Kuvio- ja koristeliikkeen keskeiset hahmot

Pattern and Decoration -liike on saanut erityisen aseman nykytaiteen historiassa. Se syntyi 1960-luvun feministisen taiteen liikkeen pohjalta ja julisti itsensä eräänlaiseksi ”kolmanneksi tavaksi” figuuratiivisen ja abstraktin taiteen välissä. Liikkeen johtajat tunnistivat, että koristeellisen taiteen tekemisen vaisto on ollut olennainen osa jokaista ihmiskulttuuria sivilisaation alusta lähtien. He myös ymmärsivät, että patriarkaalinen länsimainen sivistys oli jostain syystä ja jossain vaiheessa ottanut kannan, jonka mukaan koristeellista taidetta tulisi alistaa vähemmän tärkeäksi ja vakavasti otettavaksi kuin muihin niin kutsuttuihin kuvataiteisiin. Pattern and Decoration -liikkeen perustajat hylkäsivät tämän oletuksen jyrkästi ja julistivat muodollisen lähestymistapansa koristeelliseen työhön yhtä merkitykselliseksi, tärkeäksi ja historiallisesti arvokkaaksi kuin minkä tahansa muun esteettisen näkemyksen. Liikkeen yleinen filosofia muotoiltiin vuonna 1978 kahden perustajan, Valerie Jaudonin ja Joyce Kozloffin, toimesta heidän mahtipontisessa manifestissaan Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Sen aloitusjaksossa todetaan: ”Feministeinä ja taiteilijoina, jotka tutkivat koristeellisuutta omissa maalauksissamme, olimme uteliaita sanan ’koristeellinen’ halventavasta käytöstä nykytaiteen maailmassa. Lukiessamme uudelleen modernin taiteen perusjulkaisuja huomasimme, että ennakkoluulo koristeellista kohtaan on pitkäaikainen ja perustuu hierarkioihin: kuvataide koristeellisen taiteen yläpuolella, länsimainen taide ei-länsimaisen taiteen yläpuolella, miesten taide naisten taiteen yläpuolella. Keskittymällä näihin hierarkioihin löysimme häiritsevän uskomusjärjestelmän, joka perustuu länsimaisen sivistyksen taiteen moraaliseen ylemmyyteen.” Näin ollen liikkeen johtajat päättivät sysätä nämä vanhentuneet ja turhat hierarkiat historian roskakoriin. Heidän työnsä perintö on voimakasta kauneutta ja älyllistä ihmetystä. Vasta nyt yleisöt todella alkavat ymmärtää tämän elinvoimaisen liikkeen voiman ja sen roolin, jota se yhä näyttelee nykytaiteen kentän oikeudenmukaisemmaksi, avoimemmaksi ja täydellisemmäksi tekemisessä.

Viisi liikkeen johtajaa

Jo vuonna 1960 Miriam Schapiro hylkäsi aikakauden hallitsevat esteettiset suuntaukset löytääkseen ainutlaatuisen henkilökohtaisen visuaalisen äänen, joka perustui pitkälti hänen naiseuteensa. Hänen ensimmäiset protofeministiset teoksensa olivat ”Pyhäköt”, jotka toimivat eräänlaisena pyhitettynä siltana naisellisuuden, henkisyyden ja modernistisen ruudukon kapeasti rajatun kielen välillä. Hän loi myöhemmin useita muita tunnusomaisia feministisiä teossarjoja, mukaan lukien monumentaaliset ”Tuuletin”-teokset sekä sarjan terävärajaisia, geometrisia abstrakteja teoksia, jotka esittävät rohkeita, valovoimaisia kuvia arkkityyppisestä naisellisesta symboliikasta. Vuonna 1973 Schapiro osallistui ”Womanhouse”-näyttelyyn, yhteen merkittävimmistä feministisistä taideteoksista kautta aikojen. Hän myös myöhemmin loi termin ”Femmage” kuvaamaan omaa erityistä menetelmäänsä, jossa hän yhdisti kuvataiteen tekniikoita, kuten kollaasia ja kokoonpanoa, käsityötekniikoihin, kuten ompeluun.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryyli, tekstiilit, paperi kankaalle. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Kuva: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Miriam Schapiron perikunta / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff sai valaistumisensa koristeellisten taiteiden historiallisesta vähättelystä asuessaan Meksikossa ja vieraillessaan Marokossa ja Turkissa 1970-luvun alussa. Hän sai inspiraationsa siitä, miten näissä paikoissa muinaiset esteettiset perinteet olivat yhä elossa ja kukoistivat jokapäiväisessä elämässä, ja hän ryhtyi tutkimaan aihetta monin eri tavoin. Hän alkoi tehdä suurikokoisia maalauksia ja monimedia-asetelmia, joissa käytettiin perinteisesti koristeellisiin käsitöihin liitettyjä menetelmiä ja materiaaleja; hän liittyi Heresies-yhteisöön, joka osallistui feministisiin yhteiskunnallisiin toimintoihin ja julkaisi HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics -lehteä; ja hän oli mukana kirjoittamassa mainittua Pattern and Decoration -manifestia. Liikkeen perustamisen jälkeen Kozloff on ollut yhä aktiivisempi julkisen taiteen kentällä ja kehittänyt tunnistettavan esteettisen äänen, joka perustuu kartoituksen ideaan sekä kartografisessa että kulttuurisessa merkityksessä.

Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 paneelia yhdeksän paneelin teoksesta. Akryyli, arkistointiin soveltuva digitaalinen mustesuihkutulostus ja kollaasi kankaalle. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Pattern and Decoration -manifestin kirjoittamisen lisäksi Valerie Jaudon vakiinnutti asemansa yhtenä liikkeen itsevarmimmista esteettisistä äänistä. Hänen tunnusomainen tyylinsä yhdistää kalligrafisia merkintöjä Lähi-idän koristeellisia tyylejä muistuttaviin kuvioihin ja muotoihin. Maalausten ja paperityöiden lisäksi Jaudon on toteuttanut yli tusinan suurikokoista julkista projektia, kuten upotettuja lattioita, kattomaalauksia ja valtavia julkisia puistoinstallaatioita. Näistä suurin on monumentaalinen ”Filippine Garden” (2004), sementtipolku St. Louisin liittovaltion oikeustalon alueella Missourissa. Sen sommittelu on tyypillinen hänen tuotannolleen siinä, että se vaikuttaa yhtä aikaa tutulta ja eksoottiselta; sen juuret ovat kauniisti epäselvät, ja se sulautuu saumattomasti luonnolliseen ja arkkitehtoniseen ympäristöön.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Öljy kankaalle. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Kuva: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Jo 1960-luvun lopulla Susan Michod alkoi kehittää esteettistä näkemystä, joka sijoittui modernistisen abstraktion ja eri muinaisten alkuperäiskansojen perinteiden esteettisten suuntausten välimaastoon. Hänen työnsä tasapainoilee näiden kahden näkemyksen välillä, muistuttaen sekä hypnoottista ihmettä herättävästä optisesta taiteesta että esikolumbiaanisen Keski-Amerikan taidemuotojen synkistä geometrisista kuvioista. Michod ei ainoastaan osallistunut Pattern and Decoration -liikkeeseen taiteilijana, vaan hän oli myös Artemisia-gallerian perustajia Chicagossa, merkittävässä näyttelytilassa naispuolisille taiteilijoille, jossa sellaiset valovoimaiset nimet kuin Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff ja Nancy Spero, monien muiden ohella, esittelivät varhaisia töitään.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryyli paperille. 40 x 30 tuumaa. © Susan Michod

Miriam Schapiron ohella Robert Kushner auttoi järjestämään joitakin varhaisimmista Pattern and Decoration -näyttelyistä. Kushner tuli taiteen maailmaan mainoskuvituksen alalta, jolta hän lähti vuonna 1961 nähtyään Franz Klinen teosnäyttelyn. Hänelle kesti kuitenkin useita vuosia ennen kuin hän sai itsevarmuuden kehittää oman ainutlaatuisen äänensä. Kokeiltuaan monia tyylejä, kuten abstraktia ekspressionismia, minimalismia ja värikenttämaalauksia, hän lopulta hylkäsi vallitsevat suuntaukset ja teki henkilökohtaisen tyylillisen harppauksen vuonna 1972, levittämällä sabluunoituja ”muotoja” kankaalle ”kaikkialle ulottuvassa” kuviossa. 1970-luvun aikana nämä kuvioidut sabluunamaalaukset kehittyivät sisältämään yhä enemmän kukka-aiheita, yhdistäen muodollisen koristeellisuuden juhlistamisen ja symmetristen puutarhojen kuvaamisen välisen keskitien.

Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Akryyli, erilaisia tekstiilejä. 205 x 330,5 cm. Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest, lahjoitus Peter ja Irene Ludwigilta. Kuva: Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest. © Robert Kushner

Kuvassa: Susan Michod - Nimetön, 1977. Vesiväri paperille. 30 x 22,5 tuumaa (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery Long Island Cityssä, New Yorkissa. © Susan Michod
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Tekijä: Phillip Barcio