La historia de una pionera - Lygia Pape
El 23 de marzo de 1959, apareció un ensayo en el suplemento dominical del Periódico de Brasil. Fue firmado por siete artistas brasileños, entre ellos Lygia Pape. Explicaba con detalle exacto lo que los artistas estaban pensando. No que explicara su arte, exactamente. Más bien explicaba sus razones para crear arte y su esperanza sobre lo que su arte podría lograr dentro de la sociedad. Conocido como el Manifiesto Neoconcreto, el ensayo marcó un punto de inflexión en la historia del arte brasileño. Y con la ventaja de la retrospectiva, ahora podemos decir con certeza que también marcó un punto de inflexión en la historia del arte del siglo XX en general. Expresó de manera concisa muchos de los problemas con las formas de arte no objetivas que surgieron en la primera mitad del siglo XX, y propuso varias ideas sobre cómo superarlos para crear un enfoque más constructivo, abierto y universal del arte abstracto. De todos los artistas que firmaron el Manifiesto Neoconcreto, Lygia Pape se convirtió en la más influyente. Su método simple, elegante y preciso dio lugar a una obra que sigue sintiéndose fresca e inspiradora hoy en día.
Expresión del Problema
Para cualquiera que no entienda por qué existe el arte abstracto, o por qué surgió cuando lo hizo o de las maneras en que lo hizo, Brasil es un excelente punto de referencia. El auge del arte abstracto en Brasil se dio por razones bastante fáciles de entender. La historia brasileña antes de 1945 es en muchos sentidos una historia de explotación, luchas de poder y control autoritario. Casi todo el arte que los artistas brasileños hicieron antes de 1945 era figurativo, gran parte hecho directamente al servicio de agendas políticas. Es fácil imaginar que cuando, en 1945, el país experimentó una ola de reformas liberales que acompañaron el regreso al gobierno democrático, el optimismo y la esperanza fueron grandes en la mente de los artistas, quienes naturalmente creían que finalmente tendrían la libertad para desarrollar una verdadera vanguardia brasileña. Y al igual que con sus contrapartes europeas y americanas, esa nueva libertad se manifestó de manera natural en el deseo de hacer arte que no tuviera narrativa política o social, ni contexto sentimental alguno.
Tiene sentido. Después de haber estado obligado a pintar murales de generales toda la vida, naturalmente querrás explorar algo diferente, ¿verdad? Durante generaciones, los brasileños habían percibido el arte solo como una forma de manipular a las personas. Pero los artistas recién liberados de Brasil a finales de los años 40 pudieron buscar nuevos tipos de arte que pudieran ser percibidos como totalmente neutrales. La emergente vanguardia brasileña encontró mucha inspiración en la ola de arte abstracto europeo que comenzó a mostrarse en sus museos. De particular interés fue el Arte Concreto. Nombrado en 1930 por Theo van Doesburg, la esencia del Arte Concreto era crear obras que no hicieran referencia a nada más que a sí mismas. El arte concreto evita la sentimentalidad, el lirismo y las imágenes de la naturaleza, y tiende a abrazar formas geométricas objetivas. En opinión de muchos artistas brasileños a finales de los años 40, la filosofía del Arte Concreto expresaba perfectamente el problema: que su arte siempre había sido relegado a la expresión de agendas externas. A través del Arte Concreto, creían que finalmente podrían validar su trabajo como poseedor de significado y relevancia por sí mismo.
Lygia Pape - Sin título, 1959/1960, Xilografía sobre papel japonés, 12 2/5 × 18 9/10 in, 31.5 × 48 cm, créditos fotográficos Arte 57, Sao Paulo
Confundir la Existencia con la Ciencia
Entra Lygia Pape. Nacida en 1927 en Río de Janeiro, Pape fue una joven artista entusiasta que se unió al emergente movimiento brasileño de Arte Concreto en sus primeros días, cuando tenía solo 20 años. Pero después de solo unos años, Pape y muchos de sus contemporáneos comenzaron a notar algunos problemas con la naturaleza puramente racional y mecánica del Arte Concreto europeo. Sentían que, de alguna manera, también servía a una agenda. No servía a un partido político específico ni a un punto de vista social particular. Más bien, servía a la agenda de estar completamente desvinculado de la vida pública. No era no narrativa. Más bien tenía una narrativa autoritaria de neutralidad.
Así que en 1952, Pape y varios otros artistas, muchos de ellos estudiantes del artista y educador Ivan Serpa, formaron su propia subcategoría del Arte Concreto llamada Grupo Frente. El nombre hacía referencia a su opinión de sí mismos como la verdadera vanguardia brasileña. Adoptaron la posición filosófica de que seguir ciegamente las teorías existentes del Arte Concreto era un error. Creían que la existencia era sensorial y personal, y que la experiencia personal debía tener tanto valor como los análisis científicos en su trabajo. También abrazaron el valor de la experimentación. Aunque continuaron haciendo obras abstractas predominantemente geométricas, creían que su trabajo debía ser expresivo y subjetivo, y por lo tanto abierto a la interpretación de los espectadores.
Lygia Pape - Pintura Grupo Frente, 1954, Temple sobre tablero de madera, 15 7/10 × 15 7/10 × 1 2/5 in, 40 × 40 × 3.5 cm, créditos fotográficos Galería Luisa Strina, São Paulo (Izquierda) y Pintura (Grupo Frente), 1954-1956, Gouache sobre madera, 15 7/10 × 15 7/10 in, 40 × 40 cm, créditos fotográficos Graça Brandão, Lisboa (Derecha)
La Ruptura
Al otro lado de esta posición filosófica estaba otro grupo de artistas brasileños del Arte Concreto que se llamaban a sí mismos Ruptura. Estos artistas abrazaron un tipo de arte puramente objetivo, desapasionado y sin sentimentalismos, más cercano a los orígenes europeos del Arte Concreto. Las discusiones entre miembros de estos dos grupos se prolongaron durante años, a veces en persona en exposiciones, otras veces en la prensa. Pero eventualmente, se hizo evidente que Ruptura tenía la posición filosófica más sólida en cuanto al Arte Concreto, ya que sus orígenes eran efectivamente desapasionados y puramente objetivos.
Fue por esto que en 1959 Lygia Pape y sus colegas fundaron el Movimiento Neoconcreto y publicaron el Manifiesto Neoconcreto. La esencia de la filosofía neoconcreta era que los objetos artísticos son seres independientes que son nuevos en la existencia, que no solo ocupan espacio, sino que también participan activamente en él. Además, el significado y la relevancia del arte no son completamente conocidos ni siquiera por quienes lo crean. Por lo tanto, es vital que los espectadores puedan participar en las obras de arte para que, a través de interpretaciones individuales, la obra pueda cumplir su rango completo de significados potenciales.
Lygia Pape - Livro da Criação (Libro de la Creación), 1959-60, Gouache y temple sobre cartón, libro desplegable de 16 páginas, 30.5 x 30.5 cm cada uno, cortesía del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Relaciones en el Espacio
Bajo la bandera del Movimiento Neoconcreto, Lygia Pape creó obras que permitían al público experimentar el arte de una manera nunca antes vista. Una de las primeras cosas que hizo fue un “libro” desplegable de 16 páginas llamado Libro de la Creación. No era realmente un libro, sino 16 objetos abstractos geométricos separados pintados en colores primarios. Los objetos estaban destinados a ser manipulados por los espectadores. Su naturaleza cinética y participativa fue revolucionaria. La filosofía neoconcreta se manifestó en la capacidad que tenían los espectadores para interpretar las formas geométricas como quisieran. Pape dio a cada “página” del libro su propio nombre, relacionado con algún momento en la historia de la vida, como el dominio del fuego, la agricultura o el descubrimiento de la navegación. Pero las formas y colores estaban completamente abiertos a la interpretación. Pape dijo que esperaba que cada espectador, a través de sus propias experiencias, abordara el libro desde un punto de vista “a través del cual cada estructura puede generar su propio significado.
Ocho años después, en una elucidación aún más clara de la filosofía neoconcreta, Pape creó una de sus obras más caprichosas: el Divisor. Un enorme paño de algodón blanco con decenas de agujeros cortados, la obra invitaba a los espectadores a “vestirlo” metiendo la cabeza por los agujeros. Antes de ser “vestida”, la pieza era una forma geométrica blanca y sin sentido. Pero cuando era “vestida” por los espectadores, se convertía en un ser vivo. Conectaba al público con el arte de manera literal, y también los conectaba entre sí. La experiencia visceral era poderosa, humorística y estéticamente fascinante, y las implicaciones filosóficas se afirmaban de manera lúdica.
Lygia Pape - Livro Noite e Dia, 1963-1976 Temple sobre madera, 6 3/10 × 6 3/10 × 3/5 in, 16 × 16 × 1.5 cm, créditos fotográficos Graça Brandão, Lisboa
Un Legado Pionero
Seis años después de la publicación del Manifiesto Neoconcreto, Brasil volvió a caer en una dictadura militar. Lygia Pape continuó persiguiendo su visión vanguardista y neoconcreta, pero su obra la enfrentó muchas veces con el gobierno. Incluso fue encarcelada y torturada por ello. Lo que sus enemigos no comprendieron es que al reaccionar de esa manera ante su obra, solo validaron su valor inherente y su poder social y cultural.
Hoy muchos damos por sentado que el arte abstracto tiene el potencial de expresar las diversas dualidades que enfrentamos, como entre nuestro intelecto y nuestra naturaleza animal, lo que vemos y lo que sentimos, y nuestra existencia física y la posibilidad del espíritu. Lygia Pape fue una de las pocas artistas del siglo XX que vio ese potencial desde temprano. Tuvo la sensibilidad artística para captar la apertura inherente de las formas geométricas, y la humanidad para comprender la necesidad de mantenerse abierta. Esa combinación le permitió crear un legado que sigue inspirando a artistas y espectadores hoy en día.
Imagen destacada: Lygia Pape - Divisor, 1968, Paño de algodón, agujeros, 20m x 20m, © Projeto Lygia Pape
Todas las imágenes © Projeto Lygia Pape, todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
