Las características más importantes del arte cinético

¿Qué es el arte cinético? La definición más simple es: “arte que depende del movimiento para su efecto.” Pero eso es realmente insuficiente. Científicamente hablando, todo depende del movimiento para su efecto, ya que todo está en movimiento todo el tiempo, desde el objeto más grande hasta la partícula más pequeña del universo. Así que tal vez una mejor definición para el arte cinético sería algo así como: “cualquier creación estética intencionada que, para ser considerada completa, depende del movimiento físico diseñado y externo de una o más de sus partes en un grado que esté dentro del rango perceptible por los sentidos humanos.” Pero quizás incluso esa definición es incompleta. Tal vez, como con tantas otras cosas relacionadas con el arte, las definiciones simplemente nos fallan. Tal vez en lugar de definir el arte cinético con palabras deberíamos definirlo con ejemplos. Con eso en mente, aquí hay un breve, aunque incompleto, examen de la historia y los ejemplos más famosos del arte cinético.

Soplando en el Viento

Como con muchas tendencias estéticas, la cinética se manifestó en la cultura creativa prosaica mucho antes de aparecer en el arte fino. Probablemente el ejemplo más antiguo de cinética artística sería el carillón de viento, que se usaba al menos hace 5000 años en el sudeste asiático. Sí, sería fácil argumentar que los carillones de viento no son arte fino, pero también sería fácil argumentar que podrían serlo. Como mucho arte fino, insinúan lo sagrado, exploran la interconexión entre humanos y naturaleza, e inspiran estados trascendentes del ser. Y ciertamente encajan en la definición de fenómenos estéticos.

Si no aceptas los carillones de viento como el primer arte cinético, también podríamos recurrir a la cultura nórdica, que tiene una rica y antigua tradición de expresión cinética artística. Una escultura móvil colgante de un viaje ballenero en el Museo Zaans en los Países Bajos data de mucho antes de la Era Industrial. Y los Himmeli nórdicos parecen ser descendientes directos de los móviles modernos. Estas antiguas esculturas colgantes hechas a mano se originaron en territorios germánicos (himmel es una palabra germánica para cielo). Aunque no está claro cuál era el propósito original de los Himmeli, o cuánto tiempo han estado en uso, son cinéticos, estéticos y al menos preceden al Modernismo.

Una escultura cinética de ballena de siglos de antigüedad de la colección del Museo Zaans

El Primer Artista Cinético Modernista

Casi todos los historiadores del arte modernista dirían que el primer artista cinético moderno fue Marcel Duchamp, y la primera obra cinética que Duchamp hizo fue su Rueda de Bicicleta. Consistente en una rueda de bicicleta volteada e insertada en la parte superior de un taburete, esta obra también se considera el primer “ready-made.” Pero a veces, cuanto más aprendemos sobre un tema, menos claro se vuelve. El mismo Duchamp no consideraba esta escultura móvil como arte fino. Cuando le preguntaron sobre su creación dijo que solo la construyó porque, “disfrutaba mirarla. Así como disfruto mirar las llamas danzando en la chimenea.”

Si las intenciones del creador de un objeto son centrales para que ese objeto sea considerado arte fino, por la admisión de su creador Rueda de Bicicleta no califica. ¿Quién puede decir que los antiguos carillones de viento, los Himmeli nórdicos o una escultura móvil de un viaje ballenero holandés no deberían considerarse arte cinético? ¿Por qué deberían ser descartados como artesanías, juguetes, arte popular o mera decoración? Tal vez hay alguna pista en lo que dijo Duchamp sobre mirar las llamas en la chimenea que une la naturaleza de todos los fenómenos creativos, independientemente de su intención, como manifestaciones de algún impulso humano primordial.

Marcel Duchamp - Demiesfera rotatoria, 1924. Galería de Arte de la Universidad de Yale (Universidad de Yale), New Haven, CT, EE. UU. © Marcel Duchamp

El Movimiento del Movimiento

Lo que consideramos el movimiento moderno del arte cinético realmente comenzó en la década de 1920. Para que un movimiento artístico genere entusiasmo y gane credibilidad intelectual, ayuda que alguien lo nombre y defienda su posición por escrito. Los artistas constructivistas rusos Naum Gabo y Antoine Pevsner hicieron eso para el arte cinético en 1920. Gabo y Pevsner, que también eran hermanos, declararon en su Manifiesto Realista: “Repudiamos: el error milenario heredado del arte egipcio: los ritmos estáticos parecen ser los únicos elementos de la creación plástica. Proclamamos un nuevo elemento en las artes plásticas: los ritmos cinéticos, que son formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real.”

Un año antes de escribir ese manifiesto, Gabo, que también era ingeniero formado, creó lo que probablemente debería considerarse la primera escultura cinética intencionada. Llamó a la pieza Construcción Cinética. Consistía en una sola varilla de metal que sobresalía de una caja de madera. Cuando se activaba un interruptor, un motor mecánico vibraba la varilla. La pieza ganó el apodo de “onda estacionaria” por la forma en que imita una formación de onda cuando se activa. Además de esculturas móviles, Gabo también hizo esculturas estáticas que capturaban la estética del movimiento, un interés que persiguió a lo largo de su carrera.

Naum Gabo - Construcción Cinética (Onda Estacionaria), 1919. Metal, madera y motor eléctrico. 616 x 241 x 190 mm. Colección Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018

Movilidad Ascendente

Alrededor del mismo tiempo en que Gabo y Pevsner introducían la palabra cinético en la discusión del arte moderno, el artista estadounidense Dada Man Ray estaba creando su propia versión de la estética cinética. Como amigo y colega de Marcel Duchamp, Man Ray ciertamente conocía Rueda de Bicicleta, y probablemente también conocía Construcción Cinética. Lo que hizo diferente a sus esfuerzos de ambas obras es que, en lugar de utilizar motores o mecanismos como ruedas, Man Ray buscó capturar el movimiento orgánico en su arte.

Man Ray llegó a su solución para una escultura móvil orgánica en 1920 con una obra que llamó Obstrucción. Consistía en 36 perchas, cada una insertada a través de un agujero perforado en el extremo del brazo de otra, y todas colgando de una sola percha unida a un gancho en el techo. El elemento cinético de la obra se introduce cuando las perchas son perturbadas por el viento, temblores o contacto directo con un observador u objeto. Además de construir Obstrucción, Man Ray creó un diagrama con instrucciones sobre cómo podría replicarse, animando a cualquiera que intentara replicarla a ir más allá de lo que él había hecho y llevar la escultura “hasta el infinito.” Este diagrama recuerda a obras conceptuales posteriores de artistas como Sol LeWitt, quien creó instrucciones detalladas similares para replicar sus dibujos murales.

Man Ray - Obstrucción, 1920. 36 perchas interconectadas colgando del techo. © Man Ray

El Auge de las Máquinas

Aunque fueron innovadoras para su época, esculturas móviles como Obstrucción y Construcción Cinética parecen casi ingenuas en comparación con lo que pronto les siguió. A lo largo de la década de 1920, el artista nacido en Hungría László Moholy-Nagy trabajó en una escultura mecánica que, cuando terminó, llamó Prop de Luz para un Escenario Eléctrico, o el Modulador de Espacio Luminoso.

Esta creación fantástica consistía en motores eléctricos, paneles móviles y bombillas eléctricas de varios colores. Cuando se activaba, demostraba la interacción cinética de color, luz, movimiento y sonido. El Modulador de Espacio Luminoso no solo fue una obra seminal del movimiento de arte cinético; también fue el comienzo del movimiento de arte lumino-cinético, e introdujo el concepto de usar la luz eléctrica como un elemento de la escultura.

Laszlo Moholy-Nagy - Prop de Luz para un Escenario Eléctrico, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Movimiento de las Multitudes

Cuando muchas personas hoy piensan en arte cinético, visualizan los móviles caprichosos del artista estadounidense Alexander Calder. Muchos incluso consideran a Calder como el padre del arte cinético. Pero Calder ni siquiera comenzó a hacer sus móviles hasta 1931. Como podemos ver, hubo muchos otros antes que él que también buscaban escapar de los límites estáticos del arte plástico. De hecho, ni siquiera podemos hablar de Calder y sus móviles sin mencionar una vez más a Marcel Duchamp quien, mientras visitaba a Calder en su estudio, otorgó a estas creaciones cinéticas colgantes su nombre, móviles, una palabra que en francés puede significar tanto movimiento como motivo.

Pero Calder, sin embargo, popularizó ampliamente el arte cinético. Después de Calder, la tendencia ha continuado siendo explorada por generaciones de artistas inspirados por las fuerzas del movimiento. Bruno Munari abrió nuevos caminos en la estética cinética con sus Máquinas Inútiles. El escultor estadounidense George Rickey creó esculturas cinéticas públicas que responden a las corrientes de aire más leves o vibraciones. Y la artista contemporánea Emily Kennerk explora la cinética con proyectos como su mesa de comedor vibratoria activada por voz, que, al estilo de Homenaje a Nueva York del artista conceptual Jean Tinguely, usa fuerzas cinéticas para autodestruirse. Aunque tal vez no podamos definir con precisión qué es el arte cinético, al menos podemos señalar a estos artistas cinéticos y examinar su obra. En algún lugar dentro de sus esfuerzos comenzamos a ver qué es lo que del arte cinético captura nuestra imaginación. Incluso si no podemos describirlo, podemos disfrutar mirándolo, como dijo Duchamp, mientras “disfrutamos mirando las llamas danzando en la chimenea.”

Imagen destacada: Naum Gabo - Construcción Lineal No. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio