Kuvio- ja koristeliikkeen keskeiset hahmot

Pattern and Decoration -liike on erityinen paikka nykyaikaisen taiteen historiassa. Se syntyi 1960-luvun feministisestä taideliiikkeestä ja julisti itsensä eräänlaiseksi "kolmanneksi menetelmäksi" figuroinnin ja abstraktion välille. Liikkeen johtajat tunnustivat, että vaistomaisuus koristeellisen taiteen tekemiseen on ollut olennainen osa jokaista ihmiskulttuuria sivilisaation alusta lähtien. Kuitenkin he myös ymmärsivät, että patriarkaalinen lännen sivilisaatio oli jostain syystä, jossain vaiheessa, omaksunut näkemyksen, että koristeelliset taiteet tulisi alistaa vähemmän tärkeiksi ja vähemmän vakaviksi kuin muut niin sanotut kauniit taiteet. Pattern and Decoration -liikkeen perustajat hylkäsivät tuon oletuksen jyrkästi, julistaen muodollista lähestymistapaansa koristeelliseen työhön yhtä merkitykselliseksi, tärkeäksi ja historiallisesti tärkeäksi kuin mikä tahansa muu esteettinen näkemys. Pattern and Decoration -liikkeen ylivoimainen filosofia ilmaistiin vuonna 1978 kahden liikkeen perustajan—Valerie Jaudonin ja Joyce Kozloffin—toimesta heidän upeassa ja mahtipontisessa manifestissaan, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Sen avauskappaleessa todetaan: "Feministeinä ja taiteilijoina, jotka tutkivat koristeellista omissa maalauksissamme, olimme uteliaita sanan 'koristeellinen' halventavasta käytöstä nykyaikaisessa taidemaailmassa. Lukiessamme Modernin taiteen perustekstejä, ymmärsimme, että ennakkoluulo koristeellista kohtaan on pitkä historia ja perustuu hierarkioihin: kaunis taide koristeellisen taiteen yläpuolella, lännen taide ei-lännen taiteen yläpuolella, miesten taide naisten taiteen yläpuolella. Keskittymällä näihin hierarkioihin löysimme häiritsevän uskomusjärjestelmän, joka perustuu lännen sivilisaation taiteen moraaliseen ylivoimaan." Liikkeen johtajat asettivat siis tavoitteekseen tuomita nuo vanhentuneet ja hyödyttömät hierarkiat historian tuhkaläjään. Heidän työnsä perintö on visuaalista kauneutta ja älyllistä ihmetystä. Vasta nyt, itse asiassa, yleisöt todella omaksuvat tämän elintärkeän liikkeen voiman ja sen roolin, jota se edelleen näyttelee tänään nykyaikaisen taidekentän tekemisessä tasa-arvoisemmaksi, avoimemmaksi ja täydellisemmäksi.

Liikkeen viisi johtajaa

Jo vuonna 1960 Miriam Schapiro hylkäsi aikakauden hallitsevat esteettiset suuntaukset löytääkseen ainutlaatuisen henkilökohtaisen visuaalisen äänen, joka perustui suurelta osin hänen identiteettiinsä naisena. Hänen ensimmäiset protofeministiset teoksensa olivat hänen "Pyhäkkönsä", jotka toimivat eräänlaisena pyhitettynä silta feminiinisyyden, hengellisyyden ja modernistisen ruudukon jakautuneen kielen välillä. Hän loi useita muita erottuvia feministisiä teossarjoja, mukaan lukien hänen monumentaaliset "Fanit" ja sarjan teräväkulmaisia, geometrisia abstrakteja teoksia, jotka esittävät rohkeita, säihkeitä kuvia arkkityyppisestä naisellisesta symboliikasta. Vuonna 1973 Schapiro osallistui "Womanhouseen", joka on yksi tärkeimmistä feministisistä taideteoksista kautta aikojen. Hän myös myöhemmin keksi termin "Femmage" kuvaamaan hänen erottuvaa menetelmäänsä yhdistää kaunotaiteen tekniikoita, kuten kollaasia ja kokoamista, käsityötekniikoihin, kuten ompeluun.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryyli, tekstiilit, paperi kankaalla. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Kuva: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Miriam Schapiro -säätiö / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff sai oivalluksensa koristeellisten taiteiden historiallisesta vähenemisestä asuttuaan Meksikossa ja vieraillessaan Marokossa ja Turkissa 1970-luvun alussa. Inspiroituneena siitä, kuinka näiden paikkojen muinaiset esteettiset perinteet olivat edelleen elossa ja kukoistivat jokapäiväisessä elämässä, hän ryhtyi tutkimaan omia ajatuksiaan tästä aiheesta useilla eri alueilla. Hän alkoi tehdä suurikokoisia maalauksia ja monimedia-installaatioita, jotka käyttivät menetelmiä ja materiaaleja, jotka perinteisesti oli liitetty koristeellisiin käsitöihin; hän liittyi Heresies Collectiveen, joka osallistui feministisiin sosiaalisiin toimiin ja julkaisi aikakauslehden HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; ja hän kirjoitti yhdessä edellä mainitun Pattern and Decoration -manifestin. Vuosikymmenten aikana liikkeen perustamisen jälkeen Kozloff on tullut aktiivisemmaksi julkisen taiteen kentällä ja kehittänyt erottuvan esteettisen äänen, joka perustuu kartoituksen ideaan sekä kartografisessa että kulttuurisessa mielessä.

Joyce Kozloff - Jos olisin kasvitieteilijä Välimeri. 3 paneelia 9 paneelin teoksesta. Akryyli, arkistodigitaalinen mustesuihkuprinttaus ja kollaasia kankaalla. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Lisäksi, kun hän oli mukana kirjoittamassa Pattern and Decoration -manifestia, Valerie Jaudon vakiinnutti asemansa yhtenä liikkeen itsevarmimmista esteettisistä äänistä. Hänen erottuva tyylinsä yhdistää kalligrafisia merkintöjä kuvioihin ja muotoihin, jotka ovat mieleenpainuvia Lähi-idän koristeellisista tyyleistä. Maalaustensa ja paperitöidensä lisäksi Jaudon on toteuttanut yli tusinan suurikokoista julkista projektia, aina inlay-lattioista kattofreskoihin ja massiivisiin julkisiin puistoinstallaatioihin. Suurin näistä projekteista on monumentaalinen "Filippine Garden (2004)", sementtipolku liittovaltion tuomioistuimen alueella St. Louisissa, Missourissa. Sen koostumus on tyypillinen hänen tuotannolleen siinä mielessä, että se vaikuttaa samanaikaisesti tutulta ja eksoottiselta; sen juuret ovat kauniisti epäselvät, ja se sulautuu saumattomasti luonnolliseen ja arkkitehtoniseen ympäristöön.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Öljy kankaalle. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Kuva: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Jo 1960-luvun lopulla Susan Michod alkoi kehittää esteettistä näkemystä, joka sijaitsee Modernistisen abstraktion ja erilaisten muinaisten alkuperäiskansojen esteettisten suuntausten välissä. Hänen työnsä tasapainoilee näiden kahden yhteistyöperspektiivin välillä, muistuttaen sekä Op Artin hypnotisoivasta ihmeestä että Pre-Kolumbiaanisen Keski-Amerikan taidemuotojen synkistä geometrisista kuvioista. Lisäksi Michod teki merkittäviä kontribuutioita Pattern and Decoration -liikkeeseen taiteilijana ja oli Artemisia-gallerian perustajajäsen Chicago'ssa, joka oli vaikutusvaltainen näyttelytila naisille taiteilijoille, jossa sellaiset valovoimaiset taiteilijat kuin Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff ja Nancy Spero, monien muiden joukossa, esittivät varhaista työtään.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryyli paperilla. 40 x 30 tuumaa. © Susan Michod

Miriam Schapiron kanssa, Robert Kushner auttoi järjestämään joitakin varhaisimmista Pattern and Decoration -näyttelyistä. Kushner tuli taidemaailmaan mainoskuvituksen maailmasta, josta hän lähti vuonna 1961 nähtyään Franz Klinen teosten näyttelyn. Kesti kuitenkin muutaman vuoden, ennen kuin hän sai itseluottamusta kehittää oman ainutlaatuisen äänensä. Kokeiltuaan erilaisia tyylejä, kuten abstraktia ekspressionismia, minimalismia ja värikenttämaalausta, hän lopulta hylkäsi vallitsevat suuntaukset ottaakseen henkilökohtaisen tyyliloikan vuonna 1972, soveltaen sabluunalla tehtyjä "muotoja" kankailleen "kaikkialla" -kuvioissa. 1970-luvun aikana nämä kuviolliset sabluunamaalaukset kehittyivät sisältämään enemmän kukka-aiheita, omaksuen keskivälin formalististen koristeiden juhlintojen ja symmetristen puutarhojen kuvastavien esitysten välillä.

Robert Kushner - Vaaleanpunaiset lehdet, 1979. Akryyli, erilaiset tekstiilit. 205 x 330,5 cm. Courtesy Ludwig Museum – Nykytaiteen museo, Budapest, Schenkung Peter und Irene Ludwig / lahjoitus Peter ja Irene Ludwig. Kuva: Ludwig Museum – Nykytaiteen museo, Budapest. © Robert Kushner

Esittelykuva: Susan Michod - Nimetön, 1977. Akvarelli paperilla. 30 tuumaa x 22.5 tuumaa (76.2 cm x 57.15 cm). RoGallery Long Island Cityssä, NY. © Susan Michod
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Phillip Barcio mukaan