6 Ejemplos de Arte Abstracto Público al Borde de lo Representacional
A veces, la gente abraza el arte público abstracto, y otras veces, definitivamente no. Algunas obras públicas abstractas se convierten en partes queridas del paisaje público; otras son malinterpretadas o incluso odiadas por quienes conviven con ellas a diario. De cualquier manera, lo que suele suceder es que, para comprender por qué y cómo una nueva obra pública abstracta ha ocupado su entorno, el público crea una narrativa personalizada sobre qué es la obra, qué representa o qué significa. Algunas de las obras públicas abstractas más exitosas se interpretan fácilmente en términos representativos, ofreciendo a los espectadores la opción de relacionarse con ellas en varios niveles diferentes. Aquí hay seis obras famosas de arte público que son queridas por las comunidades donde residen y que existen en el límite entre ser consideradas representativas y abstractas.
Isamu Noguchi - Cubo Rojo (Nueva York)
Ubicado en el 140 de Broadway en la ciudad de Nueva York, “Cubo Rojo” (1968) de Isamu Noguchi no es en realidad un cubo perfecto. La forma de acero pintado de rojo está ligeramente distorsionada, como si hubiera sido estirada. A través de su centro hay un túnel circular hueco. La pieza es fácil de relacionar en términos figurativos, ya que un cubo es una forma geométrica muy común. Sin embargo, también hay muchos elementos abstractos y simbólicos en la obra. Abstractamente, contradice su entorno, ya que las líneas de todas las estructuras circundantes son verticales y horizontales, mientras que cada borde del “Cubo Rojo” es diagonal. El agujero circular desafía el voyeurismo de las innumerables ventanas circundantes, ofreciendo un ojo de cerradura a través del cual se puede ver el edificio vecino. Simbólicamente, Noguchi dijo: “El cubo significa azar, como el lanzamiento de dados”, una referencia a la cercana Wall Street. El artista también señaló que la forma se relaciona con bloques “hechos por el hombre”, mientras que el agujero circular se relaciona con la “radiación solar”.
Isamu Noguchi - Cubo Rojo, Broadway, Manhattan, Nueva York. Créditos fotográficos Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Pirámide de Cuatro Lados (Washington)
Ubicada en el Jardín de Esculturas de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C., “Pirámide de Cuatro Lados” (1999) es típica de muchas obras de LeWitt, ya que la “estructura”, como él la llamaba, fue diseñada pero no construida por él. Un equipo de canteros e ingenieros la construyó basándose en sus instrucciones detalladas. Simbólicamente, LeWitt ha dicho que la forma hace referencia a los rascacielos “retrocedidos”, una tendencia arquitectónica común a mediados del siglo XX que imita la forma de la pirámide. Figurativamente, cualquiera podría mirar esta obra y asumir que hace referencia a las pirámides egipcias. Abstractamente, es profundamente conceptual, ya que LeWitt pretendía que pudiera ser recreada en cualquier momento, en cualquier lugar, por cualquier persona. En un sentido formal abstracto, la obra ofrece un juego interminable de líneas, formas, patrones y figuras, a medida que la luz natural cambiante interactúa con las innumerables superficies de concreto y mortero.
Sol LeWitt - Pirámide de Cuatro Lados. primera instalación 1997, fabricada en 1999 con bloques de concreto y mortero. dimensiones totales: 458.2 x 1012.2 x 970.9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 pulg.). Donación de la familia Donald Fisher 1998.149.1. En exhibición: Jardín de Esculturas. © Galería Nacional de Arte
Henry Moore - Grandes Dos Formas (Toronto)
Originalmente instalada en 1973 en la acera frente a la Galería de Arte de Ontario, “Grandes Dos Formas” de Henry Moore ahora reside en un espacio abierto cercano llamado Parque Grange. Las dos formas de bronce ejemplifican el interés de Moore en la abstracción biomórfica. Evocan referencias a huesos, así como a un par de cuerpos humanos interactuando en el espacio. También se asemejan a formas naturales de roca que podrían haber sido talladas por la erosión. Cuando esta pieza fue trasladada a su nueva ubicación, sus cualidades abstractas cambiaron significativamente, ya que por primera vez se podía ver desde 360 grados. Ya no flanqueada por un edificio alto, pudo expresar sus cualidades orgánicas naturales más plenamente. Rodeada de césped y árboles, se parece mucho menos a dos formas humanas y mucho más invita a una interpretación puramente abstracta.
Henry Moore - Grandes Dos Formas. Galería de Arte de Ontario. Créditos fotográficos M. Readey
Anish Kapoor - Puerta de Nube (Chicago)
Uno de los ejemplos más evidentes de una escultura pública abstracta a la que el público asigna una interpretación representativa es “Puerta de Nube” (2006) de Anish Kapoor. Instalado en el Parque del Milenio en Chicago, la escultura de acero inoxidable de 33 pies de altura fue inspirada por las cualidades visuales del mercurio líquido. Sus tendencias abstractas incluyen su presencia biomórfica en medio de una jungla imponente de estructuras geométricas manufacturadas, así como su capacidad para distorsionar los reflejos que ofrece del cielo, la ciudad y los transeúntes. A pesar de estos aspectos, la gente de Chicago le ha dado un nuevo nombre famoso, llamándola “El Frijol”, basado completamente en su forma de frijol.
Anish Kapoor - Puerta de Nube, 2006. Parque del Milenio, Chicago. Créditos fotográficos Nyx Ning
Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen - Aguja, Hilo y Knot (Milán)
Diseñada por Claes Oldenburg y su esposa Coosje van Bruggen, “Aguja, Hilo y Knot” (2000) fue instalada en Milán, Italia, como parte de la renovación de una estación ferroviaria cercana. Sus colores hacen eco de los de la arquitectura circundante, y su imagen, dice Oldenburg, representa un tren atravesando un túnel. Esta escultura esencialmente figurativa ha experimentado la reacción opuesta a la de “Puerta de Nube” en Chicago. En lugar de responder a sus cualidades figurativas, los locales la admiran por la forma en que sus líneas, colores y formas se yuxtaponen con los elementos visuales de la arquitectura circundante. Su presencia resalta las cualidades visuales formales abstractas de todo el espacio público, dando a la calle, a los postes de luz y a los edificios circundantes un nuevo aire claramente no figurativo.
Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen - Aguja, Hilo y Knot, 2000. Milán, Italia. Acero inoxidable, plástico reforzado, gelcoat de poliéster, esmalte de poliuretano. 18 m × 20 m × 37.5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Créditos fotográficos MarkusMark
Alexander Calder - El Águila (Seattle)
Originalmente erigida en Fort Worth, Texas, “El Águila” (1974) de Alexander Calder claramente se asemeja a un ave de presa. La forma de acero pintado de rojo de 39 pies de altura parece tener dos patas, dos alas, una cola y un pico. Sin embargo, en su ubicación original frente a un rascacielos de vidrio, sus aspectos figurativos se perdieron. En medio del imponente fondo de acero y vidrio, su tono vívido, curvas biomórficas y múltiples planos dotaron a la pieza de dramáticas cualidades formales abstractas. Pero en la década de 1990, el edificio fue vendido y la escultura fue comprada por un grupo de inversionistas. Fue exhibida brevemente en el Museo de Arte de Filadelfia, antes de que los coleccionistas de arte del área de Seattle, Jon y Mary Shirley, la compraran para el Museo de Arte de Seattle. Ahora reside en el Parque de Esculturas Olímpico junto al océano, donde ha adquirido una presencia visual completamente diferente. Sin otras estructuras altas con las que competir, los aspectos representativos de “El Águila” salen inmediatamente a primer plano, especialmente considerando los miles de aves marinas residentes, cuyas formas gráciles y primordiales se reflejan tan bellamente en la obra.
Alexander Calder - El Águila, 1971. 11.81 m × 9.8 m × 9.91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Propietario: Museo de Arte de Seattle
Imagen destacada: Isamu Noguchi - Cubo Rojo, Broadway, Manhattan, Nueva York. Créditos fotográficos Ken Lund.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
