Paul Nash ja historia abstraktin sisällä

Brittiläinen maalari Paul Nash ei yleensä mainita abstraktiosta käytävissä keskusteluissa. Mutta hänen modernistiset, toisinaan surrealistiset kuvansa paljastavat vilauksia syvällisistä abstrakteista käsitteistä, jotka usein piilevät luonnon maailmassa aivan näkyvillä. Hänen tuotantonsa, joka ulottuu juuri ennen ensimmäistä maailmansotaa aina toisen maailmansodan jälkeiseen aikaan, sisälsi sitä, mitä voisi kutsua konservatiiviseksi abstraktiksi kieleksi. Sen sijaan, että hän olisi nojautunut puhtaaseen abstraktioon tai tutkinut muodollisia abstrakteja elementtejä kuten väriä, viivaa tai valoa, hän juurrutti työnsä klassiseen, kuvailevaan maisemaan toivoen luovansa laajemman määritelmän abstraktiolle. Hän aikoi maalauksillaan herättää ajatuksia; ei maisemasta, vaan ikuisista, muinaisista suhteista ajan, luonnon, ihmiskunnan, kulttuurin, elämän ja kuoleman voimien välillä.

Varhaiset kriisit

Vuonna 1910 Paul Nash aloitti opiskelun Slade School of Artissa, missä hän nopeasti liitettiin nuorten taiteilijoiden ryhmään, jota akatemia kutsui toiseksi loiston kriisiksi. Heillä oli harvinainen yhdistelmä poikkeuksellista lahjakkuutta, avoimuutta eurooppalaiselle modernismille ja kokeilunhalua, mikä asetti heidät vastakkain koulun opetussuunnitelman ja opettajien kykyjen kanssa. Nash ja muut olivat innokkaita modernismin eturintamassa kulttuurissa, joka ei halunnut uudistaa asioita.

Kuten Tate-museon nykyinen Paul Nashin retrospektiivi osoittaa, hänen tuolloin tekemänsä työt eivät tänään vaikuta niin uhkaavilta. Hän maalasi englantilaisia maisemia, yrittäen vangita sitä, mitä hän kutsui niiden genius lociksi eli paikan hengeksi. Hän oli kiehtonut esihistoriallisista megaliteista, jotka koristivat Englannin maaseutua ja joita hän piti ihmisten ja luonnon muinaisina yhteyksinä. Ehkä uhkaavaa oli se, ettei hän ollut kiinnostunut pelkästään luonnon kopioimisesta, vaan myös suurempien abstraktien viestien ilmaisemisesta siinä.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, Lontoo

Kauhea uusi maailma

Neljä vuotta taidekoulun aloittamisen jälkeen Nashin ja hänen sukupolvensa tulevaisuus keskeytyi ensimmäisen maailmansodan syttymiseen. Nash liittyi vapaaehtoisesti Artists Rifles -joukkoihin, kotimaan joukkoon, joka perustettiin vuonna 1859 ja koostui pääasiassa taiteilijoista, jotka vannovat puolustavansa kotirintamaa. Mutta sodan pitkittyessä hänet lähetettiin länsirintamalle, Euroopan mantereen päätaistelutantereelle. Siellä, kersanttina, Nash todisti sodan kauhut omin silmin.

Sattumalta kolme kuukautta rintamalle saapumisensa jälkeen Nash putosi juoksuhaudassa ja murtui kylkiluunsa. Palatessaan toipumaan Lontooseen hänen joukko-osastonsa joutui hyökkäyksen kohteeksi ja lähes täysin tuhottiin. Kaikesta näkemästään syvästi järkyttyneenä hän päätti tehdä kaikkensa sodan lopettamiseksi. Vielä toipilaana hän järjesti näyttelyn rintaman tuhosta tekemistään kuvista. Ne järkyttivät monia, joilla ei ollut käsitystä sodan julmuudesta ja tuhosta. Teokset tekivät niin suuren vaikutuksen, että toipuessaan hänet lähetettiin takaisin rintamalle viralliseksi sotataiteilijaksi. Hän vietti sodan loppuosan maalaten yksityiskohtaisia kuvia tuhosta toivoen voivansa vaikuttaa yleisöön sodan lopettamiseksi.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, Lontoo

Abstraktion uudelleenmäärittely

Nashin sodan aikaiset maalaukset ovat karun realistisia. Silti niiden kuvailevan sisällön takana on kiistattomia käsitteellisiä kerroksia. Esimerkiksi maalauksessa Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917 kuvataan täysin realistisesti muutamaa sotilasta taistelun runtelemassa luonnonympäristössä. Pastellisävyt, lintujen huoleton lentely yläpuolella ja pehmeät valkoiset pilvet viattomasti lipumassa viestivät syvällistä ajatusta siitä, että vaikka ihmiset saattavat hetkellisesti tuhota luonnon, Luonto isolla L:llä kestää raivomme ja jatkaa olemassaoloaan meidän jälkeemme.

Myöhemmissä sota-aiheisissa kuvissaan Nash alkoi kokeilla luonnon visuaalisten elementtien vähentämistä, pelkistäen ne yksinkertaisemmiksi muodoiksi ja hahmoiksi. Vaikka hän ei koskaan siirtynyt puhtaaseen abstraktioon, hän näki, että vähentämällä visuaalisen kielensä osia hän pystyi tavoittamaan jotain yleismaailmallista, kuvailevan ulkopuolella. Tästä kehityksestä hän sanoi: ”Havainnoin luonnonilmiöissä tuhansia muotoja, jotka voisivat hyödyksi hajota abstraktin muodonmuutoksen sulatusastiassa.” Ja kuitenkin hän totesi: ”Tarvitsen yhä osittain orgaanisia piirteitä luodakseni kiinteän käsitteellisen kuvani.”

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, Lontoo

Unit One -ryhmä

Sodan päättyessä Nash oli jo tunnettu Britanniassa sotamaalauksistaan. Niiden abstraktit piirteet eivät olleet se, mihin suurin osa ihmisistä reagoi. Häntä arvostettiin enemmän siitä, että hän näytti todellisen tuhon kuin toimittaja. Sodan psyykkisten ja fyysisten vaikutusten vaivaamana hän vetäytyi maaseudulle yrittäen parantaa itseään sekä ruumiillisesti että henkisesti. Hän palasi kuvailevan maisemamaalauksen pariin ja uppoutui sen rauhoittavaan voimaan. Toipuessaan hän alkoi kiinnostua ongelmasta, jonka hän näki brittiläisessä kulttuurissa: haluttomuudesta omaksua ja ymmärtää modernin taiteen syvempää merkitystä.

Yrittäessään saada suoran yhteyden brittiläiseen yleisöön Nash perusti avantgardistisen taiteilijayhteisön nimeltä Unit One. Mukaan liittyi kaksitoista muuta arkkitehtia, maalarista ja kuvanveistäjää, mukaan lukien Ben Nicholson, Henry Moore ja Barbara Hepworth. Ryhmä järjesti yhden näyttelyn. Nashin siinä esittämät teokset ovat hänen abstrakteimpia töitään. Ne esittävät modernistisia muotoja sekoittuneina luonnonympäristöihin salaperäisissä, lähes surrealistisissa sommitelmissa. Vaikka kokeilu oli lyhytikäinen, Unit One sai yleisön huomaamaan sen, ja sen vaikutus brittiläiseen modernismiin tuntui välittömästi.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, Lontoo

Abstrakti kuvaileva historia

Kuolemansa huipulla Paul Nash kutsuttiin jälleen sotataiteilijaksi, tällä kertaa toiseen maailmansotaan. Hänen tuon sodan aikana tekemänsä maalaukset ovat hänen tunnetuimpia teoksiaan. Ne osoittavat kypsän yhdistelmän monista uran määrittäneistä vaikutteista. Ne esittävät kuvailevia maisemia, pelkistettyjä muotoja ja outoja yhdistelmiä lähes surrealistisista esineistä ja olennoista. Ne herättävät kysymyksiä koneiden, ihmisten ja luonnon suhteista. Ne kuvaavat sodan tuhoa ja hävitystä, samalla kun ne vihjaavat luonnon kestävän aina.

Kun tarkastelemme hänen tuotantoaan kokonaisuutena, näemme, ettei Paul Nash maalannut pelkästään realistisia maisemia tiettyinä aikoina. Hän maalasi myös mielensä maisemaa, jota ilmensivät luonnon rauha ja kuoleman kauhea kauneus. Hän vangitsi usein genius locin, paikan hengen, vaikka se henki olikin selvästi paha. Kuten hän kerran sanoi: ”löytääksesi sinun täytyy osata havaita. On paikkoja, aivan kuten ihmisiä ja esineitä, joiden osien suhde luo salaisuuden.” Jossain hänen kuvissaan elämästä ja kuolemasta, moderneista jäänteistä rinnakkain menneiden aikojen jäänteiden kanssa, syntyy salaperäinen yhteys; joka muistuttaa meitä siitä, että historia oli ennen meitä ja kestää meidät yli, ja että vaikka olemme osa luontoa, emme voi voittaa sitä; päinvastoin, se odottaa aina voittavansa meidät.

Kuvassa: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, Lontoo
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio