Los Años Geniales en LA y Las Primeras Obras de Judy Chicago

Judy Chicago es fácilmente una de las artistas más influyentes de hoy en día. Su instalación monumental “Dinner Party” (1974-79), parte ícono minimalista y parte obra maestra feminista, inspiró críticas y elogios simultáneos, y la estableció como una pionera cultural. Sin embargo, hay muchos que aún no están familiarizados con su trabajo temprano. Chicago ha sido un miembro tan vital y prolífico de la vanguardia desde la década de 1970 que muchas de sus obras experimentales de la década de 1960 nunca han sido vistas por los espectadores contemporáneos, incluidos muchos de sus mayores admiradores. Afortunadamente, este verano, en anticipación a una retrospectiva de Judy Chicago que se abrirá en diciembre en el Miami MOCA durante Art Basel Miami Beach, la Villa Arson en Niza, Francia, está organizando una innovadora exposición que tiene como objetivo devolver sus experimentaciones tempranas a la luz, para darles el respeto que merecen. Titulada Los Ángeles, los años cool / Judy Chicago, la exposición ofrece una mirada detallada e íntima a las muchas fases estéticas por las que pasó Chicago antes de la creación de “Dinner Party.” Muestra la increíble variedad de ideas que esta artista desarrolló durante esa década vital, y ofrece un vistazo a un genio innegable que estaba, y sigue estando, completamente dedicado a la apertura y el crecimiento.

El poder de un nombre

Judith Sylvia Cohen nació en Chicago, Illinois, en 1939. Su padre, Arthur Cohen, era un rabino liberal y de mente abierta que también inculcó en Judy y su hermano una apreciación por las artes y la música, así como una apreciación por la igualdad de género y el respeto por los derechos de los trabajadores. Judy solo tenía cinco años cuando comenzó a tomar clases en el Instituto de Arte de Chicago. Pero, lamentablemente, su padre murió cuando Judy tenía solo 13 años. Cinco años después, Judy dejó su ciudad natal y se mudó a California, donde se inscribió como estudiante de arte en UCLA. Allí, conoció a su primer esposo, Jerry Gerowitz, quien trágicamente murió solo cinco años después en un accidente automovilístico, dejando a Judy viuda a los 23 años. Junto con estas devastadoras pérdidas, de su padre y su primer esposo, Judy se encontró enfrentando la cruel e irónica noción de que los únicos nombres por los que había sido conocida pertenecían a hombres. A pesar de su amor por ellos, resentía el hecho de que nunca había tenido la oportunidad de elegir su propia identidad.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Pintura en spray sobre capó de Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Mientras trabajaba en su Maestría, Judy luchaba por entender cuál era su verdadera identidad y se preguntaba cómo debería llamarse. Alrededor de 1965, comenzó una serie de pinturas en capós de automóviles que involucraban simbología relacionada con los roles de género y la sexualidad. La superficie, mientras tanto, habla agonizantemente de las circunstancias en las que su amor había muerto recientemente. En 1967, se publicó un ensayo de Lucy Lippard y John Chandler titulado “La desmaterialización del arte”, que inspiró a Judy a contemplar el verdadero valor de los objetos concretos y, en ese sentido, las etiquetas materiales relacionadas con la identidad. Dio voz a sus ideas sobre el tema en 1969 con una serie de obras Atmosphere, en las que los fuegos artificiales creaban nubes de humo efímero. Para 1970, su trabajo la había ayudado a alcanzar un momento de resolución. Disolvió su yo pasado y emergió como una artista más segura y autoactualizada. En celebración, publicó un anuncio en Artforum y, al mismo tiempo, colgó una pancarta en una de sus exposiciones individuales, que decía: “Judy Gerowitz por la presente se despoja de todos los nombres impuestos sobre ella a través del dominio social masculino y elige su propio nombre, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Ventilador de la serie Fresno Fans, 1971. Laca acrílica pulverizada sobre acrílico, 152,4 x 304,8 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Todas las formas y colores

Junto a las obras muy personales que Judy Chicago creó durante la década de 1960, también realizó varios cuerpos de trabajo que abordaron los temas más académicos que estaban surgiendo en el mundo del arte en ese momento. La exposición actual en Villa Arson en Niza reconstruye varias de esas piezas innovadoras. Una es “Feather Room” (1967), un espacio de galería en forma de cubo blanco lleno hasta las rodillas de plumas. Otra, titulada “Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), ofrece una perspectiva lúdica y basada en el juego sobre Minimalismo, contrarrestando el punto de vista estoico y dominado por hombres de artistas como Donald Judd con algo fluido, creativo y abierto. Ver estas obras juntas junto a sus piezas de capó de automóvil e imágenes de su serie Atmospheres ofrece una visión mucho más compleja de Chicago que la que la mayoría de las otras exposiciones han ofrecido en el pasado. Esta exposición retrata a una persona ingeniosa, inteligente y altamente conceptual que no tiene miedo de expresar tanto su lado intelectual como su lado poético y humano. Es un espectáculo rico en sentimientos y lleno de corazón, dándonos un vistazo simpático y bien equilibrado de Chicago que esta artista merece.

Judy Chicago - Bloques Arcoíris Reorganizables, 1965. Laca sobre aluminio, 12 elementos: 6 bloques de 30,5 x 30,5 x 121,9 cm y 6 bloques de 61 x 61 x 30,5 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Además, Géraldine Gourbe, la curadora de esta exposición, ha perseguido la idea innovadora de reimaginar cuáles son las limitaciones de una exposición en solitario. Llamando a este espectáculo “una exposición monográfica y colectiva”, la curó desde la perspectiva de que realmente no podemos apreciar completamente el trabajo que Chicago realizó durante este tiempo esencial en su vida sin ver también algunas obras importantes de varios contemporáneos que la influenciaron directamente. Me encanta esta idea, que una exposición en solitario también podría incluir solo una pequeña muestra de obras de otros artistas que inspiraron a la artista destacada a crear las obras que están en exhibición. En este caso, las otras obras en exhibición son de Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill y DeWain Valentine, cada uno un innovador en su propio derecho. Ayudan a demostrar que a pesar de pasar por circunstancias intensamente personales, Chicago no estaba trabajando ni pensando en un vacío. Además, no hacen nada para disminuir a Chicago, sino que de hecho elevan su genialidad al especificar exactamente cómo se destacó de los otros brillantes artistas de su generación, incluso mientras ayudaban a dar forma a su visión. Si estás en Francia este verano u otoño y te gustaría experimentar esta extraordinaria exposición por ti mismo, Los Ángeles, los años cool / Judy Chicago está en exhibición en Villa Arson Niza hasta el 4 de noviembre de 2018.

Imagen destacada: Judy Chicago - Modelo para Fresno Fan #6, 1971. Laca acrílica pulverizada sobre acrílico, dimensiones enmarcadas: 38,1 x 76,2 cm. Cortesía de la artista y Salon 94, Nueva York. ADAGP 2018

Por Phillip Barcio