Por qué importan las pinturas de cuadrícula de Stanley Whitney

Las recientes pinturas del pintor abstracto estadounidense Stanley Whitney tienen una calidad distintiva de cuadrícula. Son apilamientos arquitectónicos de colores, evocadores de las barras de color de la televisión neoplástica. Y sus recientes dibujos exponen aún más su atracción por la cuadrícula, que consiste en composiciones simples de gruesas líneas negras que se asemejan a un tablero de ajedrez rudimentario o a una red de pesca. Pero Whitney no siempre fue un pintor de cuadrículas. La cuadrícula fue algo hacia lo que le tomó décadas gravitar. De hecho, al revisar las cinco décadas de sus pinturas, no se puede evitar adjuntar una especie de narrativa progresiva a la obra, una que se ha extendido mucho más allá de sus orígenes y se ha vuelto tanto más simple como más profunda en el camino. Esto es irónico porque Whitney dijo una vez en el Modern Art News Podcast que la razón por la que adoptó un lenguaje visual abstracto fue porque, “No quería ser un narrador.” Pero su evolución estética sí cuenta una historia. No es una historia típica, heroica, de principio-medio-fin. Es más bien como una cronología, o una serie de informes noticiosos desde las líneas del frente de una batalla en curso. Esa batalla, que Stanley Whitney ha estado librando desde incluso antes de volverse hacia la abstracción a finales de los años 60, es con los medios de la pintura y el dibujo, y su papel en la expresión del color y el espacio.

Una juventud colorida

No es de extrañar que Stanley Whitney se haya hecho conocido por su examen del color. Ahora en sus 70 años, cuenta una hermosa historia sobre ser un niño de diez años que asistía a su primera clase de pintura en una escuela del vecindario en su ciudad natal de Bryn Mawr, Pennsylvania. El maestro instruyó a los niños de la clase a pintar autorretratos. Mientras que los otros estudiantes intentaban capturar sus diversos rostros realistas, Whitney se sintió más atraído por el color que por el tema representacional.

En lugar de intentar mezclar una paleta de colores que se relacionara con su apariencia real, hizo un autorretrato que incluía todos los colores que pudo imaginar. Whitney dice que al maestro le gustó la pintura, pero sus padres no la entendieron. Nunca lo enviaron de regreso a la clase. Pero eso no detuvo a Whitney de sentirse atraído por las posibilidades de la pintura y del color. De hecho, no es exagerado decir que desde aquel día, cuando tenía diez años en su primera clase de pintura, Stanley Whitney ha permanecido comprometido a buscar la manera ideal de hacer del color su tema.

Stanley Whitney - Champagne y León, 2010, créditos fotográficos de Galerie Nordenhake

Encontrando espacio

Además de su atracción por el color, Stanley Whitney también se sintió atraído desde joven por el proceso de dibujar. Sus dibujos en blanco y negro parecían al principio no estar relacionados con su amor por el color, pero había una conexión sutil entre los dos que le llevó muchos años darse cuenta. La conexión tiene algo que ver con el espacio. Al hacer sus dibujos en blanco y negro, descubrió que la distribución del espacio podía ocurrir de innumerables maneras a medida que las líneas negociaban su relación con el espacio blanco en la composición. Sin embargo, a medida que se volvió más hábil en la pintura, se sintió desconcertado por cómo lograr esa misma negociación del espacio con el color.

En sus primeras obras figurativas, los colores se sienten claustrofóbicos y ajustados. En sus primeras incursiones en la abstracción, que eran variaciones sobre la Pintura de Campo de Color con marcas gestuales añadidas, los colores se sienten demasiado sueltos. Dijo: “Quiero mucho aire en la obra. Quiero mucho espacio en la obra.” Pero parecía estar abrumado por exactamente cómo crear ligereza sobre el espacio del lienzo. Su revelación llegó en la década de 1970 durante un viaje al Mediterráneo. Mientras visitaba Egipto y Roma, vio la respuesta en la arquitectura y la luz. La arquitectura antigua expresaba estructura, control y el potencial democrático de los elementos apilados. Las sombras y la luz del Mediterráneo le mostraron que el color y la luz son lo mismo, y que los colores fríos y cálidos, como la luz fría y cálida, expresan espacio. Eso desbloqueó un misterio de la pintura que, como él dice, “El aire y el espacio podrían estar en el color, no que el color estuviera en el espacio.”

Stanley Whitney - Sin título, 2013, grafito sobre papel, créditos fotográficos de Galerie Nordenhake

Un Proceso Metódico

“Ese fue el comienzo de que las cosas se unieran,” dice Whitney. A partir de ese momento, ha estado evolucionando lentamente hacia las pinturas de cuadrícula que hace hoy. Ha explorado el uso de gestos similares al graffiti para determinar cómo se puede expresar el color a través de la línea, similar al trabajo de Mondrian. Ha examinado formas de abordar la cuadrícula, desde formas apiladas hasta filas de puntos y bandas de colores. Sabía que quería un marco esquelético para contener sus colores de manera equitativa, pero que tampoco quería que la regla de la cuadrícula forzara sus piezas en una dirección particular. Quería encontrar la mezcla perfecta de estructura y libertad, como el Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, óleo sobre lino, créditos fotográficos de Galerie Nordenhake

Las obras de la cuadrícula madura que Stanley Whitney ahora crea son puras y estables. Incluso parecen, a primera vista, carecer de parte de la dureza y la angustia que hacían que sus esfuerzos anteriores se sintieran tan vivos. Pero al examinar más de cerca, las marcas pictóricas de la mano humana son evidentes, y la complejidad de las composiciones revela la profundidad con la que Whitney aún lucha con su enigma. Ha encontrado una manera de hacer del color su tema. Ha descubierto el secreto de que el color y la luz son lo mismo, y son ambas manifestaciones del espacio. Y a través de estos descubrimientos, ha creado un cuerpo de trabajo que es rico y, sin duda, lleno de significado. Pero a pesar de sus descubrimientos, se ha mantenido al borde de la navaja, nunca revelando, o quizás nunca sabiendo o preocupándose por saber, precisamente cuál es ese significado.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, óleo sobre lienzo, créditos fotográficos de Galerie Nordenhake

Imagen destacada: Stanley Whitney - Sin título, 2016, óleo sobre lino, créditos fotográficos de Galerie Nordenhake
Todas las imágenes © el artista y Galerie Nordenhake;
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio