Abstracción en la Fotografía de László Moholy-Nagy

Hoy en día, la fotografía es ubicua. Las cámaras están incrustadas en miles de millones de dispositivos electrónicos, y es difícil imaginar algún tema que no haya sido explorado exhaustivamente hasta el cansancio en fotografías. Pero, ¿cuál es el estado de la fotografía como arte abstracto? En 1925, el artista húngaro y profesor de Bauhaus László Moholy-Nagy se quejaba de que, aunque la fotografía había existido durante más de 100 años en ese momento, los artistas la utilizaban para poco más que la reproducción de la realidad. Dijo: “el resultado total hasta la fecha no es más que un logro visual enciclopédico.” Llamó a la mayoría de las fotografías nada más que un “momento detenido de la exhibición en movimiento.” Ahora, casi 100 años después, todavía utilizamos principalmente la fotografía para la reproducción, no para la producción. En Pintura, Fotografía, Cine, su libro seminal sobre el tema, Moholy-Nagy pontificó extensamente sobre la multitud de otras posibilidades que la fotografía podría prometer a los artistas dispuestos a perseguir su potencial abstracto. Entre esas posibilidades, en su opinión, estaba el potencial de la fotografía para crear “nuevas relaciones entre lo conocido y lo aún desconocido.” Moholy-Nagy creía que estamos en nuestro mejor momento cuando todos nuestros sistemas biológicos están trabajando en síntesis entre sí, y que integral a ese estado de funcionalidad total es la incorporación de un flujo regular de sensaciones novedosas. Para los artistas, eso significa que la mayor contribución que uno puede hacer a la elevación de la raza humana es ofrecer nuevas experiencias sensoriales; no simplemente imitando o fotografiando lo que ya existe, sino ofreciendo perspectivas sobre cómo ver el mundo de nuevo.

Lo Personal y lo Universal

El arte no es un tema que se pueda generalizar fácilmente, porque casi todos los artistas luchan por la originalidad. Fuera de esos momentos en que un grupo de artistas firma un manifiesto que describe exactamente lo que están haciendo, es casi imposible agrupar a los artistas en un movimiento o un punto de vista particular. No obstante, ocasionalmente es preciso decir que una tendencia común fue o está siendo adoptada por un grupo particular de artistas, y hablar de manera general sobre lo que esa tendencia parece ser. (Si eso suena como una advertencia, es porque lo es.) Dos de las tendencias más comúnmente generalizadas que parecen ocurrir dentro del arte abstracto son la tendencia hacia expresiones estéticas que son personales, y la tendencia hacia expresiones estéticas que son universales.

Las expresiones personales son generalmente algo subjetivas o ambiguas; las expresiones universales son generalmente objetivas o no ambiguas. Estas dos tendencias se manifestaron de manera distinta entre muchos de los primeros artistas abstractos modernistas. Por un lado estaban artistas como Kazimir Malevich y Piet Mondrian que defendían una sensibilidad geométrica y objetiva. Por el otro lado estaban artistas como Wassily Kandinsky y Paul Klee que buscaban expresar su búsqueda personal por lo espiritual. Esta es una simplificación excesiva, pero una forma de decirlo es que un lado era emocional y el otro lado era práctico. Pero todos esperaban lograr algo universalmente valioso, aunque sus perspectivas eran bastante diferentes y sus enfoques a menudo diametralmente opuestos.

László Moholy-Nagy- Nuestros Grandes, 1927. © Fundación László Moholy-Nagy

En blanco y negro

Hasta que estuvo casi en su lecho de muerte, László Moholy-Nagy estuvo firmemente del lado de los artistas prácticos. Una historia sobre él afirma que, al acercarse a la muerte, renunció a su desdén por el arte emocional y anunció la importancia de la subjetividad. Pero cuando fue el más influyente, mientras estaba en la Bauhaus y mientras se dedicaba a la fotografía, fue tan claro como se puede ser. Su mentalidad era que los artistas debían usar la fotografía de acuerdo con su función objetiva como medio. Esa función, como él lo expresó, es la capacidad de transmitir chiaroscuro.

El claroscuro es la representación de las cualidades de claridad y oscuridad en una pintura. Se dice que las pinturas con diferencias extremas entre sombra y luz contienen un alto grado de claroscuro. László Moholy-Nagy percibió la fotografía como un medio principalmente preocupado por la luz, y por lo tanto la consideró el medio definitivo a través del cual representar el claroscuro. Él vio esto como el uso más alto del medio, y muchas de sus primeras fotografías abstractas estaban destinadas a ser composiciones puras y formales de blanco, negro y tonos de gris. Estas imágenes se vuelven abstractas cuando nos enfocamos en el claroscuro, porque reconocemos que el objeto fotografiado no es el sujeto, sino que el sujeto es una idea, en este caso la idea de claridad y oscuridad.

László Moholy-Nagy - Sin título, Fotograma, Dessau, 1925-8. © Fundación László Moholy-Nagy

El Místico Mundano

Además del claroscuro, László Moholy-Nagy también identificó varias otras cualidades abstractas únicas que creía que eran inherentes a la fotografía, todas las cuales buscó expresar en su obra. Una es la capacidad de transformar algo mundano en algo mágico a través de la manipulación de elementos formales como la exposición y la composición. A nuestro alrededor, existen imágenes que, si pudiéramos ver desde cierta perspectiva, apreciaríamos sus propiedades estéticas surrealistas, oníricas o incluso místicas. Pero nuestra verdadera experiencia del mundo limita nuestra perspectiva e inhibe nuestra capacidad para seleccionar lo que vemos y cómo lo vemos.

Una cámara ve inherentemente la realidad desde un punto de vista editado. Puede congelar un momento y extenderlo para siempre en el tiempo. La fotografía también explota el hecho de que la mente humana percibe instintivamente cualquier cosa que el ojo ve en una fotografía como realidad. A pesar de que una fotografía nos muestra solo una vista parcial del mundo, una que ha sido manipulada por el artista, nuestra mente aún la interpreta como verdadera. Esto puede hacer que algo familiar parezca desconocido, o viceversa, y esa experiencia inquietante puede crear una sensación de que lo que estamos viendo de alguna manera trasciende lo natural.

László Moholy-Nagy - Retrato de un niño, 1928. © Fundación László Moholy-Nagy

Multiplicidad Consciente

Otra cualidad potencialmente abstracta en la fotografía es la capacidad que tiene el artista de utilizar el medio para crear multiplicidad. László Moholy-Nagy logró múltiples de diversas maneras en sus fotografías. A veces expuso un negativo múltiples veces, creando composiciones que contenían diferentes perspectivas simultáneas sobre un solo sujeto; muy parecido a una pintura cubista. Otras veces hizo una impresión que presentaba múltiples de la misma imagen, resultando en extrañas composiciones de objetos idénticos que se repiten.

Mientras miramos estas imágenes, nuestra mente lucha por identificar qué debería considerar como el tema. ¿Es el tema la imagen reconocible de una persona o un objeto? ¿Deberíamos ignorar el hecho de las múltiples imágenes o múltiples perspectivas? ¿O es el tema la idea de la repetición? En verdad, el tema es el hecho de que no conocemos el tema. Es la representación abstracta de lo todavía desconocido.

László Moholy-Nagy - La Ley de Series, 1925. © Fundación László Moholy-Nagy

Verdad a Través de la Distorsión

La perspectiva puede ser la herramienta abstracta más poderosa que posee un fotógrafo. Una fotografía permite que todo el mundo vea lo que una sola cámara puede ver. En cierto sentido, la perspectiva agudiza la capacidad de una fotografía para mostrarnos la realidad. Por ejemplo, en su famosa fotografía Balcones, Moholy-Nagy nos ofrece una nueva perspectiva sobre la composición armónica de los objetos en el mundo real al capturar la composición geométrica de la arquitectura a la luz del sol. Esta es la verdad visual de nuestro entorno ordenado y geométrico, ya que nuestra visión limitada no nos permitirá verlo.

En otro sentido, la perspectiva agudiza la capacidad de una fotografía para distorsionar la realidad. En su fotografía llamada Torres de Radio de Berlín, Moholy-Nagy nos muestra un punto de vista tan subjetivo que es casi cursi. Este es nuestro mundo como probablemente nunca lo veremos en la vida real, o como no necesitamos verlo. Esta es la realidad, pero no nuestra realidad cotidiana. Podemos apreciar la fotografía puramente de acuerdo a su materia objetiva, o podemos apreciar sus elementos compositivos, alejados de cualquier responsabilidad personal sobre el contenido. O podemos interpretar la materia como la noción abstracta de nuestra habitual incapacidad para ver una perspectiva más amplia de nuestro mundo.

László Moholy-Nagy - Balcones (Izquierda), y László Moholy-Nagy - Torre de Radio de Berlín (Derecha). © Fundación László Moholy-Nagy

Nuevas formas de ver

Muchas de las fotografías que László Moholy-Nagy creó parecen distorsionadas, oscurecidas o intencionadamente abstractas. Pero él no las definió según esas propiedades. Veía la cámara como una herramienta a través de la cual se podía expresar una realidad universal y elevada. Pero para expresar esa realidad elevada, creía que la cámara debía ser utilizada “de acuerdo con sus propias leyes y su propio carácter distintivo.”

Él definió el carácter distintivo de la fotografía como algo simultáneamente objetivo y abstracto. La fotografía captura la realidad, pero no siempre limita su tema a la realidad que captura. En cambio, el tema gira en torno a nociones de ligereza y oscuridad, el misterio de la perspectiva, la capacidad de congelar el movimiento y el poder de extender el tiempo. A través de su trabajo, Moholy-Nagy demostró cómo las fotografías abstractas no son necesariamente distorsiones, sino que, en manos de un artista visionario, pueden ser, “Una invitación a reevaluar nuestra forma de ver.”

Imagen destacada: László Moholy-Nagy - Composición Z VIII, 1924. © Fundación László Moholy-Nagy
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio