Haciendo Tradición Contemporánea - Jeffrey Gibson
Tuve una experiencia rara recientemente mientras miraba el trabajo de Jeffrey Gibson. Algo sobre el trabajo abrió una puerta para mí. Me expuso a una relación más amplia y más interesante con el espacio físico. Verás, asisto a muchas exposiciones de arte. Y tiendo a tener el mismo tipo general de relación con cada exposición a la que asisto. Probablemente puedas adivinar qué tipo de relación es eso basado en cómo estoy hablando de ello en este momento. Se define por el hecho de que me siento separado del arte y del espacio que habita. Me veo a mí mismo, al arte, a la exposición y al espacio como cuatro cosas separadas, sin conexión inherente. Entro en un espacio donde el arte está en exhibición, miro el arte, pienso en lo que estoy mirando, luego más tarde, a medida que pasa el tiempo, la obra puede o no resonar conmigo de varias maneras. Por supuesto, ha habido algunas instancias en las que la obra me ha hecho no verla de esa manera, como en un Skyspace de James Turrell, en el que el espacio es el arte. Pero en su mayor parte, casi siempre veo las exposiciones de arte como oportunidades para ir a algún lugar y mirar algo. Lo que sucedió con el trabajo de James Gibson, sin embargo, es que provocó un tipo diferente de relación en mí. No estaba dispuesto a aceptar la limitación de ser solo cosas en un espacio que se miran y se piensan. Por el poder de su presencia, me hizo saber que no estaba viendo el cuadro completo. Me hizo darme cuenta de que el arte no solo ocupa espacio: el espacio y el arte habitan el uno al otro. Y cuando una persona entra en esa relación, ocurre un evento en el que los tres—el arte, el espacio y la persona—se convierten en colaboradores iguales. No estoy hablando de nada espiritual o metafísico. Estoy diciendo que de la misma manera que una persona que se pone un uniforme militar "se convierte" en soldado, o una persona que se pone una vestimenta "se convierte" en ministro, cuando un espacio presenta una exposición de arte "se convierte" en algo nuevo, algo más. Y cuando entramos en una relación con esta nueva cosa—esta combinación de arte y espacio—la habitamos de la misma manera que un sacerdote habita una vestimenta o un soldado habita un uniforme. Le damos vida. Le damos poder y sus privilegios. Es más de lo que de otro modo habría sido debido a nuestra presencia. Y depende de nosotros demostrar lo que significa.
Powwows y fiestas
Jeffrey Gibson nació en Colorado en 1972. Su herencia familiar es nativa americana, parte Cherokee y parte Choctaw. Debido a la línea de trabajo de su padre, Gibson viajó de joven, viviendo en diferentes momentos en Corea del Sur, Alemania, Inglaterra y varios lugares en los Estados Unidos. La mezcla de influencias culturales fue a veces iluminadora para él, y en otras ocasiones frustrante. Un ejemplo principal es su amor por la música y el baile. De joven, fue iniciado en la tradición nativa americana del powwow, una reunión social en la que se toca música y los trajes vibrantes cobran vida a través de los bailarines. Y como adolescente en Asia y Europa, pudo llevar ese mismo espíritu a su vida yendo a clubes con sus amigos para escuchar música y bailar. Pero cuando regresó a los Estados Unidos a los 16 años, fue empujado a una cultura en la que era demasiado joven para entrar en bares y clubes. Era una rareza cultural sutil, pero omnipresente. Se sentía atraído por la música y el baile, pero tenía pocas formas de expresar ese sentimiento de manera socialmente aceptable.
Una salida que encontró fue la escena de raves subterráneas, que sentía en muchos aspectos tenía el mismo tipo de espíritu que el powwow: era social, estaba construida en torno a la música, y la escena animaba a los individuos a manifestar su personalidad a través de adornos y disfraces, y a llamar la atención sobre sí mismos a través de la danza. Después de graduarse de la escuela secundaria, obtuvo su BFA del Art Institute of Chicago en 1995. Luego, después de ser admitido en el programa de Maestría en Bellas Artes en el Royal College of Art en Londres, se enteró por su Jefe que la Banda de Indios Choctaw de Mississippi estaba dispuesta a pagar su matrícula. Dijo Gibson en una entrevista de 2007 con ARTnews: “Mi jefe sentía que yo, al ir allí, siendo un artista fuerte, lo hacía más fuerte.” El trabajo que Gibson ha estado haciendo desde que obtuvo su MFA en 1998 y regresó a los Estados Unidos está informado por esa vasta y diversa gama de experiencias culturales que llenaron su crianza, especialmente un sentido de sus muchas comunidades, y una atracción por el legado de los powwows y raves: espacios que cobran vida cuando son habitados por personas y arte.
Jeffrey Gibson - Aquí viene, 2014, Medios Mixtos, Crédito de Foto Scott McCrossen/ FIVE65 Design
Luchando contra las Generalizaciones
El trabajo de Gibson incorpora muchos medios y formas, pero transmite un lenguaje estético unificador. Ese lenguaje está dominado por colores vívidos y puros, formas geométricas de bordes duros y patrones ópticos. La imaginería evoca inmediatamente tanto la abstracción modernista como la estética nativa americana. Lo que es tan efectivo acerca de esta combinación es que abre inmediatamente lo que ambas posiciones estéticas pueden ofrecer potencialmente. El arte abstracto modernista utiliza formas y patrones de una manera autorreferencial, llamando triángulos a los triángulos, y nada más, y pidiendo a los espectadores que disfruten de las relaciones de color por su propio mérito sin buscar ningún tipo de sentido de significado codificado y subyacente. Pero la tradición nativa americana está inherentemente codificada. Un triángulo nunca es solo un triángulo. Simboliza algo: quizás algo personal, quizás algo cultural, quizás algo poético. Pero, independientemente, tiene un significado para alguien. Debido a las tradiciones duales de las que emergen estas piezas, somos libres de interpretarlas abiertamente, añadiendo nuestras propias tradiciones, códigos y expectativas a la mezcla.
Una de las obras más icónicas que Gibson ha creado hasta ahora es una serie de sacos de boxeo adornados con coloridos trabajos de cuentas. Se encontró por primera vez con los sacos de boxeo cuando su terapeuta le sugirió que contratara a un entrenador personal para ayudarle con la ira que sentía como un joven artista que intentaba encontrar su voz y su camino en el mundo del arte contemporáneo. La forma del saco es en sí misma simbólica. Implica resistencia, aislamiento y la transferencia de energía. Los sacos de boxeo se mueven y se balancean. Ceden a la presión, pero siempre regresan a su posición original. Son suaves y duros al mismo tiempo. Gibson crea imágenes en ellos utilizando medios como cuentas y textiles en movimiento, que hablan de la comprensión preconcebida que las personas contemporáneas tienen del arte nativo americano. A veces también incluye texto en las composiciones, invitando a una contemplación más profunda de la imagen y la forma. Los sacos de boxeo están cubiertos con el lenguaje visual de la historia del arte, así como con el lenguaje codificado de la narrativa cultural y el lenguaje material de la generalización. Hablan de la lucha que todos experimentamos mientras tratamos de averiguar en qué nos vamos a convertir.
Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrílico y Grafito sobre Lienzo, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Izquierda) y Village, 2017, Acrílico y Grafito sobre Lienzo, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Derecha), créditos de foto De Buck Gallery
Formas habitantes
Lo que más me influye directamente cuando considero el trabajo de Jeffrey Gibson son sus trajes. Él crea trajes fluidos, coloridos y elaborados y los coloca sobre estructuras de madera. Inmediatamente imagino ponerme uno. Pienso en las formas en que el traje me transformaría si lo llevara. Luego pienso en la manera en que yo lo transformaría. Juntos nos convertiríamos en algo más expresivo de lo que cualquiera de nosotros es por sí solo. Las formas, colores y patrones del traje adquirirían un nuevo significado al combinarse con los movimientos de mi cuerpo. El objeto artístico y yo nos fusionaríamos para convertirnos en una forma viva de comunicación.
Algo sobre la forma en que estos trajes ilustran la fusión del arte, el espacio y el cuerpo humano me ha dado una nueva perspectiva, no solo sobre estas obras de arte, sino sobre todas las obras de arte. El espacio de la exposición es un contenedor de imágenes y objetos, al igual que estos trajes. Yo entro en él, como si me pusiera un traje en mi cuerpo. A medida que habito la exposición y me muevo dentro de ella, las imágenes y objetos en sus superficies cobran vida con mi movimiento. Tal vez suene cursi, pero ya no siento que solo soy un tipo que va a exposiciones de arte para mirar arte. Ahora me doy cuenta de que cada espacio que muestra arte es como uno de estos trajes que hace Jeffrey Gibson. Está esperando por nosotros, esperando nuestro aliento y nuestros cuerpos para que podamos llenarlo, animarlo, darle vida y otorgarnos mutuamente más significado del que cualquiera de nosotros podría haber tenido por su cuenta.
Jeffrey Gibson - Otra Lengua, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Izquierda) y Debería Saber Mejor, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Derecha), créditos de foto Roberts & Tilton, Culver City
Imagen destacada: Jeffrey Gibson - Muestreo Infinito, 2010, Lápiz, acuarela, pintura acrílica, cinta, hilo, impresiones de pigmento archivísticas, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 in, 148.9 × 244.8 × 7 cm
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
