"Odas colgantes a las formas naturales de Ruth Asawa"

Si alguna vez has estado en medio de una instalación de Ruth Asawa, entiendes que existe un arte fuera del arte; un arte forjado no a partir de la teoría, sino de la expresión directa, el instinto y la ingeniosidad. Asawa creó obras que capturaron la belleza etérea de la naturaleza. Ella dijo que se inspiraba en “ver la luz a través de las alas de los insectos, observar a las arañas reparar sus telarañas en la mañana temprano, y ver el sol a través de las gotas de agua suspendidas de las puntas de las agujas de pino mientras regaba mi jardín.” Tales fenómenos naturales tienen una existencia poética: están aquí, pero son efímeros. Asawa capturó esta paradoja en su cuerpo de trabajo más famoso: formas metálicas biomórficas colgantes, tejidas utilizando una técnica que Asawa aprendió de los fabricantes de cestas indígenas en México. Las formas encierran y definen el espacio, mientras permiten que el aire y la luz fluyan libremente a través de sus límites. Pueden ser vistas y tocadas, pero son en algunos aspectos tan insustanciales como las delicadas sombras que proyectan. No son naturales, pero adoptan el lenguaje visual y metafísico de la naturaleza. Respetan la naturaleza y aprenden de ella, convirtiéndolas en embajadoras esperanzadoras para nuestra generación. Durante su propia vida, Asawa fue frecuentemente menospreciada por críticos de arte misóginos que intentaron menospreciar sus formas tejidas, porque era mujer y hacía lo que a sus mentes superficiales les parecía objetos de artesanía. Asawa existió fuera del alcance de sus críticas mezquinas. Su trabajo no necesitaba validación oficial; solo necesitaba encontrar su audiencia. Eso finalmente está sucediendo ahora, seis años después de su muerte. La galería David Zwirner recientemente firmó para representar su patrimonio, un impulso que traerá la atención global que su trabajo merece. Quizás igualmente impactante, Asawa fue recientemente homenajeada en un doodle de Google para dar inicio al Mes de la Herencia de los Asiático-Americanos y de los Isleños del Pacífico en los Estados Unidos. El doodle mostraba cinco de sus esculturas metálicas biomórficas deletreando la palabra Google, con Asawa en el suelo tejiendo la pequeña g. Para una artista que dijo en 2002 que ya no era moderna porque no sabía nada sobre tecnología, el doodle de Google es un tributo extraño, pero uno que con suerte ayudará a iluminar a nuevos fans sobre el trabajo de una artista cuya comprensión de la naturaleza ofrece inspiración cuando más la necesitamos.

Sobreviviendo a la ignorancia

Nacida en 1926 en un pequeño pueblo agrícola de California, Asawa era solo una adolescente cuando se convirtió en una de las 120,000 japoneses americanos arrestados y enviados a campos de internamiento de forma forzada cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial. Fue encarcelada con cinco de sus seis hermanos y su madre. Su hermana menor, que estaba de visita en Japón cuando el resto de la familia fue detenida, se vio obligada a quedarse en Japón sola. Su padre, mientras tanto, un agricultor de 60 años, fue arrestado por el FBI y encarcelado en un campamento diferente, donde permaneció separado de su familia durante dos años. Sin embargo, milagrosamente, Asawa no guardó resentimiento más tarde en la vida por las dificultades que esta experiencia le infligió. Incluso atribuye a la experiencia el haber cambiado su vida, ya que fue en el campo de internamiento donde se dedicó a convertirse en artista.

Ruth Asawa - Sin título (S.069/90), 1990. Escultura, alambre de cobre. 30.5 × 34.3 × 33.0 cm (12.0 × 13.5 × 13.0 in). Michael Rosenfeld Gallery

Su perspectiva constructiva hacia esta difícil experiencia se extiende a su visión sobre toda la guerra. Después de dejar el campo, asistió al Milwaukee State Teachers College, pero no se le permitió enseñar en las escuelas públicas debido a su herencia japonesa. Ese racismo la llevó a inscribirse en el experimental Black Mountain College en Carolina del Norte. Black Mountain College fue donde muchos de los profesores de Bauhaus huyeron después de ser expulsados de Alemania por los nazis. Asawa se formó allí durante tres años, trabajando con las mentes más brillantes en arte, arquitectura, danza y música, en lo que ha sido descrito como una utopía artística. Sin embargo, Asawa fue rápida en señalar que sin la plaga de los nazis, tal escuela nunca habría existido en los Estados Unidos. Fue solo porque estos maestros fueron expulsados de su tierra natal que estaban dispuestos a trabajar por casi nada de dinero, cultivando la tierra y cocinando sus propias comidas. Al igual que con su propia experiencia en los campos de internamiento, vio a Black Mountain College como un ejemplo de las cosas asombrosas que pueden surgir de aprovechar al máximo cada oportunidad en la vida, incluso las dolorosas.

Ruth Asawa - Sin título (S.454/50), 1957. Escultura, alambre de cobre. 40.6 × 47.0 × 43.2 cm (16.0 × 18.5 × 17.0 in). Michael Rosenfeld Gallery

La dama de la fuente

Su perspectiva constructiva sobre la vida convirtió a Asawa en una artista excepcional, porque entendía la necesidad de que el arte tuviera valor para la humanidad. "El activismo es derrochador", dijo. "Es mejor trabajar en una idea y construir sobre eso que descomponer y protestar contra algo que existe." Una de las formas más impactantes que encontró para ser constructiva con su trabajo fue crear arte público. En su base adoptiva de San Francisco, era conocida como "La Dama de la Fuente", debido a las muchas fuentes que creó por toda la ciudad. Quizás la más famosa sea la fuente de la sirena que se encuentra en Ghirardelli Square, frente a la icónica Ghirardelli Chocolate Company. Sin embargo, la fuente por la que los lugareños más aman a Asawa se llama simplemente Fuente de San Francisco, y epitomiza su compromiso con la estética constructiva.

Ruth Asawa- Detalle de la fuente de San Francisco en Union Square.

La fuente está integrada en una escalera discreta que conduce a un pequeño parque cerca de Union Square. Para hacerla, Asawa trabajó con niños de toda la ciudad, invitándolos a crear modelos de arcilla que representaran sus aspectos favoritos de San Francisco. Después de que los niños hicieron los modelos, Asawa hizo fundir las formas de arcilla en bronce para formar el exterior en bajorelieve de la fuente. Dijo Asawa: “Cuando trabajo en grandes proyectos, como una fuente, me gusta incluir a personas que aún no han desarrollado su lado creativo — personas que anhelan dejar salir su creatividad.” La Fuente de San Francisco es algo que cualquiera podría encontrar. Es fácilmente comprensible y habla del hecho de que todos estamos en esto juntos. Aunque no se parece en nada al trabajo por el cual Asawa es más conocida, es quizás la expresión más perfecta de su arte: es una expresión estética directa y esperanzadora, guiada no por la teoría académica, sino por una comprensión de nuestra naturaleza: que todos estamos en esto juntos.

Imagen destacada: Ruth Asawa - Sin título (S.383, alambre atado montado en la pared, estrella de seis puntas con seis ramas), 1967. Escultura colgante—alambre de bronce. 46 x 46 x 6 pulgadas (116.8 x 116.8 x 15.2 cm). Exhibida en la Galería David Zwirner, 2017.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio