La importancia de la serie Burst de Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb dijo una vez: “El papel del artista, por supuesto, siempre ha sido el de creador de imágenes. Tiempos diferentes requieren imágenes diferentes.” Gottlieb fue testigo de múltiples épocas claramente distintas, y cambió su método tres veces de manera significativa para responder a la evolución de la cultura. Su obra alcanzó su punto culminante con sus pinturas Burst, una serie que comenzó en 1957 y continuó ampliando hasta su muerte en 1974. El lenguaje visual de los Burst es simple y directo: el lienzo se divide en dos zonas: superior e inferior. La zona superior está habitada por una o más formas circulares en una gama limitada de colores; la zona inferior está habitada por una explosión frenética y gestual de energía caótica y arremolinada, normalmente pintada en negro. Para Gottlieb, las pinturas Burst significaban la máxima expresión de su gran idea: que existen polaridades simultáneas en el universo, como la oscuridad y la luz. La sabiduría convencional tiende a describir tales fuerzas como si fueran dicotómicas, como si la luz fuera fundamentalmente opuesta a la oscuridad. Gottlieb entendió que la luz y la oscuridad son puntos en un espectro, y están hechas de la misma materia dispersa en diferente medida. Consideraba las polaridades tan similares que una puede convertirse en la otra con solo un pequeño empujón de las fuerzas que las gobiernan, y las dos zonas en sus pinturas Burst funcionan de manera similar. Las formas circulares parecen estar en orden, flotando con confianza sobre lo que parece ser un conflicto. Pero ambas son parte de la misma imagen, y ninguna está en un estado fijo de ser. Lo que está arriba puede bajar, y lo que parece caótico, bajo las circunstancias adecuadas, puede unirse y volverse uno.

Los principales Burst

Ejemplos de pinturas Burst adornan algunas de las colecciones de arte más veneradas del mundo. El enorme “Blast I” (1957), que mide 228.7 x 114.4 cm, cuelga en el MoMA de Nueva York. En él, un orbe rojo gigantesco flota estoicamente sobre un grupo igualmente amenazante de marcas gestuales negras. Esta imagen icónica dio inicio a la serie, y una revisitación poéticamente cargada de su iconografía apareció de nuevo en 1973, justo un año antes de que Gottlieb muriera. En “Burst” (1973), una de las últimas pinturas que el artista creó antes de morir, el orbe rojo se ha suavizado y ha comenzado a desarmarse, enviando destellos rosados al éter. Mientras tanto, el grupo caótico de marcas gestuales se ha fragmentado en una especie de familia de formas, hundiéndose bajo la línea del horizonte, aparentemente emitiendo zarcillos y semillas hacia el espacio.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Óleo sobre lienzo. 7' 6" x 45 1/8" (228.7 x 114.4 cm). Fondo Philip Johnson. © Fundación Adolph y Esther Gottlieb/Licenciado por VAGA, Nueva York, NY. Colección MoMA.

Entre otras famosas pinturas Burst está “Blues” (1962), ahora en la colección del Museo de Arte Americano Smithsonian. Su paleta azul y negra es sombría y serena, la oscuridad se lee como un eclipse o una imagen residual solarizada. “Trinity” (1962), otro Burst monumental, cuelga en la colección permanente del Museo Crystal Bridges de Arte Americano. Este lienzo de 203.2 x 469.9 cm extiende el campo visual horizontalmente. Tres orbes sólidos — uno azul, uno rojo y uno negro — flotan en el espacio sobre un elegante conjunto de marcas caligráficas de pincel. Las marcas parecen proyectar una sombra gris mientras un orbe amarillo suave flota en el plano medio entre las zonas superior e inferior. La variedad ejemplificada por “Blues” y “Trinity” demuestra la tremenda variación que Gottlieb exploró en su tema relativamente simple, dotando a cada obra de la serie Burst con un sentido idiosincrático de significado propio.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Óleo sobre lienzo. 144 x 100". © Fundación Adolph y Esther Gottlieb.

Preparándose para estallar

Aunque comenzó a pintar en los años 1920, el camino que Gottlieb recorrió para llegar al genio simple de sus pinturas Burst comenzó en los años 1930. Fue entonces cuando abrazó el surrealismo y el subconsciente. Llegó a la conclusión de que las expresiones estéticas más esenciales son atemporales porque se relacionan con realidades existenciales fundamentales como el poder, el miedo, el nacimiento y la muerte: la materia de los mitos. Su investigación en esta línea de pensamiento lo llevó a desarrollar su primera serie importante de pinturas, que llamó Pictografías. Basadas en un lenguaje simbólico e intuitivo de formas abstractas, sus Pictografías estaban estructuradas dentro de cuadrículas — un intento de transmitir expresiones compartimentadas de la realidad. Aunque a menudo consideradas abstractas, Gottlieb describió sus Pictografías como realistas porque expresaban la verdadera, ansiosa y misteriosa condición humana. Las pintó hasta 1951, cuando decidió que los tiempos requerían algo nuevo. En busca de un método simplificado, abandonó la cuadrícula y dividió el lienzo en dos — una parte superior y una inferior con una línea del horizonte entre ellas. Llamó a esta nueva serie Paisajes Imaginarios, porque transmitían el paisaje interior de la existencia, incluyendo estados emocionales, intelectuales, intuitivos y subconscientes del ser.

Adolph Gottlieb - Hombre mirando a mujer, 1949. Óleo sobre lienzo. 42 x 54" (106.6 x 137.1 cm). Donación del artista. © Fundación Adolph y Esther Gottlieb/Licenciado por VAGA, Nueva York, NY. Colección MoMA.

La serie Burst evolucionó a partir de los Paisajes Imaginarios, y representa la destilación de la misma idea. Gottlieb simplificó lo que ocurría en las partes superior e inferior de los Paisajes Imaginarios, y dejó de depender de una línea del horizonte real para dividir el lienzo en dos partes. Pero las pinturas Burst también representan una especie de adición: la adición del espacio. Dicho en términos simples, Gottlieb se dio cuenta de que cuando se eliminaba la línea del horizonte, lo único entre las formas superior e inferior en el lienzo era el espacio, y cuanto más grande era el lienzo, más épicas y extendidas parecían las formas, y más espacio parecía haber. Pero no pensaba en el espacio solo en términos de distancia medible. Tenía más que ver con la totalidad del mundo visual y emocional de la pintura. Las formas habitan el mismo espacio, y sin embargo ocupan territorios distintos dentro de ese espacio. Su espacio de color es distinto; su espacio formal es distinto; su espacio lineal es único; y su espacio intelectual es único. En última instancia, esta es la noción de espacio que fue vital para cómo Gottlieb percibía sus pinturas Burst, porque la entendía como una expresión elevada de la totalidad de la existencia, y el mito de sus partes aparentemente individuales.

Imagen destacada: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Óleo sobre lienzo. 80 x 185". © Fundación Adolph y Esther Gottlieb.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio