"Odas colgantes a las formas naturales de Ruth Asawa"

Si alguna vez has estado en medio de una instalación de Ruth Asawa, entiendes que existe un arte fuera del arte; un arte forjado no desde la teoría, sino desde la expresión directa, el instinto y la ingeniosidad. Asawa creó obras que capturaron la belleza etérea de la naturaleza. Ella decía que se inspiraba en “ver la luz a través de las alas de los insectos, observar a las arañas reparar sus telas en la madrugada, y ver el sol a través de las gotas de agua suspendidas en las puntas de las agujas de pino mientras regaba mi jardín.” Tales fenómenos naturales tienen una existencia poética: están aquí, pero son fugaces. Asawa capturó esta paradoja en su cuerpo de obra más famoso: formas colgantes, biomórficas, de metal tejidas usando una técnica que Asawa aprendió de los artesanos indígenas de cestas en México. Las formas encierran y definen el espacio, mientras permiten que el aire y la luz fluyan libremente a través de sus límites. Se pueden ver y tocar, pero en cierto modo son tan insustanciales como las delicadas sombras que proyectan. No son naturales, pero adoptan el lenguaje visual y metafísico de la naturaleza. Respetan la naturaleza y aprenden de ella, convirtiéndolas en embajadoras esperanzadoras para nuestra generación. Durante su vida, Asawa fue frecuentemente menospreciada por críticos de arte misóginos que intentaban disminuir sus formas tejidas, porque era una mujer haciendo lo que para sus mentes superficiales parecía artesanía. Asawa existió fuera del alcance de sus críticas mezquinas. Su obra no necesitaba validación oficial; solo necesitaba encontrar a su público. Eso finalmente está ocurriendo ahora, seis años después de su muerte. La galería David Zwirner recientemente firmó para representar su legado, un impulso que traerá a su obra la atención global que merece. Quizás igual de impactante, Asawa fue recientemente homenajeada en un doodle de Google para inaugurar el Mes de la Herencia Asiático-Americana y de las Islas del Pacífico en Estados Unidos. El doodle mostraba cinco de sus esculturas biomórficas de metal formando la palabra Google, con Asawa en el suelo tejiendo la pequeña g. Para una artista que dijo en 2002 que ya no era moderna porque no sabía nada de tecnología, el doodle de Google es un tributo sorprendente, pero que con suerte ayudará a iluminar a nuevos admiradores sobre la obra de una artista cuyo entendimiento de la naturaleza ofrece inspiración cuando más la necesitamos.

Sobreviviendo a la Ignorancia

Nacida en 1926 en un pequeño pueblo agrícola de California, Asawa era apenas una adolescente cuando se convirtió en una de las 120,000 japoneses americanos arrestados y enviados forzosamente a campos de internamiento cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial. Fue encarcelada junto con cinco de sus seis hermanos y su madre. Su hermana menor, que casualmente estaba de visita en Japón cuando el resto de la familia fue detenida, se vio obligada a quedarse sola en Japón. Su padre, mientras tanto —un agricultor de 60 años— fue arrestado por el FBI y encarcelado en un campo diferente, donde permaneció separado de su familia durante dos años. Milagrosamente, sin embargo, Asawa no guardó resentimiento más adelante en la vida por las dificultades que esta experiencia le infligió. Incluso atribuye a esta experiencia el cambio en su vida, ya que fue en el campo de internamiento donde se dedicó a convertirse en artista.

Ruth Asawa - Sin título (S.069/90), 1990. Escultura, alambre de cobre. 30.5 × 34.3 × 33.0 cm (12.0 × 13.5 × 13.0 in). Galería Michael Rosenfeld

Su actitud constructiva frente a esta difícil experiencia se extiende a su visión de toda la guerra. Tras salir del campo, asistió al Colegio Estatal de Maestros de Milwaukee, pero no se le permitió enseñar en las escuelas públicas debido a su ascendencia japonesa. Ese racismo la impulsó a inscribirse en el experimental Black Mountain College en Carolina del Norte. Black Mountain College fue donde muchos de los maestros de la Bauhaus huyeron tras ser expulsados de Alemania por los nazis. Asawa se formó allí durante tres años, trabajando con las mentes más brillantes en arte, arquitectura, danza y música, en lo que ha sido descrito como una utopía artística. Sin embargo, Asawa fue rápida en señalar que sin la plaga nazi, tal escuela nunca habría existido en Estados Unidos. Fue solo porque estos maestros fueron expulsados de su tierra natal que estuvieron dispuestos a trabajar casi sin paga, cultivando la tierra y cocinando sus propias comidas. Como con su propia experiencia en los campos de internamiento, vio Black Mountain College como un ejemplo de las cosas asombrosas que pueden surgir al aprovechar al máximo cada oportunidad en la vida, incluso las dolorosas.

Ruth Asawa - Sin título (S.454/50), 1957. Escultura, alambre de cobre. 40.6 × 47.0 × 43.2 cm (16.0 × 18.5 × 17.0 in). Galería Michael Rosenfeld

La Dama de la Fuente

Su actitud constructiva hacia la vida hizo de Asawa una artista excepcional, porque comprendía la necesidad de que el arte tenga valor para la humanidad. “El activismo es un desperdicio,” dijo. “Es mejor trabajar en una idea y desarrollarla que destruir y protestar contra algo que ya existe.” Una de las formas más impactantes que encontró para ser constructiva con su obra fue crear arte público. En su ciudad adoptiva, San Francisco, era conocida como “La Dama de la Fuente,” por las muchas fuentes que creó por toda la ciudad. Quizás la más famosa es la fuente de la sirena que se encuentra en Ghirardelli Square, frente a la icónica Compañía de Chocolates Ghirardelli. Sin embargo, la fuente por la que los locales más aman a Asawa se llama simplemente Fuente de San Francisco, y ejemplifica su compromiso con la estética constructiva.

Ruth Asawa - Detalle de la fuente de San Francisco en Union Square.

La fuente está integrada en una escalera discreta que conduce a un pequeño parque cerca de Union Square. Para hacerla, Asawa trabajó con niños de toda la ciudad, invitándolos a crear modelos de arcilla que representaran sus aspectos favoritos de San Francisco. Después de que los niños hicieron los modelos, Asawa mandó fundir las formas de arcilla en bronce para formar el relieve bajo del exterior de la fuente. Asawa dijo: “Cuando trabajo en proyectos grandes, como una fuente, me gusta incluir a personas que aún no han desarrollado su lado creativo — personas que anhelan dejar salir su creatividad.” La Fuente de San Francisco es algo que cualquiera puede encontrar por casualidad. Es fácilmente entendible y habla del hecho de que todos estamos juntos en esto. Aunque no se parece en nada a la obra por la que Asawa es más conocida, es quizás la expresión más perfecta de su arte: es una expresión estética directa y esperanzadora, guiada no por la teoría académica, sino por una comprensión de nuestra naturaleza — que todos estamos juntos en esto.

Imagen destacada: Ruth Asawa - Sin título (S.383, Alambre atado montado en pared, estrella de seis puntas con seis ramas), 1967. Escultura colgante—alambre de bronce. 46 x 46 x 6 pulgadas (116.8 x 116.8 x 15.2 cm). Exhibida en la Galería David Zwirner, 2017.
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio