El lado femenino del minimalismo en Thaddaeus Ropac

Cada año, diversas exposiciones afirman anunciar el trabajo de artistas marginados que han sido injustamente excluidos del canon histórico. A menudo, los artistas son en realidad exitosos, solo que no son "famosos", y el trabajo apenas merece enmendar la historia. El Lado Femenino del Minimalismo en la ubicación de Thaddaeus Ropac en Ely House, Londres, es una excepción notable a la fórmula habitual. Con más de 70 obras que datan desde la década de 1920 hasta la de 2000, de una lista internacional e intergeneracional de 13 artistas femeninas, la curaduría expande de manera reflexiva la comprensión general del Minimalismo al resaltar a múltiples artistas cuyas carreras aportan al movimiento de maneras inesperadas. La selección de obras incluye pinturas, dibujos, videos, fotografías, esculturas y relieves, demostrando el amplio campo de experimentación que estas artistas han cultivado. Aunque no todas las artistas de la exposición encajan perfectamente en la definición de Minimalismo, la conversación que su inclusión inicia definitivamente vale la pena tenerla. Originalmente planeada para extenderse hasta el 18 de diciembre de 2020, la exposición está actualmente cerrada debido a las restricciones de COVID-19 en el Reino Unido. Mientras tanto, aquí hay introducciones a ocho de las artistas de la exposición, cuyo trabajo encontramos particularmente convincente.

María Señorita

Una editora fundadora de la revista Heresies, Mary Miss no suele ser pensada en términos de historia Minimalista. Su trabajo es más familiar para los seguidores del Arte de la Tierra y el Arte Feminista. Sus preocupaciones plásticas giran frecuentemente en torno a la elegante noción de crear la experiencia simultánea de planitud y espacio. Como la primera artista mencionada en el seminal ensayo de 1979 Sculpture in the Expanded Field, de Rosalind Krauss, Miss es todo menos anónima. Sin embargo, esta exposición la coloca en un contexto que añade una dimensión refrescante a su práctica.

Mary Miss - Alivio, 1968. Acero y alambre. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Cortesía de Mary Miss y Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © Mary Miss Foto: Charles Duprat

María Lai

Cuando murió en 2012, la artista sarda Maria Lai aún era en gran medida desconocida fuera de su tierra natal. En 2017, eso cambió cuando su trabajo fue presentado tanto en la Bienal de Venecia como en Documenta. Otra artista que normalmente no se piensa en el contexto del Minimalismo, Lai creó obras que unían sensibilidades materiales con la memoria, la historia y las experiencias comunitarias. Su obra más conocida fue una performance de 1981 llamada Atar la montaña, en la que ciudadanos desde niños hasta ancianos ayudaron a pasar un solo lazo azul a través de toda la ciudad de Ulassai. Pensada en términos de línea y color, ciertamente era una obra Minimalista. Considerada en términos de su impacto más amplio, comparte un legado con todo, desde el movimiento Neo Concreto hasta Fluxus y el Arte de Práctica Social.

Maria Lai - Espacio y Telaio, 1971. Madera, cuerda, lienzo, témpera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Cortesía de Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © Archivio Maria Lai por SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Wiecek

Fuera de los museos en su patria polaca, las obras de Magdalena Wiecek son difíciles de ver en persona. Su práctica se fundamentó en la exploración humanista de formas y relaciones. Más relacionada con la abstracción orgánica y biomórfica que con el minimalismo, su obra incluyó no obstante una serie de objetos—desde pequeñas esculturas hasta instalaciones monumentales—que exploran las simples preocupaciones espaciales y geométricas del arte minimalista. De especial interés es la selección de pequeñas esculturas de bronce incluidas en The Female Side of Minimalism en Thaddaeus Ropac, que tocan no solo preocupaciones formalistas, sino que insinúan cuestiones metafísicas como la introspección y el yo sombra.

Magdalena Wiecek - Volátil I, 1970. Latón. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Cortesía de la herencia de Magdalena Wiecek y Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © Herencia de Magdalena Wiecek

Lolo Soldevilla

Casi completamente desconocida fuera de su Cuba natal, Loló Soldevilla fue una de las miembros clave de un pequeño colectivo vanguardista de artistas concretos que operó en La Habana a mediados del siglo XX. Murió en 1971, a los 70 años, dejando un maravilloso cuerpo de relieves, pinturas y dibujos que expresan de manera caprichosa preocupaciones espaciales y geométricas. Su obra estaba particularmente orientada hacia fines constructivos en lugar de fines puramente plásticos. Incluirla en esta conversación sobre el Minimalismo se siente expansivo tanto para ella como para el movimiento.

Lolo Soldevilla - Composición, 1954. Estructuras en madera. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Herencia de Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Ana Sacerdote

Para mí, la artista argentina de 95 años Ana Sacerdote es la revelación más gratificante en El Lado Femenino del Minimalismo. Una pintura y una película de Sacerdote están incluidas en la exposición. La película, realizada en la década de 1960, es una simple animación de formas geométricas coloridas. Se relaciona sublimemente con la pintura, que ella creó casi una década antes. Su obra conversa perfectamente con la estética minimalista, al mismo tiempo que reclama terreno en los mundos del Arte Cinético, Arte Digital, Videoarte y Arte Neo-Concreto.

Verena Loewensberg - Sin título, 1953. Óleo sobre lienzo. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Cortesía de la Fundación Verena Loewensberg y la Galería Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © Fundación Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Verena Löwensberg

La artista suiza Verena Loewensberg fue otra revelación para mí en esta exposición. Sus composiciones silenciosas y coloridas pueden fácilmente situarse en la línea de íconos minimalistas como Agnes Martin, sin embargo, también son lo suficientemente vivas y llamativas como para ofrecer un intrigante puente estético que conecta a los artistas de Bauhaus como Mondrian y Albers con movimientos como el Pop Art y la Abstracción Post-Pictórica.

Verena Loewensberg - Sin título, 1963. Óleo sobre lienzo. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Cortesía de la Fundación Verena Loewensberg y la Galería Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © Fundación Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

La artista nacida en Japón, Shizuko Yoshikawa, comparte mucho en común con Verena Loewensberg en términos de color y composición, pero llevó su trabajo en direcciones sutilmente únicas, especialmente cuando se trataba de sus relieves. Basada en cuadrículas simples, creó superficies dimensionales que interactúan con la luz y la sombra para transformar una paleta de colores de otro modo monocromática en campos aparentemente brillantes e ilusorios. Incluidos junto con los relieves en La cara femenina del minimalismo hay varios estudios geométricos que ofrecen una visión de la intensa investigación que Yoshikawa realizó sobre la geometría y las relaciones de color.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Laca y acrílico sobre poliéster. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Cortesía de la Fundación Shizuko Yoshikawa y Joseph Müller-Brockmann y Galerie Thaddaeus Ropac, Londres · París · Salzburgo © La Fundación Shizuko Yoshikawa y Joseph Müller-Brockmann Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

La artista estadounidense Rosemarie Castoro es quizás la inclusión más controvertida en El lado femenino del minimalismo. Castoro dijo específicamente una vez: “No soy una minimalista. Soy una Maximus.” Sus preocupaciones eran en gran medida conceptuales más que formales, y su trabajo se extendió a una serie de campos diferentes, incluyendo dibujo, escultura e instalación. Lo que podría considerarse minimalista en su trabajo es su lenguaje visual general, que centraba paletas de colores monocromáticos, composiciones lineales y a veces formas geométricas. Sin embargo, tan a menudo, se adentró en un mundo inquietante y extraño de formas orgánicas evocadoras de la naturaleza y el cuerpo humano. A diferencia de algunos de los otros estiramientos teóricos en esta exposición, llamar a Castoro minimalista parece, de hecho, quitar algo de lo que ella intentaba hacer. Sin embargo, también hay algo esencialmente reductivo, o deductivo quizás, sobre la poesía que se manifiesta en toda su obra, así que si la reducción y la deducción están en el corazón de la estética minimalista, Castoro pertenece.

Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Grafito sobre papel. Motivo 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Papel 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Marco 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 in). © La herencia de Rosemarie Castoro. Cortesía de Anke Kempkes Art Advisory Foto: Charles Duprat

Imagen destacada: Lolo Soldevilla - Sin título, 1954. Técnica mixta sobre madera. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Herencia de Lolo Soldevilla
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio