Selaaminen digitaalisen abstraktin taiteen alueen taideteoksiin

Digitaalisen teknologian nopea kehitys on vaikuttanut syvästi kaikkiin olemassaolon osa-alueisiin, eikä taide ole voinut välttyä sen häiritsevältä vaikutukselta. Nykytaide syntyy hiiren klikkauksesta - tai viime aikoina, näytön kosketuksesta - samalla kun ohjelmistot ja sovellukset, jotka mahdollistavat taiteilijoiden luoda digitaalisessa maailmassa, lisääntyvät räjähdysmäisellä vauhdilla. Juuri sen ei-edustavan ja ei-mimeettisen luonteen ansiosta abstrakti taide on saanut eniten hyötyä tästä vertaansa vailla olevasta teknologisesta muutoksesta. Digitaalinen abstrakti taide kukoistaa, kun uudet ohjelmistotoiminnot tarjoavat lukemattomia kiehtovia esteettisiä valintoja - vain klikkauksen päässä. Ohjelmisto on kiistatta digitaalisen abstraktin taiteen keskeinen keskus, ja se on auttanut laajentamaan luovuuden horisontteja ylittämättömällä tavalla. Vaikka monet taiteilijat yhdistävät digitaalista perinteiseen maalaamiseen, veistämiseen tai valokuvaukseen, he turvautuvat lopulta ohjelmistoon työstääkseen teostensa ydintä ja tutkiakseen uusia taiteellisia rajoja. Vaikka Photoshopia, Adobe Illustratoria ja Corel Painteria käytettiin laajalti realististen ja figuurillisten kuvittajien ja valokuvaajien keskuudessa, monet sen suodattimet (kuten Photoshop Wave) ovat tunnettuja valtavan monenlaisten abstraktien kuvioiden luomisesta. Monet uskovat kuitenkin, että vain generatiiviset algoritmit voivat luoda aitoa (koodipohjaista) abstraktia taidetta, ja kasvava määrä työkaluja, ohjelmia, kehyksiä ja kieliä on otettu käyttöön tämän uskomuksen tukemiseksi. IdeelArtissa meillä on taiteilijoita, jotka kuvaavat työtään uusmediataiteena ja käyttävät kaikkein monimuotoisinta digitaalista teknologiaa sen luomiseen. Tällä viikolla esittelemme ylpeinä viisi kiehtovinta digitaalista abstraktia teosta, jotka voit lisätä kokoelmaasi.

Luuk de Haan - Straec 26

Osa hänen vektoripohjaisesta Straec-sarjastaan, Straec 26, ilmentää alkuperäistä merkitystä, joka on vangittu vanhan englannin sanaan stræc - jotain, joka on jäykkää venyttämisen jälkeen - sillä hänen kuvansa näyttävät venytetyiltä mutta jäykiltä. De Haan kokeili vektorien ideaa aikaisemmassa geometrisessa abstraktissa sarjassaan, sillä vektorit, matemaattisena määränä, viestivät kulkusuunnasta kohti pistettä kolmiulotteisessa tilassa. Hänen luova prosessinsa alkaa väripaletin valinnasta ja sen jälkeen hän käyttää kuvankäsittelyohjelmistoa luodakseen suorakulmioita pinnalle. Nämä suorakulmiot ovat alkuperäinen piste, josta hän syventyy satunnaisten kolmiulotteisten ja muiden geometristen muotojen tuottamiseen, jotka herättävät vektorien olemuksen. Inspiroituneena Malevichin ja Mondrianin geometrisesta abstraktista työstä, de Haan paljastaa osuvasti minimalistisen estetiikkansa ja komposition, jota määrittävät itsevarmat, geometriset muodot, selkeät viivat, sileät pinnat, jotka resonoivat nopeasti hänen visuaalisen sanastonsa kanssa. De Haania juhlitaan laajalti hänen erottuvan ilmaisunsa vuoksi, jossa hän luo geometrisia kompositioita käyttämällä kuvankäsittelyohjelmistoa, jonka hän valokuvaa suoraan näytöltä. Hän muuttaa fyysisiä olosuhteita, joissa valokuva otetaan, korostaen epävarmuutta ja arvaamatonta yllätyselementtiä, joka paljastuu vuorovaikutuksessa digitaalisen kuvan kanssa. Uudelleen syntyneet kuvat vangitsevat luonnollisen ja orgaanisen visuaalisen eloisuuden sekä tiukan graafisen tutkimuksen muodon, värin, geometrian ja viivan osalta. De Haan syntyi Vlaardingenissä, Etelä-Hollannissa, Alankomaissa. Hän on visuaalinen taiteilija ja äänisuunnittelija. Hänen visuaalinen taiteensa perustuu valokuvauksen, piirtämisen ja digitaalisten työkalujen medioihin luodakseen orgaanisia, geometrisia abstrakteja kompositioita.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Uuden median taide. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Osa Kanen viimeisimmästä Emanations-sarjasta, EM-78 Vajra 3, tutkii valoa valokuvauksen kaikkein olennaisimpana aspektina. Visuaalisesti kysellen sanskritin sanan vajra - mytologisen aseen, jota jumala Indra käyttää ja joka symboloi sekä timantin ominaisuuksia (tuhoamattomuus) että ukkosenjohdinta (vastustamaton voima) - merkityksen epäselvää kaksinaisuutta, Kane skannaa vajran kuvaa, sumentaa sen sen kaikkein rajallisimmiksi mahdollisuuksiksi ja venyttää sitä, kunnes jäljelle jää vain tislattu kuva väreistä ja muodosta. Hän käyttää huolellisesti tietokoneohjelmistoa ilmaisemaan valon hengellistä potentiaalia valokuvauksen määrittävänä elementtinä. Hänelle tämä on lähtökohta suuremmille havaintokokemuksille, ja hänen aikomuksensa Emanation-sarjassa oli kääntää ainutlaatuinen hengellinen ilmiö joksikin maalliseksi, nykyaikaiseksi ja universaaliksi. Kane on amerikkalainen monimedia-taiteilija, jonka työ ylittää valokuvauksen, maalaamisen ja painamisen rajat pyrkiessään tutkimaan, mitä kuva on ja mitä se voi olla. Hän asuu ja työskentelee Kaliforniassa, lähellä San Franciscoa.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigmentti kankaalla. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Toinen Kane'n teos, joka kuuluu hänen viimeisimpään Emanations-sarjaansa, EM2020-59, tutkii edelleen valon ominaisuuksia eteerisenä elementtinä, joka siirtää valokuvan materiaalista luonteenpiirteet metafyysiseen/hengelliseen alueeseen. Skannattu kuva buddhalaisesta thangkastä - maalauksesta, joka kuvaa buddhalaisuutta - on jälleen sumea ja venytetty, mikä johtaa vain tislattuun kuvaan väreistä ja muodoista. Kane tulostaa nämä vähennetyt kuvat vesiväripaperille buddhojen valokappaleiden elementaarisina esityksinä, jotka myöntävät siunauksen niille, jotka katsovat niitä. Hän tulkitsee näitä siunausta rauhallisuuden ja tietoisuuden hetkinä ja pyrkii herättämään saman rauhallisuuden ja tyyneyden kokemuksen, jonka katsoja elää kohdatessaan Rothkon tai Turrellin taidetta. Kanea inspiroi syvästi ajatus siitä, että eloton esine, joka on luotu teknologian soveltamisen kautta, voisi myöntää tällaisen tunteen katsojalle.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigmenttia vesiväripaperilla. 50.8 x 50.8 cm.

Jeesus Perea - M338

Hän etsii kauneutta geometrian kautta, Perea tutkii rationaalista rakennetta, joka korostaa älykkyyden ennakoimatonta ja tunteellista luonteenpiirrettä. Hahnemuhle photo rag -paperille painettu M338 kiteyttää Perean ainutlaatuisimman ilmentymän graafisesta abstraktiosta. Hän vaihtelee kuvittamisen ja ekspressionismin välillä, yhdistäen järjen maailman ja tunteiden maailman ilmaisullisessa ja vakuuttavassa digitaalisessa luomuksessa. Geometrisen ja biomorfisen välissä nousee esiin luonnon matemaattinen kauneus, joka paljastaa sekä rakenteen että ilmaisun salaisuudet. Hänen digitaalisesti luodut teoksensa herättävät jatkuvan liikkeen tunteen - vaikka ne ovat valmiita, ne tuntuvat olevan elossa potentiaalista. Hän metsästää tarkoituksellisesti kuvia, jotka leijuvat menneisyyden ja tulevaisuuden välillä; arkkitehtonisten ja luonnollisten maailmojen välillä. Vuonna 2018, kolmen vuoden jälkeen, jolloin hän käytti ainoastaan tietokonetta sävellystyökaluna, hän tunsi tarpeen kokea jälleen käsin ja digitaalisesti luomisen prosessien yhdistämisen rytmi ja kehitys, ja M338 on esimerkki hänen paluustaan kahden alueen sekoittamiseen loputtomassa kauneuden ja puhtaan tunteen etsinnässään. Perea on monialainen abstrakti taiteilija, joka asuu ja työskentelee Madridissa, Espanjassa. Richard Caldicottin, Luuk de Haanin ja Pieter Bijwaardin kanssa Perea on nykyaikaisen abstraktin taiteen kollektiivin Mother Universe jäsen.

Jesús Perea - M338, 2018. Digitaalinen luomus, painettu Hahnemuhle Photo Rag 308 g:lle. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Tämä uusin Snelliltä paljastaa rytmisiä, harmonisia visuaalisia rakenteita, jotka siirtävät katsojan puhtaan ajatuksen syvyyksiin. Hän luo visuaalisia ehdotuksia, jotka kääntävät pohdinnan aidosti meditaatiotilaksi. Bleed # 202001 paljastaa Snellin värisuhteiden dynamiikan, joka syntyy hänen kompositioidensa arkkitehtonisten näkökohtien ja hänen eloisien, säihkeiden pintojensa yhdistelmästä. Meta-semanttiikan ja representaation puuttuminen vetää katsojan primitiivisen ja tonaalisen esteettisen aineen keskelle. Tässä primordiaalisessa kokemuksessa katsoja upotetaan väriin, rytmiin ja tilaan, joka avautuu hänen tulkinnalliselle pohdinnalleen, näin raivaten tietä puhtaalle transsendenssille. Hän vangitsee objektin tai paikan perinteisellä kameralla, digitaalisti purkaa visuaalisen tiedon vähentäen ja yksinkertaistaen värejä ja muotoja, kunnes nämä vähennetyt elementit avautuvat itseviittaaviin suhteisiinsa. Tämä avautumisprosessi kartoittaa epäselvyyden ja siirtymätilat, jotka ovat olennaisia välineelle. Snell yhdistää perinteisiä ja digitaalisia tekniikoita tutkiakseen abstraktion ja minimalismin mahdollisuuksia nykyaikaisessa valokuvamediassa. Hän asuu ja työskentelee Launcestonissa, Tasmaniassa.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Kromogeeninen printti, kasvoille kiinnitetty 3 mm matta plexiglas. 180 x 115 cm.

Esittelykuva: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, näyttelynäyttö.
Kirjailija: Jovana Vuković