El Museo de Arte Wadsworth Atheneum honra al escultor del Expresionismo Abstracto Herbert Ferber
Herbert Ferber fue un enigma. Fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y sin embargo, la mayoría de las personas hoy en día nunca han oído hablar de él. Ferber se relacionó con los más famosos de los famosos: Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Incluso expuso junto a ellos en la Galería Betty Parsons. De hecho, Ferber fue uno de los 18 “Irascibles” que escribieron una carta abierta al Museo Metropolitano de Arte en protesta por su exposición American Painting Today en 1950. Está incluido en la famosa fotografía de ese grupo notorio que acompañó el artículo de la revista Life que se acredita con la introducción del Expresionismo Abstracto al mundo. A pesar de todas estas afirmaciones de fama, sin embargo, Ferber no es exactamente un nombre conocido por todos. Una razón podría ser porque así lo quiso él. Ferber es extremadamente difícil de escribir sobre él porque estaba muy dedicado a la idea de que el arte debería ser mucho más importante que los artistas. Sentía que la idea detrás de la obra es lo que debería discutirse, y que la cuestión de qué tan bien se realizó la idea debería ser el foco de toda escritura sobre arte. No obstante, por válida que sea esta perspectiva algo existencial, me parece vital hablar del artista en cierta medida. Sin artistas y las idiosincrasias que los hacen hacer lo que hacen, no habría arte para mirar o sobre el cual escribir. Especialmente en el caso de Ferber, los detalles de su vida personal son esenciales para las ideas que desarrolló. Si no estás familiarizado con sus ideas, este es el momento perfecto para conocerlas. Una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut, titulada Herbert Ferber: Espacio en Tensión, presenta 40 obras del artista, abarcando toda su carrera y sentando las bases para entender su importancia en el desarrollo del arte abstracto.
Construir, Deshacer
Nacido en la ciudad de Nueva York en 1906, Ferber llegó a la escultura a través de la escuela de odontología. Se le exigía hacer estudios anatómicos en clase. Uno de sus instructores reconoció que tenía un talento especial para dibujar partes del cuerpo y le recomendó que persiguiera el arte como una especie de pasatiempo extra-odontológico. Ferber se inscribió de inmediato en clases nocturnas en el Instituto de Diseño Beaux-Arts en Nueva York. Aunque se graduó de odontología e incluso ejerció la odontología a tiempo parcial, su pasión por las ideas que encontró en la escuela de arte rápidamente consumió todo su tiempo libre. Comenzó con el dibujo y la pintura, pero pronto se sintió más atraído por el ámbito conceptual de la escultura.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Patrimonio de Herbert Ferber
Sus primeros experimentos escultóricos consistieron en construir capas de yeso para crear modelos figurativos de la figura humana. Ferber se refería a este proceso de construir una forma escultórica con capas como una tradición “consagrada por el tiempo”. Sin embargo, su curiosidad le llevó a buscar otros métodos. Le impresionó la forma en que la arquitectura románica creaba una falsa sensación de escala y perspectiva. Le gustaba cómo el espacio vacío dentro, por ejemplo, de una iglesia, adquiría tanta importancia como la estructura física misma. Se inspiró en esta idea de un armazón que colabora con el espacio abierto. Construir una escultura, o incluso tallar una escultura, no podía lograr esa misma sensación de espacio, así que decidió trabajar con metal. El proceso de soldadura le permitió crear lo que llamó “esculturas abiertas”, o formas que se ensamblaban para incorporar tanto materiales sólidos como espacio vacío.
Herbert Ferber - Jinete Apocalíptico II, 1947, © Patrimonio de Herbert Ferber
Escultura Abstracta Gestual
La primera gran exposición que se le otorgó a Ferber fue en la Galería Betty Parsons. Incluía lo que él llamaba esculturas “gestuales”: formas “naturalistas” con “una especie de arreglo gestual”. La obra fue considerada surrealista por algunos críticos, y abstracta por otros. Ferber dijo que ninguna de las dos descripciones era del todo precisa. Simplemente estaba experimentando con maneras de llegar a ideas simples. Quería hacer formas que atravesaran el espacio. Quería entender cuál es la diferencia entre forma y espacio. Quería explorar cómo un gesto físico podía manifestarse como un objeto sólido. Quería permitir que sus materiales y procesos expresaran su verdad. Estos, señaló Ferber, eran los temas de los que todos los artistas de la Escuela de Nueva York hablaban en ese momento. Sin embargo, no eran temas importantes para el público comprador, que en gran medida ignoró a Ferber y a la mayoría de sus contemporáneos, al menos en los primeros días.
Herbert Ferber - Homenaje a Piranesi IV B, 1963-64, © Patrimonio de Herbert Ferber
A pesar de ser pobre y en gran medida ignorado, Ferber y los demás se mantuvieron filosóficos e idealistas. Recuerda hablar sin cesar con otros artistas sobre una sola obra, profundizando cada vez más en sus ramificaciones conceptuales. Como dijo en una entrevista en 1968 para los Archivos de Arte Americano del Smithsonian, “no hablábamos del tipo de cosas que oigo hoy en día, como dónde expones o qué estás vendiendo, o qué encargos has conseguido. Pero siempre se trataba de las ideas involucradas en romper con o avanzar hacia una nueva forma o una nueva idea.” Eventualmente, esas ideas maduraron hasta convertirse en los puntos de discusión bien establecidos que ahora definen innumerables exposiciones de museos y ensayos sobre el arte estadounidense de mediados del siglo XX. Sin embargo, Ferber fue más allá. Continuó evolucionando y esforzándose en su taller. Cada elección que hizo como artista le permitió cumplir una idea, y eso siguió siendo su enfoque principal hasta el final. Su aversión a la autoengrandecimiento pudo haberlo mantenido fuera del radar de los medios masivos ya que siempre dio crédito a las ideas y no a su nombre, pero también dotó a su obra de autenticidad, vitalidad y poder. Herbert Ferber: Espacio en Tensión estará abierta hasta el 29 de julio de 2018 en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum.
Imagen destacada: Herbert Ferber: Espacio en Tensión, vista de la instalación en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum, © Museo de Arte Wadsworth Atheneum
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
