La importancia de la serie Burst de Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb dijo una vez: “El papel del artista, por supuesto, siempre ha sido el de creador de imágenes. Tiempos diferentes requieren imágenes diferentes.” Gottlieb fue testigo de múltiples épocas claramente distintas y cambió su método de manera significativa en tres ocasiones para responder a la evolución de la cultura. Su obra alcanzó su apogeo con sus pinturas Burst, una serie que comenzó en 1957 y continuó expandiendo hasta su muerte en 1974. El lenguaje visual de los Bursts es simple y directo: el lienzo se divide en dos zonas: superior e inferior. La zona superior está habitada por una o más formas circulares en una gama limitada de colores; la zona inferior está habitada por una explosión frenética y gestual de energía cacofónica y en espiral, normalmente pintada de negro. Para Gottlieb, las pinturas Burst significaban la expresión máxima de su gran idea: que existen polaridades simultáneamente en el universo, como la oscuridad y la luz. La sabiduría convencional tiende a describir tales fuerzas como si fueran dicotómicas, como si la luz fuera fundamentalmente opuesta a la oscuridad. Gottlieb entendió que la luz y la oscuridad son puntos en un espectro, y están hechas de la misma materia dispersa en diferentes medidas. Consideraba las polaridades tan similares que una puede convertirse en la otra con solo el más ligero empujón de los poderes que están, y las dos zonas en sus pinturas Burst operan de manera similar. Las formas circulares parecen tenerlo todo bajo control, flotando con confianza sobre lo que parece ser un desorden. Pero ambas son parte de la misma imagen, y ninguna está en un estado fijo de ser. Lo que está arriba puede bajar, y lo que parece caótico, bajo las circunstancias adecuadas, puede cohesionarse y convertirse en uno.

Las grandes explosiones

Ejemplos de pinturas Burst adornan algunas de las colecciones de arte más veneradas del mundo. El masivo “Blast I” (1957), que mide 228.7 x 114.4 cm, cuelga en el MoMA de Nueva York. En él, un gargantuesco orbe rojo se cierne estoicamente sobre un igualmente amenazante grupo de marcas gestuales negras. Esta imagen icónica dio inicio a la serie, y una revisitación poéticamente cargada de su iconografía apareció nuevamente en 1973, justo un año antes de que Gottlieb falleciera. En “Burst” (1973), una de las últimas pinturas que el artista creó antes de morir, el orbe rojo se ha suavizado y comenzado a descomponerse, enviando destellos de sol rosados al éter. Mientras tanto, el caótico grupo de marcas gestuales se ha descompuesto en una especie de familia de formas, hundiéndose por debajo de la línea del horizonte, aparentemente emitiendo tentáculos y semillas al espacio.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Óleo sobre lienzo. 7' 6" x 45 1/8" (228.7 x 114.4 cm). Fondo Philip Johnson. © Fundación Adolph y Esther Gottlieb/Con licencia de VAGA, Nueva York, NY. Colección del MoMA.

Entre otras famosas pinturas de Burst se encuentra "Blues" (1962), ahora en la colección del Museo de Arte Americano Smithsonian. Su paleta de azul y negro es sombría y serena, la oscuridad se lee como un eclipse o una imagen solarizada posterior. "Trinity" (1962), otro monumental Burst, cuelga en la colección permanente del Museo de Arte Americano Crystal Bridges. Este lienzo de 203.2 x 469.9 cm extiende el campo visual horizontalmente. Tres orbes sólidos—uno azul, uno rojo y uno negro—flotan en el espacio sobre un elegante conjunto de marcas de pincel caligráficas. Las marcas parecen proyectar una sombra gris mientras un gentil orbe amarillo flota en el plano medio entre las zonas superior e inferior. La gama de variación ejemplificada por "Blues" y "Trinity" demuestra la tremenda variación que Gottlieb exploró en su tema relativamente simple, dotando a cada obra de la serie Burst de un sentido idiosincrático de significado propio.

Adolph Gottlieb-Ícono, 1964. Óleo sobre lienzo. 144 x 100". ©Fundación Adolph y Esther Gottlieb.

Preparándose para estallar

Aunque comenzó a pintar en la década de 1920, el viaje que Gottlieb emprendió para llegar a la simple genialidad de sus pinturas Burst comenzó en la década de 1930. Fue entonces cuando tomó en serio el abrazo surrealista del subconsciente. Se dio cuenta de que las expresiones estéticas más esenciales son atemporales porque se relacionan con realidades existenciales fundamentales como el poder, el miedo, el nacimiento y la muerte: la materia de los mitos. Su investigación en esta línea de pensamiento lo llevó a desarrollar su primera serie importante de pinturas, que llamó Pictografías. Basadas en un lenguaje simbólico e intuitivo de formas abstractas, sus Pictografías estaban estructuradas dentro de cuadrículas, un intento de transmitir expresiones compartimentadas de la realidad. Aunque a menudo se consideran abstractas, Gottlieb describió sus Pictografías como realistas, ya que expresaban la verdadera, ansiosa y misteriosa condición humana. Las pintó hasta 1951, cuando decidió que los tiempos pedían algo nuevo. En busca de un método simplificado, abandonó la cuadrícula y dividió el lienzo en dos: una parte superior y una inferior con una línea de horizonte entre ellas. Llamó a esta nueva serie Paisajes Imaginarios, porque transmitían el paisaje interior de la existencia, incluidos los estados emocionales, intelectuales, intuitivos y subconscientes del ser.

Adolph Gottlieb - Hombre mirando a mujer, 1949. Óleo sobre lienzo. 42 x 54" (106.6 x 137.1 cm). Regalo del artista. © Adolph y Esther Gottlieb Foundation/Licenciado por VAGA, Nueva York, NY. Colección del MoMA.

La serie Burst evolucionó a partir de los Paisajes Imaginarios, y representan la destilación de la misma idea. Gottlieb simplificó lo que estaba sucediendo en las partes superior e inferior de los Paisajes Imaginarios, y dejó de depender de una línea de horizonte real para dividir el lienzo en dos partes. Pero las pinturas Burst también representan una especie de adición: la adición de espacio. En términos más simples, Gottlieb se dio cuenta de que cuando se eliminaba la línea de horizonte, lo único que había entre las formas superiores e inferiores en el lienzo era el espacio, y cuanto más grande era el lienzo, más épicas se volvían las formas, y más espacio parecía haber. Pero no pensó en el espacio solo en términos de distancia que se puede medir. Tenía más que ver con la totalidad del mundo visual y emocional de la pintura. Las formas habitan el mismo espacio, y sin embargo ocupan territorios distintivos dentro del espacio. Su espacio de color es distinto; su espacio formal es distinto; su espacio lineal es único; y su espacio intelectual es único. En última instancia, esta es la noción de espacio que fue vital para cómo Gottlieb percibió sus pinturas Burst, porque lo entendió como una expresión elevada de la totalidad de la existencia, y el mito de sus aparentemente partes individuales.

Imagen destacada: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Óleo sobre lienzo. 80 x 185". ©Fundación Adolph y Esther Gottlieb.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio