La Vanguardia Eterna—6 Extraordinarias Artistas Abstractas de América Latina

A menudo hablo sobre la vanguardia en términos de sus fracasos, lo que significa que es un tema que anclo en el pasado, lleno de historias pasadas de cosas experimentales que los artistas una vez escribieron, una vez hicieron o una vez intentaron. Hoy, espero llamar la atención sobre seis artistas abstractas latinoamericanas que creo redefinen la vanguardia, no como algo arraigado en la historia, sino como algo perpetuamente fresco y indefinido. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sánchez, Mercedes Pardo y Noemi Escandell han sido en algún momento aclamadas como representantes de la vanguardia estética de su tiempo. Sin embargo, cada una de ellas también resiste ser enterrada bajo el paso del tiempo, porque la relevancia de sus ideas se extiende más allá de sus generaciones individuales. Sus obras permanecen tan frescas y curiosas hoy como siempre. Propongo que esto no solo se debe al trabajo en sí, sino también a cómo abordaron su práctica como artistas y docentes. La mayoría de los artistas de vanguardia se definen por la posición singular y vanguardista que crean para sí mismos, una posición que puede ser explicada o reforzada por la escritura, y luego demostrada a través de un lenguaje visual único, y luego canonizada como un movimiento. (Estoy pensando en Andy Warhol y el Pop Art, Picasso y el Cubismo, Mondrian y el Neoplasticismo, etc.) Las seis artistas abstractas latinoamericanas de las que escribo hoy escapan a este destino porque sus estrategias de representación estética no están fijas, ni en el tiempo (un momento cultural) ni en la teoría. En lugar de resaltar un conjunto particular de ideas, su trabajo explora lo que quizás nunca puede ser entendido, y mucho menos dicho: lo desconocido. Sus fluidas e indefinibles obras animan a los espectadores a examinar la oscuridad, en lugar de llamar la atención sobre lo que ha sido traído a la luz.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasil)

Lygia Clark se llamaba a sí misma "propositora". Percibía su arte como desconectado de la historia, atado en cambio al momento presente en constante cambio. Su obra no tiene un significado o propósito predeterminado más allá de aquel que le asigna cualquier espectador que interactúe con ella de manera personal. Se liberó de la historia del arte y aseguró su lugar en la vanguardia eterna, cuando dijo: "El objeto ya no está allí para expresar ningún concepto, sino para que el espectador pueda alcanzar, más profundamente, su propio ser."

Gego (1912 - 1994, Alemania/Venezuela)

Nacida y educada en Alemania, Gertrude Goldschmidt, también conocida como Gego, huyó a Caracas, Venezuela, en 1939, al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Fue allí, en América del Sur, donde descubrió su destino como artista. Aunque también pintó, dibujó y esculpió, Gego es más conocida por sus instalaciones en forma de red, que presentan redes de puntos y líneas que se fusionan en universos geométricos de planos imaginarios. Muchos escritores dicen que su obra trata sobre la línea, pero para mí se trata más de la búsqueda de expresar continuamente la acción acumulativa. Las multitudes de puntos y líneas en sus obras son proyecciones en el espacio y en el tiempo, atrayendo a los espectadores sin cesar hacia lo desconocido.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera vendió su primera pintura a los 89 años. A los 100 años, tuvo su primera retrospectiva en un museo, en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. Desde entonces, muchos críticos, curadores y comerciantes han intentado clasificarla en términos de varios movimientos históricos del arte, como el Minimalismo, la Abstracción Geométrica y el Arte Concreto. Sin embargo, lo que permite a Herrera resistir, y de hecho trascender, esas etiquetas, es su total dedicación a la visión personal. Una vez bromeó diciendo que no permitirá un libro de Picasso en su casa, porque mirar a Picasso es querer copiarlo. Su único objetivo, dice, es seguir su propio deseo de simplificación, o lo que ella llama “un proceso de quitar lo que no es esencial.” La tensión en su obra a menudo proviene de esa mirada a ese espacio donde confrontamos no lo que está allí, sino lo que falta.

Rondo (Azul y Amarillo), 1965 Acrílico sobre lienzo por Carmen Herrera, estadounidense, nacida en La Habana, Cuba, 1915. Fuente: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sánchez (n. 1926, Cuba)

Nacida en Cuba, Zilia Sánchez ha vivido y trabajado en Puerto Rico desde la década de 1970. Sus lienzos moldeados sobresalen de la pared, como si objetos—o fuerzas—intentaran romper a través de ellos. Este gesto poético resalta el misterio y alude a la sensación de que lo que es visible y aparentemente tan significativo en el momento presente está siendo simultáneamente alterado ante nuestros ojos. Esta obra es una representación icónica de la eterna vanguardia, ya que agita el hecho de que todo está siendo constantemente reconfigurado por lo que sea que esté en proceso de emerger.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Muchos artistas hablan de su trabajo en términos de investigaciones. Mercedes Pardo se destacó no por buscar, sino por crear encuentros personales para sus espectadores. Conocida por un cuerpo de pinturas abstractas geométricas y biomórficas en las que trabajó durante décadas a lo largo de su carrera, en realidad trabajó en una variedad de medios diferentes, incluyendo diseño de vestuario, ilustración de libros, collage y arte público a gran escala. Pardo consideraba que los encuentros personales con el arte eran lo opuesto a—o quizás el antídoto de—la cultura de consumo. Evitó la imposición de patrones, centrando en su lugar experiencias únicas del espectador con materia purificada.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amada por sus estudiantes y otros artistas, y temida por los autoritarios políticos, Noemi Escandell creía firmemente que los gestos políticos y artísticos son lo mismo. Ahora, después de su muerte, es conocida por las esculturas y dibujos abstractos y espaciales que comenzó a crear en la década de 1960, los cuales se relacionan visualmente con el Minimalismo. Sin embargo, Escandell abrazó una increíble variedad de estrategias visuales a lo largo de su carrera para representar su idea central, que era la libertad. Quizás su invención más poderosa fue lo que ella llamó “mano a manos”—obras de arte que deben ser pasadas entre los espectadores en una exposición antes de ser colgadas en la pared. Su trabajo se basaba en la belleza de lo desconocido, y exaltaba la conexión íntima que debe existir entre las personas y el arte para que ambos alcancen su máximo potencial.

Imagen destacada: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminio. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 in (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio