La Vanguardia Eterna—6 Extraordinarias Artistas Abstractas de América Latina

A menudo hablo de la vanguardia en términos de sus fracasos, es decir, es un tema que anclo en el pasado, lleno de historias pasadas de cosas experimentales que los artistas alguna vez escribieron, alguna vez hicieron o alguna vez intentaron. Hoy, espero llamar la atención sobre seis artistas abstractas latinoamericanas que creo redefinen la vanguardia, no como algo basado en la historia, sino como algo perpetuamente fresco e indefinido. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sánchez, Mercedes Pardo y Noemí Escandell han sido en algún momento consideradas representantes de la vanguardia estética de su tiempo. Sin embargo, cada una también resiste ser sepultada bajo el paso del tiempo, porque la relevancia de sus ideas se extiende más allá de sus generaciones individuales. Sus obras permanecen tan frescas y curiosas hoy como siempre. Propongo que esto no es solo por la obra en sí, sino también por cómo abordaron su práctica como artistas y maestras. La mayoría de los artistas vanguardistas se definen por la posición singular y vanguardista que crean para sí mismos, una posición que puede ser explicada o reforzada por la escritura, y luego demostrada a través de un lenguaje visual único, y luego canonizada como un movimiento. (Pienso en Andy Warhol y el Arte Pop, Picasso y el Cubismo, Mondrian y el Neoplasticismo, etc.) Las seis artistas abstractas latinoamericanas sobre las que escribo hoy escapan a este destino porque sus estrategias de representación estética no están fijas, ni en el tiempo (un momento cultural) ni en la teoría. En lugar de destacar un conjunto particular de ideas, su trabajo explora lo que quizás nunca puede ser comprendido, y mucho menos dicho: lo desconocido. Sus obras fluidas e indefinibles animan a los espectadores a examinar la oscuridad, en lugar de llamar la atención sobre lo que ha sido iluminado.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasil)

Lygia Clark se llamaba a sí misma una “proponente.” Percibía su arte como desconectado de la historia, unido en cambio al momento presente siempre cambiante. Su obra no tiene un significado o propósito predeterminado más allá del que le asigna cualquier espectador que interactúe con ella de manera personal. Se liberó de la historia del arte y aseguró su lugar en la vanguardia eterna cuando dijo: “El objeto ya no está ahí para expresar ningún concepto, sino para que el espectador pueda alcanzar, más profundamente, su propio ser.”

Gego (1912 - 1994, Alemania/Venezuela)

Nacida y educada en Alemania, Gertrude Goldschmidt, también conocida como Gego, huyó a Caracas, Venezuela, en 1939, al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Fue allí, en Sudamérica, donde descubrió su destino como artista. Aunque también pintó, dibujó y esculpió, Gego es más conocida por sus instalaciones en forma de red, que presentan redes de puntos y líneas que se unen en universos geométricos de planos imaginarios. Muchos escritores dicen que su obra trata sobre la línea, pero para mí es más sobre la búsqueda de expresar continuamente la acción acumulativa. Las multitudes de puntos y líneas en sus obras son proyecciones en el espacio y en el tiempo, atrayendo a los espectadores sin cesar hacia lo desconocido.

Carmen Herrera (n. 1915, Cuba)

Carmen Herrera vendió su primera pintura a los 89 años. A los 100, tuvo su primera retrospectiva en un museo, en el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York. Muchos críticos, curadores y comerciantes han intentado desde entonces clasificarla en términos de varios movimientos históricos del arte, como el Minimalismo, la Abstracción Geométrica y el Arte Concreto. Sin embargo, lo que permite a Herrera resistir, y de hecho trascender, esas etiquetas, es su total dedicación a la visión personal. Una vez bromeó que no permitiría un libro sobre Picasso en su casa, porque mirar a Picasso es querer copiarlo. Su único objetivo, dice, es seguir su propio deseo de simplificación, o lo que llama “un proceso de quitar lo que no es esencial.” La tensión en su obra a menudo proviene de ese vistazo a ese espacio donde no confrontamos lo que está, sino lo que falta.

Rondo (Azul y Amarillo), 1965 Acrílico sobre lienzo por Carmen Herrera, estadounidense, nacida en La Habana, Cuba, 1915. Fuente: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sánchez (n. 1926, Cuba)

Nacida en Cuba, Zilia Sánchez ha vivido y trabajado en Puerto Rico desde la década de 1970. Sus lienzos con formas sobresalen de la pared, como objetos—o fuerzas—que parecen intentar romper desde atrás. Este gesto poético destaca el misterio y alude a la sensación de que lo visible y aparentemente tan importante en el momento presente se está alterando simultáneamente ante nuestros ojos. Esta obra es una representación icónica de la vanguardia eterna, ya que agita el hecho de que todo está siendo constantemente reconfigurado por lo que está en proceso de emerger.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Muchas artistas hablan de su obra en términos de investigaciones. Mercedes Pardo se distinguió no por buscar, sino por crear encuentros personales para sus espectadores. Conocida por un conjunto de pinturas abstractas geométricas y biomórficas en las que trabajó durante décadas a lo largo de su carrera, en realidad trabajó en una variedad de medios diferentes, incluyendo diseño de vestuario, ilustración de libros, collage y arte público a gran escala. Pardo consideraba que los encuentros personales con el arte eran lo opuesto a—o quizás el antídoto contra—la cultura consumista. Evitaba la imposición de patrones, centrando en cambio experiencias únicas del espectador con materia purificada.

Noemí Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Amada por sus estudiantes y otras artistas, y temida por autoritarios políticos, Noemí Escandell creía firmemente que los gestos políticos y artísticos son uno y lo mismo. Es conocida ahora, tras su muerte, por las esculturas y dibujos abstractos espaciales que comenzó a crear en la década de 1960, que se relacionan visualmente con el Minimalismo. Sin embargo, Escandell abrazó una increíble variedad de estrategias visuales a lo largo de su carrera para representar su idea central, que era la libertad. Quizás su invención más poderosa fue lo que llamó “mano a mano”—obras que deben ser pasadas entre los espectadores en una exposición antes de ser colgadas en la pared. Su obra se basaba en la belleza de lo desconocido y exaltaba la conexión íntima que debe existir entre las personas y el arte para que ambos alcancen su máximo potencial.

Imagen destacada: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminio. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 pulg.). Bergamin & Gomide, São Paulo
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio