El legado de la pionera del arte abstracto, Gillian Ayres

La pintora abstracta británica y grabadora Gillian Ayres ha fallecido a los 88 años. Su muerte deja un vacío en el mundo del arte, y también en los mundos de la educación y el modelado a seguir. Ayres fue fácilmente una de las profesoras de arte más carismáticas y seguras de sí mismas en Gran Bretaña, en gran parte debido a su total aceptación de la no conformidad. Enseñó en la Academia de Arte de Bath desde 1959 hasta 1965, dio conferencias en la Escuela de Arte Saint Martin, Londres, desde 1966 hasta 1978, y luego en 1978 se convirtió en la jefa del Departamento de Pintura en la Escuela de Arte de Winchester. Ese último trabajo fue más un puesto gerencial que uno docente. Lo dejó después de luchar constantemente con los administradores de la escuela sobre cómo, y de hecho si, gestionar el departamento. Ayres creía que la educación artística sería mejor atendida sin que alguna oficina estuviera a cargo de ella. Aunque esa fue su última posición académica oficial, Ayres continuó enseñando con su ejemplo. Fue un modelo a seguir por la importancia de tener principios y defenderlos con vigor. Sus principios incluían una inmensa generosidad hacia sus estudiantes y amigos (a quienes a menudo alojaba en su casa), un amor por el champán y los cigarrillos (de los que disfrutó hasta el final), y un completo odio hacia los miembros de la llamada Escuela de Euston Road, un colectivo de artistas realistas tradicionales que se oponían al arte de vanguardia y abstracto. Su devoción a la abstracción ayudó a inspirar a innumerables otros artistas abstractos británicos y ayudó a revertir el prejuicio institucional contra la abstracción en escuelas, galerías y museos. El legado que esperaba dejar atrás se puede resumir en una declaración que hizo en una entrevista con el Financial Times en 2015. Dijo: “A la gente le gusta entender, y desearía que no lo hicieran. Desearía que simplemente miraran.”

Formas y espacios

Ayres terminó la escuela de arte en 1950 y tomó un trabajo como asistente de galería. Mantuvo el puesto durante seis años a tiempo parcial mientras también pintaba. Ha dicho que en estos primeros días de su carrera fue influenciada en gran medida por Jackson Pollock y los Expresionistas Abstractos. Sin embargo, lo que más la inspiró de ellos no fueron sus tendencias metafísicas, es decir, sus intentos de conectarse con un pozo primigenio de emoción profunda y oculta. Más bien, se sintió inspirada por sus métodos de trabajo, que le parecían libres y experimentales. Adoptó la técnica de trabajar en el suelo y usar movimientos sueltos y líricos mientras pintaba. Muchas de sus obras de esta época podrían describirse como pinturas de acción. Frecuentemente incluyen pintura salpicada y goteada, marcas de pincel gestuales y grandes campos de color aplicados enérgicamente.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Grabado en madera sobre papel japonés Unryu-shi de 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 in, 85.4 × 163.5 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Simultáneamente a su exploración de la pintura de acción de estilo "total", Ayres también mostró interés en la exploración directa de formas y espacios. Muchas de sus pinturas de las décadas de 1950 y 1960 contienen composiciones sueltas de círculos, cuadrados y otras formas geométricas o cuasi-geométricas. Las formas frecuentemente parecen flotar unas alrededor de otras en un vacío. Estas pinturas son puramente abstractas, pero no en el sentido de que Ayres las "abstrajo" del mundo natural. En cambio, simplemente buscó crear composiciones que no tienen contenido narrativo o figurativo alguno, porque creía en el potencial de las imágenes abstractas de formas interactuando en el espacio para ser "intoxicantes". En otras palabras, sentía que tales imágenes podrían ser embriagadoras. Creía que esta cualidad era vital para que las personas pudieran simplemente disfrutar mirando su arte sin sentir la presión de pensar lógicamente sobre él, o incluso de involucrar su intelecto en absoluto.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Grabado en madera sobre papel japonés Unryushi de 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 in, 92 × 104 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Color indulgente

Además de su amor por las formas y los espacios, Ayres era una entusiasta amante del color. Una vez dijo: “Para mí, el color en el arte es maravillosamente indulgente.” Quería que la gente disfrutara de sus pinturas. Las consideraba banquetes para los ojos. Dijo: “No veo por qué no deberías llenarte, hacerte feliz—disfrutando, deleitándote con la belleza.” Por mucho que esto suene como un punto de vista inofensivo hoy en día, hubo un tiempo en que causó que Ayres fuera profundamente desconfiada por el público británico. Esa desconfianza culminó en 1957, cuando después de ser incluida en la exposición Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres fue contratada para pintar un mural en el comedor de una escuela de Londres. Casi tan pronto como terminó el mural, los administradores de la escuela ordenaron que se cubriera con papel tapiz. Solo décadas después, después de que Ayres se hizo famosa, el mural fue redescubierto en casi perfectas condiciones bajo el papel tapiz.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, xilografía sobre papel Unryushi de 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 in, 47.8 × 57.9 cm, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

El afecto que Ayres tenía por el color como tema es evidente a lo largo de su carrera. A medida que sus composiciones se volvieron menos líricas, menos gestuales y más estructuradas y arquitectónicas con el tiempo, su amor por el color solo se hizo más fuerte. Para la década de 1980, había desarrollado una visión estética algo caprichosa y celebratoria basada en colores vibrantes y claros y formas biomórficas. Estas obras alteradas parecen estar inspiradas en la naturaleza. Algunas personas sospechan que esto se debe a que durante este tiempo de su vida, Ayres se mudó con su familia a una comunidad rural costera en Gales. Ella ha dicho que las condiciones allí, especialmente el paisaje, fueron una gran influencia en su trabajo. Sin embargo, siempre insistió en que su obra no estaba abstraída de la naturaleza, ni reducida a imágenes del campo. En algunos aspectos, las últimas pinturas que Ayres realizó son reminiscentes de los recortes de Matisse. Ambos artistas adoptaron una paleta de colores similar en sus últimas obras, y ambos desarrollaron un sentido similar de relaciones espaciales. Excepto que, mientras Matisse esperaba con orgullo evocar las formas y figuras del mundo natural en su obra tardía, Ayres se mantuvo dedicada hasta el final a que sus obras no estaban basadas en nada. Son solo imágenes de colores y formas en el espacio sin significado más allá de sí mismas, ofreciendo puro placer a los espectadores lo suficientemente valientes como para entregarse a su belleza.

Imagen destacada: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Grabado en madera sobre papel japonés Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 in, 78 × 116 cm, Edición de 18, foto cortesía de Alan Cristea Gallery, Londres

Por Phillip Barcio