Los Años Geniales en LA y Las Primeras Obras de Judy Chicago

Judy Chicago es sin duda una de las artistas más influyentes en la actualidad. Su monumental instalación “Dinner Party” (1974-79), parte icono minimalista y parte obra maestra feminista, inspiró críticas y elogios simultáneos, y la estableció como una pionera cultural. Sin embargo, hay muchos que aún desconocen su trabajo temprano. Chicago ha sido una miembro vital y prolífica de la vanguardia desde los años 70, tanto que muchas de sus obras experimentales de los años 60 nunca han sido vistas por el público contemporáneo, incluyendo a muchos de sus mayores admiradores. Afortunadamente, este verano, en anticipación a una retrospectiva de Judy Chicago que abrirá en diciembre en el MOCA de Miami durante Art Basel Miami Beach, la Villa Arson en Niza, Francia, acoge una exposición innovadora que busca devolver a la luz sus primeras experimentaciones, para darles el respeto que merecen. Titulada Los Ángeles, los años frescos / Judy Chicago, la exposición ofrece una mirada detallada e íntima a las muchas fases estéticas que Chicago atravesó antes de crear “Dinner Party.” Muestra la increíble variedad de ideas que esta artista desarrolló durante esa década vital, y ofrece un vistazo a un genio innegable que fue, y sigue siendo, completamente dedicado a la apertura y al crecimiento.

El poder de un nombre

Judith Sylvia Cohen nació en Chicago, Illinois, en 1939. Su padre, Arthur Cohen, fue un rabino liberal y de mente abierta que también inculcó tanto a Judy como a su hermano una apreciación por las artes y la música, así como un respeto por la igualdad de género y los derechos de los trabajadores. Judy tenía solo cinco años cuando comenzó a tomar clases en el Instituto de Arte de Chicago. Pero tristemente, su padre murió cuando Judy tenía apenas 13 años. Cinco años después, Judy dejó su ciudad natal y se mudó a California, donde se inscribió como estudiante de arte en UCLA. Allí conoció a su primer esposo, Jerry Gerowitz, quien trágicamente murió cinco años después en un accidente automovilístico, dejando a Judy viuda a los 23 años. Junto con estas pérdidas devastadoras, de su padre y su primer esposo, Judy se encontró enfrentando la cruel e irónica noción de que los únicos nombres por los que había sido conocida pertenecían a hombres. A pesar de su amor por ellos, resentía el hecho de que nunca había tenido la oportunidad de elegir su propia identidad.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Pintura en spray sobre capó de Corvair, 109 x 109 x 71,1 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Mientras trabajaba para obtener su título de maestría, Judy luchaba por entender cuál era su verdadera identidad y se preguntaba cómo debería llamarse. Alrededor de 1965, comenzó una serie de pinturas sobre capós de autos que involucraban simbología relacionada con los roles de género y la sexualidad. La superficie, mientras tanto, habla dolorosamente de las circunstancias en las que su amor había muerto recientemente. En 1967, se publicó un ensayo de Lucy Lippard y John Chandler titulado “La desmaterialización del arte”, que inspiró a Judy a contemplar el verdadero valor de los objetos concretos y, por extensión, de las etiquetas materiales relacionadas con la identidad. Dio voz a sus ideas sobre el tema en 1969 con una serie de obras Atmosphere, en las que fuegos artificiales creaban nubes de humo efímero. Para 1970, su trabajo la había ayudado a alcanzar un momento de resolución. Disolvió su yo pasado y emergió como una artista más segura y realizada. En celebración, publicó un anuncio en Artforum y simultáneamente colgó una pancarta en una de sus exposiciones individuales que decía: “Judy Gerowitz por la presente se despoja de todos los nombres impuestos por la dominación social masculina y elige su propio nombre, Judy Chicago.”

Judy Chicago - Abanico vespertino de la serie Fresno Fans, 1971. Laca acrílica pulverizada sobre acrílico, 152,4 x 304,8 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Todas las formas y colores

Junto a las obras muy personales que Judy Chicago creó durante los años 60, también produjo varios conjuntos de obras que abordaban los temas más académicos que se estaban gestando en el mundo del arte en ese momento. La exposición actual en Villa Arson en Niza reconstruye varias de esas piezas innovadoras. Una es “Feather Room” (1967), un espacio de galería en forma de cubo blanco lleno hasta las rodillas de plumas. Otra, titulada “Rearrangeable Rainbow Blocks” (1965), ofrece una perspectiva lúdica y basada en el juego sobre el Minimalismo, contrarrestando el punto de vista estoico y dominado por hombres de artistas como Donald Judd con algo fluido, creativo y abierto. Ver estas obras junto a sus piezas de capós de autos e imágenes de su serie Atmospheres ofrece una visión mucho más compleja de Chicago que la mayoría de las otras exposiciones han ofrecido en el pasado. Esta muestra retrata a una persona ingeniosa, inteligente y altamente conceptual que no teme expresar tanto su lado intelectual como su lado poético y humano. Es una exposición rica en sentimiento y llena de corazón, que nos brinda una visión comprensiva y completa de Chicago que esta artista merece.

Judy Chicago - Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Laca sobre aluminio, 12 elementos: 6 bloques de 30,5 x 30,5 x 121,9 cm y 6 bloques de 61 x 61 x 30,5 cm. Cortesía de la artista y Salon 94 Gallery, Nueva York. ADAGP 2018

Además, Géraldine Gourbe, la curadora de esta exposición, ha seguido la idea innovadora de reimaginar cuáles son las limitaciones habituales de una exposición individual. Llamando a esta muestra “una exposición monográfica y colectiva,” la curó desde la perspectiva de que no podemos apreciar completamente el trabajo que Chicago realizó durante este tiempo esencial en su vida sin también ver algunas obras importantes de varios contemporáneos que la influenciaron directamente. Me encanta esta idea, que una muestra individual también pueda incluir una pequeña selección de obras de otros artistas que inspiraron a la artista destacada a crear las obras que se exhiben. En este caso, las otras obras en exhibición son de Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill y DeWain Valentine, cada uno un innovador a su manera. Ayudan a demostrar que, a pesar de atravesar circunstancias intensamente personales, Chicago no trabajaba ni pensaba en un vacío. Además, no disminuyen a Chicago, sino que elevan su genio al especificar exactamente cómo se distinguió de otros artistas brillantes de su generación, incluso cuando ellos ayudaron a moldear su visión. Si estás en Francia este verano o otoño y deseas experimentar esta extraordinaria exposición por ti mismo, Los Ángeles, los años frescos / Judy Chicago está en exhibición en Villa Arson Niza hasta el 4 de noviembre de 2018.

Imagen destacada: Judy Chicago - Modelo para Fresno Fan #6, 1971. Laca acrílica pulverizada sobre acrílico, dimensiones enmarcadas: 38,1 x 76,2 cm. Cortesía de la artista y Salon 94, Nueva York. ADAGP 2018

Por Phillip Barcio