El legado de la pionera del arte abstracto, Gillian Ayres

La pintora y grabadora británica de arte abstracto Gillian Ayres ha fallecido a los 88 años. Su muerte deja un vacío en el mundo del arte, así como en los ámbitos de la educación y el ejemplo a seguir. Ayres fue sin duda una de las profesoras de arte más carismáticas y seguras de Gran Bretaña, en gran parte debido a su total aceptación de la inconformidad. Enseñó en la Academia de Arte de Bath desde 1959 hasta 1965, dio conferencias en la Escuela de Arte Saint Martin de Londres desde 1966 hasta 1978, y luego en 1978 se convirtió en jefa del Departamento de Pintura en la Escuela de Arte de Winchester. Ese último puesto fue más administrativo que docente. Lo dejó tras constantes enfrentamientos con los administradores de la escuela sobre cómo, y de hecho si debía gestionarse el departamento. Ayres creía que la educación artística estaría mejor servida sin que ninguna oficina estuviera a cargo de ella. Aunque esa fue su última posición académica oficial, Ayres continuó enseñando con su ejemplo. Fue un modelo a seguir por la importancia de tener principios y defenderlos con vigor. Sus principios incluían una inmensa generosidad hacia sus estudiantes y amigos (a quienes a menudo alojaba en su casa), un amor por el champán y los cigarrillos (que disfrutó hasta el final), y un completo odio hacia los miembros de la llamada Escuela de Euston Road, un colectivo de artistas realistas tradicionales que se oponían al arte vanguardista y abstracto. Su devoción por la abstracción inspiró a innumerables otros artistas abstractos británicos y ayudó a revertir el prejuicio institucional contra la abstracción en escuelas, galerías y museos. El legado que esperaba dejar puede resumirse en una declaración que hizo en una entrevista con el Financial Times en 2015. Dijo: “A la gente le gusta entender, y desearía que no fuera así. Desearía que simplemente miraran.”

Formas y Espacios

Ayres terminó la escuela de arte en 1950 y consiguió un trabajo como asistente de galería. Mantuvo el puesto durante seis años a tiempo parcial mientras también pintaba. Ha dicho que en esos primeros días de su carrera fue influenciada principalmente por Jackson Pollock y los expresionistas abstractos. Sin embargo, lo que más la inspiró de ellos no fueron sus tendencias metafísicas, es decir, sus intentos de conectar con un manantial primario de emoción profunda y oculta. Más bien, se inspiró en sus métodos de trabajo, que le parecían libres y experimentales. Adoptó la técnica de trabajar en el suelo y usar movimientos sueltos y líricos mientras pintaba. Muchas de sus obras de esa época podrían describirse como pinturas de acción. Frecuentemente incluyen pintura salpicada y goteada, marcas gestuales de pincel y grandes campos de color aplicados con energía.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Xilografía sobre papel japonés Unryu-shi de 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 pulg, 85.4 × 163.5 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Simultáneamente a su exploración del estilo “all-over” de pintura de acción, Ayres también mostró interés en la exploración directa de formas y espacios. Muchas de sus pinturas de los años 50 y 60 contienen composiciones sueltas de círculos, cuadrados y otras formas geométricas o cuasi geométricas. Las formas frecuentemente parecen flotar unas alrededor de otras en un vacío. Estas pinturas son puramente abstractas, pero no en el sentido de que Ayres las “abstrajo” del mundo natural. En cambio, simplemente buscaba crear composiciones que no tuvieran contenido narrativo ni figurativo alguno, porque creía en el potencial de las imágenes abstractas de formas interactuando en el espacio para ser “embriagadoras”. En otras palabras, sentía que tales imágenes podían ser embriagantes. Creía que esta cualidad era vital para que la gente pudiera simplemente disfrutar mirando su arte sin sentir la presión de pensar lógicamente sobre él, o incluso de involucrar su intelecto en absoluto.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Xilografía sobre papel japonés Unryushi de 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 pulg, 92 × 104 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Color Exuberante

Además de su amor por las formas y los espacios, Ayres fue una entusiasta amante del color. Una vez dijo: “Para mí, el color en el arte es maravillosamente indulgente.” Quería que la gente bebiera sus pinturas. Las consideraba festines para los ojos. Dijo: “No entiendo por qué no deberías llenarte, hacerte feliz—disfrutar, deleitarte con la belleza.” Por mucho que esto suene hoy como un punto de vista inofensivo, hubo un tiempo en que causó que el público británico desconfiara profundamente de Ayres. Esa desconfianza culminó en 1957, cuando tras ser incluida en la exposición Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres fue contratada para pintar un mural en el comedor de una escuela de Londres. Casi tan pronto como terminó el mural, los administradores de la escuela ordenaron cubrirlo con papel tapiz. Solo décadas después, cuando Ayres ya era famosa, el mural fue redescubierto en casi perfectas condiciones bajo el papel tapiz.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Xilografía sobre papel Unryushi de 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 pulg, 47.8 × 57.9 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

El afecto que Ayres tenía por el color como tema es evidente a lo largo de su carrera. A medida que sus composiciones se volvieron menos líricas, menos gestuales y más estructuradas y arquitectónicas con el tiempo, su amor por el color solo se fortaleció. Para los años 80 había desarrollado una visión estética algo caprichosa y celebratoria basada en colores vibrantes y claros y formas biomórficas. Estas obras posteriores parecen inspiradas en la naturaleza. Algunas personas sospechan que esto se debe a que durante esta etapa de su vida Ayres se mudó con su familia a una comunidad rural costera en Gales. Ella ha dicho que las condiciones allí, especialmente el paisaje, fueron una gran influencia para ella. Sin embargo, siempre insistió en que su obra no estaba abstraída de la naturaleza, ni reducida a imágenes del campo. En cierto modo, las últimas pinturas que hizo Ayres recuerdan a los recortes de Matisse. Ambos artistas adoptaron una paleta de colores similar al final de sus carreras, y ambos desarrollaron un sentido parecido de las relaciones espaciales. Excepto que mientras Matisse esperaba orgulloso evocar las formas y figuras del mundo natural en su obra tardía, Ayres permaneció dedicada hasta el final a que sus obras no se basaban en nada. Son solo imágenes de colores y formas en el espacio sin significado más allá de sí mismas, ofreciendo puro placer a los espectadores lo suficientemente valientes para entregarse a su belleza.

Imagen destacada: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Xilografía sobre papel japonés Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 pulg, 78 × 116 cm, Edición de 18, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Por Phillip Barcio