¿Qué fue la desmaterialización del objeto artístico?
Lucy Lippard—gigante de la crítica de arte estadounidense, autora de más de 20 libros y cofundadora de Printed Matter, el vendedor por excelencia de libros hechos por artistas—cumplió 80 años este año. A pesar de su multitud de otros logros, Lippard es mejor conocida por “La Desmaterialización del Arte,” un ensayo que coescribió en 1968 con John Chandler (disponible en línea aquí). En el ensayo, Lippard presentó pruebas de que el arte podría estar entrando en una fase de puro intelectualismo, cuyo resultado podría ser la desaparición completa del objeto artístico tradicional. El texto surgió de, y ayudó a contextualizar, la década anterior de arte conceptual sumamente inventivo, que a menudo dejaba solo reliquias efímeras, no archivables, o ninguna reliquia más que quizás grabaciones de experiencias. Los artistas conceptuales se dedicaban a hacer de las ideas el foco central de su obra, y muchos argumentaban convincentemente que los objetos que los artistas crean para expresar sus ideas no son más que productos de desecho, y que las ideas mismas son lo único digno de consideración. El ensayo fue enormemente influyente en su momento: tanto que Lippard lo siguió con un libro llamado Seis Años, analizando extensamente las pruebas de esta tendencia. Pero obviamente a largo plazo su premonición fue inexacta, ya que los objetos artísticos aún no se han desmaterializado. No obstante, en celebración del próximo 50º aniversario de la publicación original de La Desmaterialización del Arte, pensamos que sería oportuno dedicar un momento a profundizar en este influyente ensayo y destacar qué aspectos de él son relevantes para nuestro tiempo.
La Ciencia del Arte
Lippard basó los conceptos centrales que discutió en La Desmaterialización del Arte en una idea expuesta por primera vez en un libro llamado La Base Matemática de las Artes, escrito por el pintor estadounidense Joseph Schillinger. En ese libro, Schillinger dividió toda la historia del arte en cinco categorías de fenómenos estéticos. Primero, explicó, vino la fase “preestética” de la imitación. Luego vino el arte ritual o religioso. Después el arte emocional. Luego el arte racional, basado en la experiencia. Y finalmente la quinta, y supuestamente “última” fase estética descrita por Schillinger fue la “científica,” o lo que él llamó “postestética.” Esta fase final, predijo, culminaría en la “liberación de la idea” y conduciría a la “desintegración del arte.”
Al contemplar la evolución del arte durante las décadas de 1950 y 60, Lippard creyó que lo que estaba presenciando era la aparición de esta quinta fase del arte. Y se mostró entusiasmada con la idea. Consideraba la desmaterialización un cambio positivo y vital. Después de todo, si el objeto estético pudiera dejar de existir como el foco central del arte, entonces el arte podría liberarse de la mercantilización, el sistema a menudo vil que ejerce tanta fuerza destructiva sobre la vida y obra de muchos artistas.
Joseph Schillinger - Cuadrados Verdes, de la serie La Base Matemática de las Artes, ca. 1934, témpera sobre cartón, Smithsonian, foto vía rendaan.com
La Ciencia de las Mercancías
Como prueba de que la desmaterialización había comenzado, Lippard citó movimientos como Luz y Espacio, que eran visuales pero no basados en objetos, y Minimalismo, que redujo drásticamente el objeto estético. Ella creía que tales movimientos disminuían la importancia del aspecto visual de una obra, definiendo lo visual más como un punto de partida para una experiencia inmaterial e intelectual. Pero una de las primeras y evidentes críticas a La Desmaterialización del Arte fue que, aunque estos conceptos efímeros y conceptuales eran menos basados en objetos, aún así resultaban en fenómenos físicos. Incluso un artista de performance crea algo—una actuación—que puede venderse como experiencia o grabarse.
No importa cuán pequeño sea el relicario que un artista cree, puede volverse fetichizado y comerciado como mercancía. La única forma de evitar completamente la posibilidad de mercantilización es no compartir nunca una idea: entonces quizás se pueda preservar la reverencia y la santidad de la experiencia intelectual. Pero solo las ideas compartidas pueden llamarse verdaderamente arte. Y tan pronto como una idea se comparte, puede poseerse, manipularse y expresarse de otras maneras, o en otras palabras, materializarse. Y tan pronto como algo se materializa, puede comprarse y venderse como mercancía.
Joseph Schillinger - Estudio Inconcluso en Ritmo, serie desarrollada a partir de La Base Matemática de las Artes, ca. 1934, crayón y lápiz sobre cartulina para ilustración, hoja: 14 7/8 x 19 7/8 pulgadas (37.78 x 50.48 cm), Colección Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
Las Cinco Fases
Releyendo La Desmaterialización del Arte hoy, el único error verdadero que parece evidente es cómo presenta las cinco fases del arte, según Schillinger, como algo lineal. Siempre es tentador para cada generación verse a sí misma como en la vanguardia de la modernidad. Schillinger pensaba que el arte había progresado históricamente a través de fases, y Lippard creía que formaba parte de la generación que estaba llevando el arte hacia su ápice evolutivo. Pero el tiempo no avanza; solo pasa. La cultura no es lineal; se repite. La humanidad retrocede tan rápido como avanza. Y la verdad fue en los años 60 y 70, y sigue siendo hoy, que los artistas encuentran formas de desmaterializar tan rápido como otros redescubren cómo materializarlo.
En última instancia, Lippard debió darse cuenta de esto incluso mientras escribía sobre la desmaterialización, porque su ensayo concluye preguntando si es probable que pronto se alcance el llamado punto cero en el arte. La respuesta, afirma, es: “Parece poco probable.” Incluso hoy, cuando los artistas venden creaciones virtuales que existen solo en el espacio digital, aún podemos argumentar que la desmaterialización es una fantasía. Todo lo que puede verse es por definición material, aunque solo pueda verse a través de gafas de realidad virtual. Pero en nuestra opinión eso solo prueba que quizás lograr la desmaterialización nunca fue realmente el objetivo. El punto que Lippard realmente quería hacer era simplemente que un aspecto importante del arte visual es dedicarse incansablemente a la búsqueda de cómo expresar más con menos. Cualquier artista que trabaje hacia la desmaterialización también trabaja hacia la sencillez. Y la sencillez conduce al descubrimiento de lo que es verdaderamente indispensable y, por tanto, verdaderamente significativo. Eso definitivamente no es la fase final del arte. Pero es una que puede recordarnos cuál es el verdadero valor del arte.
Imagen destacada: Joseph Schillinger - Ritmo Rojo (detalle), serie desarrollada a partir de La Base Matemática de las Artes, ca. 1934, gouache sobre papel, área de imagen: 8 x 11 15/16 pulgadas (20.32 x 30.32 cm); hoja: 10 1/2 x 13 7/8 pulgadas (26.67 x 35.24 cm), Colección Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
