Las características más importantes del arte cinético

¿Qué es arte cinético? La definición más simple es: “arte que depende del movimiento para su efecto.” Pero eso es realmente inadecuado. Hablando científicamente, todo depende del movimiento para su efecto, ya que todo está en movimiento todo el tiempo, desde el objeto más grande hasta la partícula más pequeña del universo. Así que tal vez una mejor definición para el arte cinético sería algo como: “cualquier creación estética intencionada que, para ser considerada completa, depende del movimiento físico diseñado y externo de una o más de sus partes a un grado que está dentro del rango perceptible de los sentidos humanos.” Pero quizás incluso esa definición está incompleta. Tal vez, como con tantas otras cosas relacionadas con el arte, las definiciones simplemente nos fallan. Quizás en lugar de definir el arte cinético con palabras, deberíamos definirlo con ejemplos. Con eso en mente, aquí hay un breve examen, admitidamente incompleto, de la historia y los ejemplos más famosos del arte cinético.

Soplando en el viento

Al igual que con muchas tendencias estéticas, la cinética se manifestó en la cultura creativa prosaica mucho antes de aparecer en el arte fino. Probablemente el ejemplo más antiguo de cinética artística sería el carrillón de viento, que se utilizaba hace al menos 5000 años en toda el sudeste asiático. Sí, sería fácil argumentar que los carrillones de viento no son arte fino, pero también sería fácil argumentar que podrían serlo. Al igual que gran parte del arte fino, insinúan lo sagrado, exploran la interconexión entre los humanos y la naturaleza, y inspiran estados trascendentes de ser. Y ciertamente encajan en la definición de fenómenos estéticos.

Si no aceptas los móviles como el primer arte cinético, también podríamos recurrir a la cultura nórdica, que tiene una rica y antigua tradición de expresión artística cinética. Una escultura colgante en movimiento de un viaje de caza de ballenas en el Museo Zaans en los Países Bajos data de mucho antes de la Era Industrial. Y los Himmeli nórdicos parecen ser un descendiente directo de los móviles modernos. Estas antiguas esculturas colgantes, hechas a mano, se originaron en territorios germánicos (himmel es una palabra germánica para cielo). Aunque no está claro cuál era el propósito original de los Himmeli, o cuánto tiempo han estado en uso, son cinéticos, estéticos y al menos preceden al Modernismo.

Una escultura cinética de ballena de siglos de antigüedad de la colección del Museo Zaans

El Primer Artista Cinético Modernista

Casi todos los historiadores del arte modernista dirían que el primer artista cinético moderno fue Marcel Duchamp, y la primera obra cinética que Duchamp creó fue su Rueda de Bicicleta. Consistiendo en una rueda de bicicleta volteada y colocada en la parte superior de un taburete, esta obra de arte también se considera la primera “readymade”. Pero a veces, cuanto más aprendemos sobre un tema, menos claro se vuelve. El propio Duchamp no consideraba esta escultura en movimiento como arte fino. Cuando se le preguntó sobre su creación, dijo que solo la construyó porque, “Disfrutaba mirándola. Así como disfruto mirando las llamas danzando en la chimenea.”

Si las intenciones del creador de un objeto son centrales para que ese objeto sea considerado arte fino, por la admisión de su creador Bicycle Wheel no califica. ¿Quién puede decir que los antiguos móviles, el Himmeli nórdico o una escultura en movimiento de un viaje ballenero holandés no deberían ser considerados arte cinético? ¿Por qué deberían ser desestimados como artesanías, juguetes, artefactos populares o mera decoración? Tal vez haya alguna pista en lo que Duchamp dijo sobre mirar las llamas en la chimenea que une la naturaleza de todos los fenómenos creativos, independientemente de su intención, como manifestaciones de algún impulso humano primigenio.

Marcel Duchamp - Demisferio rotatorio, 1924. Galería de Arte de la Universidad de Yale (Universidad de Yale), New Haven, CT, EE. UU. © Marcel Duchamp

El Movimiento Movimiento

Lo que consideramos como el movimiento de arte cinético moderno realmente comenzó en la década de 1920. Para que un movimiento artístico genere emoción y obtenga credibilidad intelectual, ayuda que alguien lo nombre y defienda su posición por escrito. Los artistas constructivistas rusos Naum Gabo y Antoine Pevsner hicieron eso por el arte cinético en 1920. Gabo y Pevsner, que también eran hermanos, afirmaron en su Manifiesto Realista: “Repudiamos: el error milenario heredado del arte egipcio: los ritmos estáticos parecen ser los únicos elementos de la creación plástica. Proclamamos un nuevo elemento en las artes plásticas: los ritmos cinéticos, que son formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real."

Un año antes de escribir ese manifiesto, Gabo, que también era un ingeniero capacitado, creó lo que probablemente debería considerarse la primera escultura cinética intencionada. Llamó a la pieza Construcción Cinética. Consistía en una sola varilla de metal que sobresalía de una caja de madera. Cuando se activaba un interruptor, un motor mecánico vibraba la varilla. La pieza ganó el apodo de “onda estacionaria” debido a la forma en que imita una formación de ola cuando se activa. Además de esculturas en movimiento, Gabo también hizo esculturas estáticas que capturaban la estética del movimiento, un interés que persiguió a lo largo de su carrera.

Naum Gabo - Construcción Cinética (Onda Estacionaria), 1919. Metal, madera y motor eléctrico. 616 x 241 x 190 mm. Colección Tate. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018

Movilidad ascendente

Alrededor de la misma época en que Gabo y Pevsner introducían la palabra cinético en la discusión sobre el arte moderno, el artista estadounidense Dada Man Ray estaba comprometido en la creación de su propio giro sobre la estética cinética. Como amigo y colega de Marcel Duchamp, Man Ray estaba sin duda consciente de Bicycle Wheel, y también es probable que conociera Kinetic Construction. Lo que hacía que sus esfuerzos fueran diferentes de ambas obras es que, en lugar de utilizar motores o mecanismos como ruedas, Man Ray buscaba capturar el movimiento orgánico en su arte.

Man Ray llegó a su solución para una escultura orgánica en movimiento en 1920 con una obra que llamó Obstrucción. Consistía en 36 perchas, cada una insertada a través de un agujero perforado en el extremo lejano del brazo de otra, y todas colgando de una sola percha unida a un gancho en el techo. El elemento cinético de la obra se introduce cuando las perchas son perturbadas por el viento, temblores o contacto directo con un observador u objeto. Además de construir Obstrucción, Man Ray creó un diagrama que presentaba instrucciones sobre cómo podría ser replicada, animando a cualquiera que intentara su replicación a ir más allá de lo que él había hecho, y llevar la escultura “hacia la infinitud.” Este diagrama recuerda a obras conceptuales posteriores de artistas como Sol LeWitt, quien creó instrucciones detalladas similares sobre cómo replicar sus dibujos murales.

Man Ray - Obstrucción, 1920. 36 perchas interconectadas colgando del techo. © Man Ray

El Ascenso de las Máquinas

Aunque fueron innovadoras para su época, esculturas móviles como Obstrucción y Construcción Cinética casi parecen anticuadas en comparación con lo que pronto las siguió. A lo largo de la década de 1920, el artista de origen húngaro László Moholy-Nagy trabajó en una escultura mecánica que, cuando estuvo terminada, llamó Prop de Luz para un Escenario Eléctrico, o el Modulador de Espacio Lumínico.

Esta creación fantástica consistía en motores eléctricos, paneles móviles y bombillas eléctricas de una variedad de colores. Cuando se activaba, demostraba la interacción cinética de color, luz, movimiento y sonido. El Modulador de Espacio Lumínico no solo fue una obra seminal del movimiento del arte cinético; también fue el comienzo del movimiento del arte lumino-cinético, y además introdujo el concepto de usar luz eléctrica como un elemento de escultura.

Laszlo Moholy-Nagy - Prop de Luz para un Escenario Eléctrico, 1930. © Laszlo Moholy-Nagy

Movimiento de las Masas

Cuando muchas personas hoy en día piensan en el arte cinético, visualizan los caprichosos móviles del artista estadounidense Alexander Calder. Muchos incluso consideran a Calder como el padre del arte cinético. Pero Calder ni siquiera comenzó a hacer sus móviles hasta 1931. Como podemos ver, hubo muchos otros antes que él que también buscaban escapar de los límites estáticos del arte plástico. De hecho, no podemos hablar de Calder y sus móviles sin mencionar una vez más a Marcel Duchamp, quien, al visitar a Calder en su estudio, otorgó a estas creaciones cinéticas colgantes su apodo, móviles, una palabra que en francés puede significar tanto movimiento como motivo.

Pero Calder, no obstante, popularizó ampliamente el arte cinético. Después de Calder, la tendencia ha continuado siendo explorada por generaciones de artistas inspirados en las fuerzas del movimiento. Bruno Munari rompió nuevos terrenos en la estética cinética con sus Máquinas Inútiles. El escultor estadounidense George Rickey creó esculturas cinéticas públicas que responden a las más leves corrientes de aire o vibraciones. Y la artista contemporánea Emily Kennerk explora la cinética con proyectos como su mesa de cena vibrante activada por voz, que, al igual que Homenaje a Nueva York del artista conceptual Jean Tinguely, utiliza fuerzas cinéticas para autodestruirse. Aunque no podamos definir con precisión qué es el arte cinético, al menos podemos señalar a estos artistas cinéticos y examinar su trabajo. En algún lugar dentro de sus esfuerzos comenzamos a ver qué es lo que captura nuestra imaginación sobre el arte cinético. Incluso si no podemos describirlo, podemos disfrutar mirándolo, como dijo Duchamp, mientras “disfrutamos mirando las llamas danzando en la chimenea.”

Imagen destacada: Naum Gabo - Construcción Lineal No. 1, 1942 - 1943. 349 x 349 x 89 mm. © Nina & Graham Williams/Tate, Londres 2018
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio