Robert Morris - Un Artista y Escultor Como Ningún Otro

Robert Morris definió el arte al apenas definirlo en absoluto. Dijo: “El arte es principalmente una situación.” Reformulando eso en términos humanos, imagina que conoces a Morris en una fiesta y te lo presentan como “Robert Morris, Artista.” Tu reacción a esa presentación sería muy diferente que si te lo presentaran como, digamos, “Robert Morris, Científico,” o “Robert Morris, Fontanero.” Cada etiqueta tiene sus propias connotaciones. Cómo reaccionarías a cada una dependería de muchas cosas, como el tipo de fiesta que es, quiénes son los otros invitados y cuáles son tus propias suposiciones personales sobre artistas, científicos y fontaneros. Ahora aplica esa misma línea de pensamiento al arte. Por ejemplo, considera la icónica obra de Morris Untitled (Pink Felt) (1970). Esta pieza consiste básicamente en un montón de tiras de fieltro rosa arrojadas en un montón en el suelo. Si te encontraras con ella por primera vez, por supuesto comenzarías a interactuar con ella intelectualmente. Pero la dirección que tomaría tu intelecto sería muy diferente si te dijeran que el montón de fieltro es arte que si te dijeran que son restos de un proyecto de construcción. Como cualquier otra cosa en la vida, el arte no se define por su descripción física, sus cualidades formales, o incluso su fundamento conceptual. Las circunstancias son todo. Algo podría ser arte o podría no ser arte; todo depende de la situación.

¿Qué hace que el arte funcione?

Robert Morris comenzó su carrera universitaria como estudiante de ingeniería, por lo que quizás no sea una sorpresa que condujera su carrera artística demostrando una conciencia fundamental de los procesos subyacentes que hacen que las cosas funcionen. No solo había demostrado siempre un interés en los procesos que conducen a la creación de una obra de arte, sino que también había mostrado una fascinación continua por la pregunta subyacente de qué es una obra de arte en un sentido utilitario: cuál es su propósito, cuál es su significado y qué uso tiene para la humanidad. Como parte de su búsqueda para descubrir las respuestas a estas preguntas, exploró muchas formas diferentes de expresión artística. Además de la pintura, el dibujo y escultura, trabajó en los campos de la danza, la coreografía, el teatro y la música. Al principio de su carrera artística, se interesó por el papel que juega el movimiento en las artes escénicas y en las formas en que el movimiento también se relaciona con las artes plásticas. No solo llegó a ver los objetos estéticos como reliquias de gestos performativos, sino que también llegó a ver su forma final como irrelevante, ya que los procesos subyacentes de su creación eran la verdadera expresión de la chispa creativa.

Robert Morris - Sin título, 1974, fieltro gris oscuro, ojales de metal, 107 × 220 × 43 in, 271.8 × 558.8 × 109.2 cm, Galería Castelli, Nueva York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Dos obras tempranas que Morris creó en 1969 comunicaron claramente sus sentimientos sobre el proceso creativo. Una se llamaba Untitled (Scatter Piece), y la otra se llamaba Continuous Project Altered Daily. Ambas se exhibieron en el Leo Castelli Gallery Warehouse en la Calle 108 Oeste en la ciudad de Nueva York. Scatter Piece era exactamente lo que suena: un montón de objetos esparcidos en un espacio. La mitad de los objetos estaban hechos de fieltro suave, y la otra mitad estaban hechos de metal. Las dimensiones y la apariencia de los objetos fueron determinadas por una mezcla de aleatoriedad y elecciones arbitrarias. Mientras tanto, Continuous Project era una conglomeración de tierra y desechos adquiridos por la ciudad. Cada día, Morris entraba y hacía cambios en Continuous Project, añadiendo, restando o moviendo elementos. La apariencia o la disposición de los objetos era irrelevante. El objetivo de ambas obras era simplemente que las personas entraran y se movieran entre los diversos elementos, para que pudieran sentirse en presencia de las cosas y convertirse en parte de la situación.

Robert Morris - Sin título (Pieza de dispersión), 1968-69, fieltro, acero, plomo, zinc, cobre, aluminio, latón, dimensiones variables, vista de instalación en la Galería Leo Castelli, Nueva York. Foto Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Conciencia de los Objetos en el Espacio

Morris continuó explorando la noción de que las consideraciones formales son irrelevantes al crear obras para galerías y museos que utilizaban las formas geométricas más simples. Hizo grandes cubos, formas de "L", arcos cuadrados y cajas. Cada objeto estaba destinado únicamente a ser interactuado por personas en el espacio. Y además de hacer obras para galerías y museos, Morris también fue un pionero en el movimiento de Land Art. El Land Art es un arte que existe fuera y hace uso del entorno natural. Tiende a ser etéreo y no archivado en esencia. Morris utilizó el Land Art para eliminar una barrera entre las personas y los espacios designados para el llamado arte. Una de sus obras más monumentales de Land Art es The Observatory. Ubicada en Flevoland, Países Bajos, consiste en dos círculos de tierra concéntricos, sobre los cuales ahora crece hierba. Cuatro entradas en el círculo exterior se alinean con el amanecer en los equinoccios, haciendo que la obra sea una especie de Stonehenge moderno.

Robert Morris - Observatorio, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Una de las esculturas recientes más impactantes que hizo Morris es su Laberinto de Cristal, instalado permanentemente en los terrenos del Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City, Missouri (la ciudad donde nació). Visto desde arriba, el laberinto es un triángulo intersectado por un laberinto geométrico. Las personas entran en el laberinto y se abren camino a través de los senderos hasta que encuentran una salida. Las paredes tienen siete pies de altura y están hechas de vidrio de una pulgada de grosor. Es el vidrio más claro de la Tierra, por lo que mientras las personas caminan a través del laberinto, no pueden determinar cuántos paneles de vidrio hay entre ellas y el mundo exterior. La obra resume mucho de lo que representa Morris. Está hecha de formas geométricas simples, y sin embargo, proporciona una experiencia física profunda; su presencia está determinada por las circunstancias de su entorno; está intrínsecamente ligada a la naturaleza; es efímera, cambiando constantemente a medida que el mundo en constante cambio es visible dentro de ella; y lo más importante, su estatus como arte depende de su situación, una situación que nunca está completa hasta que uno de nosotros aparece para interactuar con ella y hacerla completa.

Robert Morris - Laberinto de vidrio, 2013, Vidrio, acero, bronce y piedra, 50 x 50 x 50 pies, 15.24 x 15.24 x 15.24 metros, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Imagen destacada: Robert Morris - Sin título (Fieltro rosa), 1970, Piezas de fieltro de varios tamaños, dimensiones generales variables, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York Colección Panza, 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio