El legado eterno de Jack Whitten

Jack Whitten—celebrado pintor abstracto, filósofo social y líder cultural—ha fallecido a los 78 años. En una carrera de exposiciones que abarcó más de 50 años, Whitten creó un legado artístico basado en el mismo principio por el cual vivió: que al cambiar nuestra percepción, podemos crear una cultura más pacífica. En el estudio, fue conceptualmente riguroso, estéticamente dinámico y un incansable experimentador. La mayoría de los artistas tienen la suerte de desarrollar una única posición visual a lo largo de su carrera. Whitten desarrolló varias. Su enfoque fue tan innovador y tan experimental, que a menudo causó que fuera malinterpretado, incluso por sus partidarios. Esa realidad hizo que Whitten fuera subestimado por el mercado durante la mayor parte de su vida, y poco reconocido en la conversación histórica del arte. Pero la mentalidad de los marchantes de arte y compradores finalmente ha comenzado a ponerse al día con Whitten en la última década y media, durante la cual su trabajo ha aparecido en más de 40 exposiciones. La gente está comenzando a apreciar que a pesar de la variedad de estilos diferentes que empleó Whitten, hay muchos aspectos unificadores en su obra. Por ejemplo, la idea de capas es importante para todo lo que Whitten produjo. También lo es el concepto de percepción. La luz también es importante. Y lo es el patrón. Esos cuatro elementos se relacionan con lo que Whitten describió de manera laxa como su “visión del mundo”. Como explicó, “La visión del mundo es una declaración cósmica de ser.” Su visión del mundo era que la luz es lo que nos ayuda a percibir; y la percepción es lo que nos ayuda a reconocer patrones; los patrones son lo que nos lleva a formular nuestras creencias; y nuestras creencias determinan cómo estructuramos la sociedad. Whitten insistió en que el arte puede ser un poderoso agente de cambio, porque aborda nuestra percepción, y puede así ayudarnos a crear un mundo más ético y empático.

El arte es nuestra única esperanza

Whitten abrazó por primera vez el potencial transformador del arte en sus primeros 20 años. Lo vio como un método para hacer frente a lo que hasta ese momento había sido, para él, una experiencia horrible del mundo. Describió su infancia en el sur de Estados Unidos en términos claros: racismo y violencia incesantes dirigidos hacia él y hacia cada persona de color. Dejó su estado natal de Alabama en 1960, a los 21 años, y nunca regresó. Se mudó a la ciudad de Nueva York y se inscribió en Cooper Union. Catorce años después, sus obras estaban siendo celebradas en una exposición individual en el Museo Whitney de Arte Americano. Muchas de las obras en esa exposición pertenecían a lo que se considera su primera posición visual icónica: sus llamadas pinturas "slab". Para hacer estas obras, Whitten colocó sus lienzos en el suelo y empujó pintura sobre ellos con un rasero. Tan pronto como una capa de pintura se secaba, aplicaba otra, y así sucesivamente. Construyó las capas hasta que la superficie era densa y dimensional. Cada color base se muestra al final.

Jack Whitten - Sin título, 1968, Pastel sobre papel, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, créditos fotográficos Allan Stone Projects, Nueva York

Para Whitten, estas pinturas eran un intento filosófico de romper con un pasado violento. Eran un intento no tanto de descubrir lo que es universal, sino más bien de descubrir lo que existe más allá del yo. Creía que la cultura estaba llena de estereotipos, y que este proceso de trabajo, de dejar que todos los diferentes colores y capas asomen a la composición final y abstracta, era una forma de destruir las expectativas en las que se basan esos estereotipos. Sus pinturas "slab" son invitaciones a preguntarse qué está sucediendo; a cuestionar cómo se crea algo; a analizar suposiciones preexistentes; y a pensar en algo diferente a lo que se conoce. Las vio como un intento directo de confundir el pensamiento rígido. Como él dijo una vez: “El arte tiene el poder de derribar barreras erigidas por pensadores fundamentalistas de mente simple que intentan mantener el poder. Si los fundamentalistas temen al Rojo, Amarillo y Azul, entonces el Rojo, Negro y Verde, o Rosa y Lavanda deben darles pesadillas!"

Jack Whitten - exposición individual en Hauser & Wirth, Nueva York, 26 de enero – 8 de abril de 2017, vista de instalación, créditos de foto Hauser & Wirth, Nueva York

Sin Destino, Solo Estructura

Tan pronto como Whitten se hizo conocido por sus pinturas "slab", abandonó esa técnica y comenzó a trabajar en un estilo de collage, utilizando trozos secos de pintura acrílica como azulejos. Con los azulejos hizo lo que parecen ser mosaicos. Se dio cuenta de que al no colocar estos trozos de pintura planos, reflejaban la luz de manera diferente, añadiendo dimensión y vida a las obras. Esta se convirtió en su próxima posición visual icónica. Siguió desarrollándola a lo largo de los años, llegando finalmente a una técnica de hacer moldes para sus azulejos de pintura, en lugar de depender de trozos de pintura. Llamó a estos azulejos de pintura moldeados "ready nows" y los utilizó para construir composiciones arquitectónicas que se asemejan a muros de ladrillo. Usó esta técnica para hacer sus pinturas "memoriales", como 9-11-01, que conmemoró los ataques al World Trade Center, que presenció desde su apartamento en Tribeca. Pero incluso esta técnica, que resultó ser la más popular entre coleccionistas e instituciones, no fue su destino estético final. Continuó experimentando y evolucionando durante el resto de su vida.

Jack Whitten - exposición individual en Hauser & Wirth, Nueva York, 26 de enero – 8 de abril de 2017, vista de instalación, créditos de foto Hauser & Wirth, Nueva York

Existen múltiples clichés para abordar la cuestión metafísica de cuál es más importante en la vida: el viaje o el destino. Whitten tenía un dicho favorito, que recogió de su antiguo distribuidor Allan Stone. Decía: “No hay destino.” Para Whitten, la vida existía en un continuo—un camino hacia ninguna parte. Lo único que le importaba eran los procesos—procesos de ver; de pensar; de experimentar; de crear. A lo largo de su carrera, se mantuvo fiel a la noción de que siempre había algo nuevo esperando a la vuelta de la esquina. Como un músico de jazz tocando en una determinada tonalidad, se dio estructuras subyacentes—puntos de partida intelectuales basados en filosofías fundamentales. Y a partir de ahí, improvisó. Los patrones, capas y luces que dejó atrás para que los admiráramos nos ofrecen caminos hacia nuevos sistemas de percepción. Nos muestran un camino hacia algo más profundo y más importante que el yo.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homenaje a Ralph Ellison El Hombre Invisible, 1994, Acrílico, melaza, cobre, sal, carbón, ceniza, chocolate, cebolla, hierbas, óxido, cáscara de huevo, cuchilla de afeitar sobre lienzo, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Derechos de Artistas Sociedad (ARS), Nueva York

Imagen destacada: Jack Whitten - Cinco décadas de pintura, Target y Friedman Galleries, 13 de septiembre de 2015 - 24 de enero de 2016, Organizado por el Museo de Arte Contemporáneo, San Diego

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio