Dibujando Líneas en el Espacio - El Arte de Gego

Gego, también conocida como Gertrud Goldschmidt, es una de esas raras artistas que dedicó todas sus energías a explorar el potencial expresivo de un solo elemento estético. En su caso, el elemento era la línea. Como dibujante entrenada, Gego estaba arraigada en los fundamentos. Comprendía la naturaleza arquitectónica del dibujo y entendía que lo que mantiene unida cada construcción es alguna combinación de planos y espacios abiertos. A lo largo de su carrera, Gego exploró ese concepto de innumerables maneras. Creó libros de litografías, presentando dibujos lineales que utilizan solo las marcas más simples para crear composiciones elaboradas que parecen contener volumen real. Creó esculturas que redefinieron la abstracción geométrica utilizando solo líneas y espacio, y eventualmente expandió su obra a una escala monumental, llenando habitaciones enteras con instalaciones lineales tejidas a mano, increíblemente complejas, que desafían los límites entre los espectadores y el arte. Es tentador definir a Gego como una artista bidimensional o tridimensional, ya que sus obras pueden categorizarse como dibujos o esculturas. Pero una mejor descripción de su trabajo es que trascendió tales descripciones y, en última instancia, creó experiencias que sugerían la existencia de dimensiones completamente nuevas más allá del ámbito físico directo.

Universalidades Internas

Gego nació en Hamburgo, Alemania, en 1912. A los 20 años se mudó a través del país para asistir a la Universidad de Stuttgart. Se destacó en sus clases, pero rápidamente, y sin culpa de su parte, su carrera académica se volvió difícil. Hitler llegó al poder en 1934. Al año siguiente, a pesar de ser ciudadana natural, Gego descubrió que su ciudadanía alemana había sido revocada porque su familia era judía. No obstante, permaneció en el país y continuó con su educación durante varios años más. En 1938, Gego se graduó con no uno, sino dos títulos: uno en arquitectura y otro en ingeniería. Pero tan pronto como se graduó, dejó Alemania para siempre.

Ella huyó a Venezuela, donde comenzó una nueva vida como arquitecta, tomando trabajos independientes diseñando casas y negocios, e incluso operando un negocio de diseño de muebles durante varios años. Tuvo éxito en su trabajo, pero gradualmente se volvió menos interesada en los aspectos funcionales y utilitarios de este y más interesada en sus elementos más introspectivos. Quizás influenciada por lo que había presenciado en Alemania, o por sus experiencias como refugiada, Gego se dedicó a explorar las universalidades que podía expresar a través de su trabajo. En resumen, se convirtió en una artista. Como expresó más tarde: “El arte está firmemente arraigado en valores espirituales. El creador está involucrado en un proceso continuo de descubrimiento—no de sí mismo, sino de las raíces del universo que ha podido descubrir dentro de sí mismo.”

Gego - Sin título (73/14) y Sin título (73/16), © 2019 Fundación Gego

Líneas de conexión

Fue a principios de la década de 1950 cuando Gego abandonó oficialmente sus carreras en arquitectura y diseño para dedicarse a tiempo completo al arte. Rápidamente se sintió atraída por la abstracción, que en ese momento comenzaba a estar de moda en la cultura venezolana en rápida modernización. Aisló el elemento estético fundamental que creía que expresaba las universalidades que había descubierto dentro de sí misma: el elemento de la línea. Una de sus primeras esculturas titulada Esfera expresa elegantemente su deseo fundamental de explorar el carácter de las líneas. La obra consiste en una conglomeración de varillas horizontales, verticales y diagonales que crean no tanto una esfera real, sino más bien una presencia esférica. El objeto no contiene nada, y sin embargo, adquiere una presencia de tener volumen, especialmente cuando uno se mueve a su alrededor, ya que los elementos lineales que se intersectan colaboran para crear la ilusión de un orbe giratorio.

Otro objeto que Gego creó ese mismo año, llamado Gegofón, utiliza la misma técnica de fabricación de volumen con líneas. Esta vez crea la ilusión de un cubo inclinado de lado, en forma de diamante. Aún más que Esfera, esta pieza se vuelve desorientadora cuando uno intenta entender la naturaleza exacta y la construcción de la obra, especialmente al moverse alrededor de la pieza, ya que las líneas que se intersectan hacen que parezca que hay más aletas triangulares de las que realmente hay. Ese efecto cinético desorientador se magnifica además gracias a los patrones creados en el suelo por las sombras.

Gego - Esfera, 1959, Latón y acero soldados, pintados (izquierda) y Gegofón, 1959, Latón y acero soldados, pintados (derecha), © 2019 Fundación Gego

Habitar el espacio

Sin embargo, sintiéndose limitada por las estrictas cualidades geométricas de sus primeras esculturas, Gego comenzó a explorar nuevas formas más personales de utilizar líneas para crear esculturas. Amplió su gama de materiales y se liberó de formas geométricas preexistentes. En su serie Chorros creó esculturas de alambre altas, delgadas y con un aspecto casi figurativo. La palabra chorros en español sugiere algo como un fuerte chorro, como un chorro de agua. Cuando se exhibieron por primera vez, en la Galería Betty Parsons en Nueva York, estas esculturas adquirieron la presencia de cascadas.

Estas esculturas de alambre más libres inspiraron a Gego a pensar en la noción de que estaba dibujando, pero en lugar de dibujar sobre una superficie, estaba dibujando en el espacio. Así comenzó una serie de obras tituladas Dibujo sin papel, o Drawing Without Paper. Algunas de estas obras de arte mantienen una sensatez ordenada, y otras se liberan, pareciendo garabatos en el espacio. Todas ellas, cuando se exhiben en una iluminación dura, adquieren nuevas relaciones con otras superficies y espacios circundantes basadas en las sombras que crean.

Gego - Chorros, 1971, Escultura de alambre, como se ve en la Galería Betty Parsons (izquierda), y Dibujo sin papel 77/20, 1977, Hierro, acero inoxidable, esmalte y tubos metálicos pequeños (derecha), © 2019 Fundación Gego

Estabilidad y Evanescencia

Las sombras creadas por sus obras inspiraron a Gego a pensar más sobre los aspectos metafísicos de cómo los objetos estéticos ocupan el espacio. Se dio cuenta de que la presencia de un objeto se define por más que solo características físicas. Los objetos tienen personalidades. Afectan el espacio vacío que los rodea tanto como afectan el espacio que realmente ocupan, ya sea proyectando sombras o insinuando su presencia en el espacio vacío cercano. Esta idea se manifestó de manera más dramática en las instalaciones monumentales que Gego creó, como Reticulárea (ambientación), que se muestra a continuación tal como se exhibió en el Museo de Bellas Artes, Caracas, en 1969.

En esta instalación, las líneas en sí mismas presentan una sensación de estabilidad. Son tangibles y ocupan espacio. Pero las sombras juegan un papel igual en la experiencia visual general, y como tal, son igualmente tangibles desde un punto de vista estético. También es igualmente importante el espacio vacío entre las líneas, que permite que el ojo encuentre todos los demás elementos de la obra simultáneamente. Pero las sombras y los espacios vacíos están en un estado de constante precariedad. Representan la evanescencia, o la sensación de que algo está en un estado de aparición y desaparición simultáneas. La obra en sí ocupa muy poco espacio en la habitación. Pero el carácter, o la personalidad de la obra, llena cada pulgada del espacio.

Gego - Reticulárea (ambientación), 1969, © 2019 Fundación Gego

Transcendiendo la Geometría y la Cinética

Los movimientos de arte abstracto más dominantes en Venezuela cuando Gego ingresó por primera vez al mundo del arte fueron Abstracción Geométrica y Arte Cinético. Es evidente que en las primeras etapas de su exploración artística, Gego fue fuertemente influenciada por ambas posiciones, pero es difícil categorizarla como parte de alguno de esos movimientos. Sus primeras esculturas definitivamente jugaban con formas geométricas. Y la cinética la afectó ya que explotó repetidamente la idea de movimiento, aunque no al adjuntar motores a sus obras, sino desde el punto de vista de los espectadores que realizaban el movimiento. Pero ninguno de esos movimientos le ofreció a Gego el rango completo de crecimiento que necesitaba en su trabajo. Ella estaba interesada en el descubrimiento, y sentía que la única forma verdadera de descubrir algo era hacer su trabajo personal.

También es difícil categorizar a Gego como una artista bidimensional o tridimensional. Sus obras en papel están entre las más fascinantes e intrincadas producidas por cualquier artista de su generación. Crean ilusiones, capturando el dinamismo de Bridget Riley o Jesús Rafael Soto y la delicadeza de Agnes Martin. Y, sin embargo, son tan simples: tan estrictamente dedicadas a explorar las potencialidades de la línea. Mientras tanto, sus piezas tridimensionales desafían la categorización. Habitan el espacio de tal manera que el espacio mismo se convierte en el sujeto de la obra. Y, sin embargo, la línea es claramente el sujeto. Por otro lado, parecen abrirse a la posibilidad de que ni la línea ni el espacio sean el verdadero sujeto. Tal vez el sujeto radique en algún otro aspecto de su presencia. Así que es difícil, al mirar su obra, encasillar a Gego fácilmente en cualquier categoría. Es mucho más preciso, y mucho más satisfactorio, colocarla en una categoría solo para ella.

Gego - dos dibujos sin título, © 2019 Fundacion Gego

Imagen destacada: Gego - Sin Titulo (detalle), 1961, Tinta sobre papel, © 2019 Fundación Gego
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio