Haastattelu Jeremy Annearin kanssa

Jeremy Annear (s. 1949) on erittäin arvostettu ja menestynyt abstrakti taiteilija, joka asuu Cornwallissa, Englannissa. Hänen teoksiaan on muun muassa Ionian Trustin ja The Royal Holloway Collectionin kokoelmissa, ja hän on näyttänyt töitään kansainvälisesti Kanadassa, Amerikassa, Saksassa, Ranskassa ja Hollannissa; kaikki nämä paikat ovat vaikuttaneet hänen taiteeseensa omalla ainutlaatuisella tavallaan. Hänen viimeisin näyttelynsä Lemon Street Galleryssä Trurossa, yhteisnäyttely vaimonsa Judy Buxtonin kanssa, toimi eräänlaisena kotiinpaluuna taiteilijalle, jolle Cornishin maisema on suuri inspiraation ja pohdinnan lähde. Puhuimme Jeremyn kanssa näyttelystä, hänen urastaan ja hänen näkemyksestään abstraktiota kohtaan.

Voisitko kertoa meille viimeaikaisesta näyttelystä "Twofold: in Art and Life" Lemon Street Galleryssä?

Lemon Street Gallery on johtava galleria Cornwallissa, ja sillä on erittäin hyvä maine kansallisesti. Se sijaitsee kolmessa kerroksessa, ja vaimoni Judy oli alun perin suunnitellut pitävänsä näyttelyn koko galleriassa, mutta kun hän ei halunnut vallata kaikkia kolmea kerrosta, galleristi Louise Jones sai meidät molemmat esille. Minulla oli yksityisnäyttely gallerian kellarissa, joka on kaunis valkoinen kuutio, hyvin pelkistetty ja nykyaikainen tila, joka sopii teoksilleni erinomaisesti. Näyttelyssä oli noin 30 teosta.

Tämä oli ensimmäinen kerta, kun jaoitte näyttelyn vaimosi kanssa. Oliko teostenne välillä vuorovaikutusta?

Ei, teoksemme ovat todella hyvin erilaisia, ja se on varmaan salaisuus kolmenkymmenen vuoden onnistuneeseen maalausyhteistyöhömme. Minulla on valtava kunnioitus Judyä kohtaan ilmaisullisena figuurimaalari­na, ja mielestäni hänellä on uskomaton silmä. Minä tulen hyvin erilaisesta taustasta, modernistisen perinteen kautta, juureni ulottuvat ikonimaalaukseen ja sitten italialaiseen Quattrocento-maalaustaiteeseen, joten kuljen siitä kuvamaailmasta 1900-luvun modernismin ja sellaisten taiteilijoiden kuten Picasso ja Paul Klee kautta. Teoksissa on hyvin erilainen aistimus.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Öljy kankaalle. 80 x 100 cm.

Kuvailet leikkisää lähestymistapaa maalaamiseen: voisitko avata tätä puolta työskentelyssäsi?

Uskon, että leikillä on syvempi merkitys kuin yleisesti ymmärretty leikin käsite – että jos leikit, et tee mitään vakavaa –, mutta uskon, että luovuudessa ja ajattelussa leikki on kevyt ote, jossa tunnistat ironian, vertauksen ja jopa kepposellisuuden ja ilkikurisuuden piirteitä, kuten kirjallisuuden "hölmö". Kun puhun leikistä, tarkoitan sitä tässä merkityksessä; se on tila, jossa vapautut pedanttisesta vakavuudesta, mutta sillä on toinen, hyvin tuottelias vakavuuden laji.

Voisitko kuvailla kokemuksiasi työskentelystä ja näyttelyistä muissa maissa?

Minulla on aina ollut hyvä suhde teosten näyttämiseen Saksassa ja Sveitsissä. Asuin vuoden Worpswedessä, Saksassa. Se on aivan uskomaton paikka, joka tarjoaa monille taiteilijoille, muusikoille ja kirjailijoille työhuoneita – minun residenssini oli hyvin antelias DAAD-apuraha – ja oli hyvin mielenkiintoista olla Saksassa, työskennellä siellä ja kohdata muita taiteilijoita, monia Itä-Euroopasta, mutta myös useita saksalaisia taiteilijoita, ja kokea Saksassa se hieman ylivoimainen tunne, että asioiden on oltava hyvin tarkasti tehtyjä ja selkeitä. Maisema heijasti tätä, sillä se on Pohjois-Saksan ojitettua suoaluetta. Se on paljon rämettä, joka on ojitettu, joten vaikka en ollut lähellä merta, tunsin istuvani meren päällä. Se on turvesuo, ja maisemaan on kaivettu mustia patoja sen hallitsemiseksi, luoden hyvin järjestettyjä suoria linjoja kilometreittäin, mutta samalla kasvillisuus alkaa vallata alaa ja osa järjestyksestä hajoaa villin luonnon vallatessa. Se on kaunis maisema, mutta minulta kesti kauan päästä siihen sisälle, koska se tuntui melkein pelottavalta, niin ankara ja jäykkä se oli. Kun pääsin sisälle, nautin siitä todella. Olen myös työskennellyt laajasti Australiassa, Espanjassa ja Ranskassa, joten pidän työskentelystä kuumuudessa. Pidän kulttuurista, joka usein liittyy lämpimiin paikkoihin: kyvystä olla fyysisesti vapaampi kuumassa maassa kuin kosteassa vanhassa Cornwallissa!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Öljy kankaalle. 100 x 80 cm.

Ovatko kaikki nuo eri paikat vieneet työtäsi eri suuntiin?

Ne ovat antaneet minulle kyvyn nähdä työni laajemmin. Saksassa olin hyvin kiinnostunut kollaasin ideasta, sekä filosofisesti että kollaasin tekemisessä, ja ajatuksesta, että yksi käsite tai idea asetetaan päällekkäin toisen idean kanssa; kerroksellinen työskentelytapa. Australiassa minut hämmästytti myrkyllinen tunne maisemasta, joka rappeutuu mutta uusiutuu, ikään kuin sitä koeteltaisiin jatkuvasti tulen kautta. Ranskassa ja erityisesti Espanjassa pidin espanjalaisten rohkeasta asenteesta – Espanja on kuuma maa, jossa on vähän vaarallinen poliittinen ilmapiiri, ja pidän siitä terävyydestä; pidän siitä pimeydestä, jonka äärimmäinen kirkkaus luo: valon ja varjon leikistä. Pidän kuumuuden luomista punaisista sävyistä. Tietyt asiat eri maissa ovat todella vaikuttaneet työskentelyyni.

Miksi valitsit abstraktion?

Yksinkertainen vastaus on, että abstraktio valitsi minut. Hengelliset ja filosofiset suuret kysymykset ovat aina vetäneet minua puoleensa jo nuoruudessani. Se on aina ollut olemassa taiteessa ja liittyy siihen, miksi ja miten: muotoon ja käsitteeseen kertomuksen ja figuurin takana.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Öljy kankaalle. 60 x 40 cm.

Uskotko, että abstrakti maalaus on kokenut renessanssin viime vuosina?

En oikeastaan usko. Minulla on melko vahvoja tunteita erityisesti brittiläisestä suhtautumisesta abstraktioon, koska mielestäni britit yleisesti kokevat abstraktion hyvin vaikeaksi. Brittiläinen aistimus on löytää kertomus asioista, meillä on vahva kirjallinen ja musiikillinen perinne Britanniassa, mutta taideperinne ei ole ollut yhtä vahva abstraktion suhteen. Saksassa osataan paljon paremmin käsitellä abstrakteja käsitteitä ja ajattelua. Taidemaailmassa on anekdoottien mukaan taipumus valokuvantarkkaan, virheettömästi viimeisteltyyn täydellisyyteen, joka ei välttämättä ole abstraktia, mutta jossa on kerroksia merkityksiä, postmoderni lähestymistapa: kollaasimainen yhdistelmä abstraktiota ja figuuria. Rakastan puhdasta abstraktiota, vaikka en ole aina ollut puhdas abstraktionisti; olen todennäköisesti käynyt läpi vaiheen, jossa abstraktoin esineitä siihen pisteeseen, jonka nyt koen puhtaaksi abstraktioksi.

Työskenteletkö koskaan uudelleen jo tehtyjen teosten parissa tai palaatko aiempaan tuotantoon?

Olen palannut teosten pariin ja työskennellyt niissä uudelleen. En koskaan työskentele yhden teoksen parissa kerrallaan; työskentelen kokonaisen teossarjan parissa. Minulla on useita maalauksia, joita voin työstää studiossa. Uskon myös, että elämäni maalari­na ei ole yksittäisissä maalauksissa, vaan pyrkimyksessä tehdä mahdollisimman olennaisia ilmaisuja yksinkertaisesti ja pelkistetysti. Ihanteellinen maalaukseni olisi täysin tyhjä tila, mutta samalla vangitseva pinta, mutta se on täydellisyyttä, jota tiedän, etten koskaan saavuta! Luulen, että etsin todella kieltä, jota puhun; maalaus on kieleni, ja yritän löytää parhaan tavan sanoa haluamani asiat mahdollisimman ytimekkäästi.

Onko jokin viimeaikainen näyttely erityisesti jäänyt mieleesi?

Näin äskettäin Louise Bourgeois'n näyttelyn Malagassa Picasson museossa, joka oli aivan uskomaton, ja pidän todella hänen töistään. Nautin myös äskettäisestä vierailusta Mirón museossa Barcelonassa. Braque on aina ollut minulle kuin maalaustaiteen isä, hänen teoksissaan on jotain, mikä vetää minua voimakkaasti puoleensa. Katsomalla Braquen elämää, hänen maalaustensa ylä- ja alamäkiä ja ihmistä itseään: pidän hänen elämäänsä kiehtovana. Olen modernismin rakastaja kaikissa sen muodoissa, musiikissa, arkkitehtuurissa ja taiteessa. Ja olen suuri brutaalismin arkkitehtuurin ja minimalismin musiikin ystävä.

Esittelykuva: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Öljy kankaalle. 70 x 90 cm.