílica, cinta, hilo, impresiones pigmentadas archivadas, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 pulg, 148.9 × 244.8 × 7 cm
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
