Paul Nash ja historia abstraktin sisällä

Brittiläinen taiteilija Paul Nash ei yleensä mainita keskusteluissa abstraktiosta. Mutta hänen modernistiset, joskus surrealistiset kuvansa paljastavat vilauksia syvistä abstrakteista käsitteistä, jotka usein piileksivät näkyvissä luonnon maailmassa. Hänen teoksensa, jotka ulottuvat juuri ennen ensimmäistä maailmansotaa aina toisen maailmansodan jälkeen, sisälsivät sitä, mitä voitaisiin kutsua konservatiiviseksi abstraktiksi kieleksi. Sen sijaan, että hän olisi nojautunut puhtaaseen abstraktioon tai tutkinut muodollisia abstrakteja elementtejä kuten väri, viiva tai valo, hän juurrutti työnsä klassiseen, figuuriin perustuvaan maisemaan toivoen laajentavansa käsitystä siitä, mitä abstraktio voisi olla. Hän aikoi, että hänen maalauksensa herättäisivät ajatuksia; ei maisemasta, vaan muinaisista, ikuisista suhteista ajan, luonnon, ihmiskunnan, kulttuurin, elämän ja kuoleman voimien välillä.

Varhaiset kriisit

Vuonna 1910 Paul Nash liittyi opiskelijana Slade School of Artiin, jossa hän nopeasti löysi itsensä nuorten taiteilijoiden ryhmästä, jota akatemia kutsui kollektiivisesti toisen loistokriisin nimellä. Heillä oli harvinainen yhdistelmä poikkeuksellista lahjakkuutta, avointa suhtautumista eurooppalaiseen modernismiin ja halua kokeilla, mikä asetti heidät vastakkain koulun opetussuunnitelman ja henkilökunnan kykyjen kanssa. Nash ja muut olivat innokkaita modernistisia eturintamia kulttuurissa, joka ei halunnut mitään tekemistä uusien asioiden luomisen kanssa.

Kuten nykyinen Paul Nashin retrospektiivi Tate-museossa osoittaa, se työ, jota hän teki tuolloin, ei näytä tänään niin uhkaavalta. Hän maalasi englantilaisia maisemia, yrittäen vangita sitä, mitä hän kutsui genius loci:ksi, tai paikan hengeksi. Hän oli kiehtonut primitiivisistä megaliteista, jotka pistelevät Englannin maaseutua, ja piti niitä ilmentyminä muinaisesta suhteesta ihmisten ja luonnon välillä. Ehkä uhkaavaa oli se, että hän ei ollut vain kiinnostunut luonnon kopioimisesta, vaan myös ilmaisemasta siinä olevia suurempia abstrakteja viestejä.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, London

Kamala uusi maailma

Neljä vuotta sen jälkeen, kun Nash aloitti taidekoulussa, hänen ja koko sukupolvensa tulevaisuus keskeytyi ensimmäisen maailmansodan puhkeamiseen. Nash liittyi vapaaehtoisesti taiteilijapataljoonaan, kotimaiseen joukkoon, joka perustettiin ensimmäisen kerran vuonna 1859 ja johon kuului pääasiassa taiteilijoita, jotka olivat vannoneet puolustavansa kotirintamaa. Mutta sodan jatkuessa hänet lähetettiin Länsirintamalle, joka oli pääasiallinen taisteluteatteri Euroopan mantereella. Siellä, 2. luutnanttina, Nash todisti ensimmäistä kertaa sodan kauheuksia.

Sattumalta, kolme kuukautta saapumisen jälkeen rintamalle, Nash kaatui juoksuhaudassa ja mursi kylkiluun. Kun hän toipui Lontoossa, hänen joukkojaan hyökättiin ja ne lähes täysin tuhoutui. Syvästi järkyttynyt kaikesta näkemästään, hän päätti tehdä mitä pystyi sodan lopettamiseksi. Vielä toipumassa hän piti näyttelyn kuvista, jotka hän oli ottanut rintaman verilöylystä. Ne olivat järkyttäviä monille, joilla ei ollut käsitystä sodan brutaaliudesta ja tuhosta. Teokset vaikuttivat niin voimakkaasti, että kun hän toipui, hänet lähetettiin takaisin rintamalle viralliseksi sotataiteilijaksi. Hän vietti loppusodan maalaten yksityiskohtaisia kuvia tuhosta toivoen, että hän voisi vaikuttaa yleisöön sodan lopettamiseksi.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, London

Abstraktion Uudelleenmäärittely

Nashin tekemät sotamaalaukset ovat karun realistisia. Ja silti niiden kuvastollisen sisällön lisäksi niissä on kiistattomia käsitteellisiä kerroksia. Esimerkiksi pinnalta katsottuna maalaus Kevät juoksuhaudoissa, Ridge Wood, 1917 esittää täysin realistista kuvaa muutamasta sotilaasta, jotka ovat juuttuneet taistelun runtelemaan luonnonmaisemaan. Mutta pastellivärit, taivaalla hajamielisesti lentävät linnut ja viattomasti vaeltavat pörröiset valkoiset pilvet viittaavat syvälliseen ajatukseen, että vaikka ihmiset saattavat tilapäisesti pystyä tuhoamaan luontoa, Luonto isolla L:llä kestää meidän vihamme yli ja jatkaa olemassaoloaan sen jälkeen, kun me olemme poissa.

Hänen myöhemmissä sodan kuvissaan Nash alkoi kokeilla luonnon visuaalisten elementtien vähentämistä, yksinkertaistaen niitä yksinkertaisemmiksi muodoiksi ja hahmoiksi. Vaikka hän ei koskaan siirtynyt puhtaaseen abstraktioon, hän huomasi, että vähentämällä tiettyjä osia visuaalisesta kielestään hän voisi yhdistyä johonkin universaaliin, figuratiivisen ulkopuolelle. Tästä kehityksestä hän sanoi: "Havainnoin luonnonilmiöiden joukosta tuhat muotoa, jotka voitaisiin edullisesti liuottaa abstraktin muuntamisen sulatusuunissa.” Ja silti hän sanoi: "Löydän, että tarvitsen edelleen osittain orgaanisia piirteitä luodakseni kiinteän käsitteellisen kuvani."

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, London

Yksikkö yksi ryhmä

Sodan päättyessä Nash oli tullut tunnetuksi Britanniassa sotamaalauksistaan. Niiden abstraktit elementit eivät olleet se, mihin useimmat ihmiset reagoivat. Pikemminkin häntä kunnioitettiin faktuaalisen tuhon esittämisestä, ikään kuin hän olisi ollut toimittaja. Sodan psykologisista ja fyysisistä vaikutuksista kärsien hän vetäytyi maaseudulle, missä hän yritti parantaa itseään fyysisesti ja hengellisesti. Hän palasi figuuri- ja maisemamaalaukseen, uppoutuen sen rauhoittavaan voimaan. Mutta toipumisen myötä hänestä tuli yhä kiinnostuneempi ongelmasta, jonka hän havaitsi brittiläisessä kulttuurissa: sen haluttomuudesta omaksua ja ymmärtää modernien taidesuuntien syvempää merkitystä.

Engagementin pyrkimyksessä suoraan brittiläiseen yleisöön, Nash perusti avantgarde-taiteilijakollektiivin nimeltä Unit One. Kaksitoista muuta arkkitehtia, maalaajaa ja kuvanveistäjää liittyi hänen mukaansa, mukaan lukien Ben Nicholson, Henry Moore ja Barbara Hepworth. Ryhmä piti yhden näyttelyn. Teokset, jotka Nash esitteli siinä, ovat hänen abstrakteimpia. Ne esittävät modernistisia muotoja sekoittumassa luonnollisiin ympäristöihin salaperäisissä, lähes surrealistisissa kompositioissa. Vaikka se oli lyhytikäinen kokeilu, Unit One sai yleisön huomion, ja sen vaikutus brittiläiseen modernismiin tuntui välittömästi.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, London

Abstrakti Figuroitu Historia

Paul Nashin kuuluisuuden huipulla hänet värvättiin jälleen sotataiteilijaksi, tällä kertaa toiseen maailmansotaan. Ne maalaukset, jotka hän teki tästä konfliktista, ovat hänen tunnetuimpia teoksiaan. Ne esittävät kypsää yhdistelmää monista vaikutteista, jotka määrittivät hänen uraansa. Ne näyttävät figuratiivisia maisemia, vähentäviä muotoja ja outoja kokoelmia kvasi-surrealistisia esineitä ja olentoja. Ne herättävät kysymyksiä koneiden, ihmisten ja luonnon suhteista. Ne kuvaavat sodan verilöylyä ja tuhoa, samalla ehdottaen, että luonto kestää aina.

Kun katsomme taiteilijan tuotantoa, voimme nähdä, että Paul Nash ei koskaan vain maalannut realistisia maisemia tietyistä paikoista ajassa. Hän maalasi myös mielensä maisemaa, jota ilmensi luonnon rauhallisuus ja kuoleman kauhea kauneus. Hän usein vangitsi genius loci:n, paikan hengen, jopa silloin kun tuo henki oli epäilemättä paha. Mutta kuten hän kerran sanoi: “löytääksesi, sinun on kyettävä havaitsemaan. On paikkoja, aivan kuten on ihmisiä ja esineitä, joiden osien suhde luo mysteerin.” Jossain hänen elämän ja kuoleman kuvissaan, moderneja jäänteitä rinnakkain menneiden sivilisaatioiden jäänteiden kanssa, syntyy salaperäinen yhteys; sellainen, joka muistuttaa meitä siitä, että historia edelsi meitä ja kestää meitä pidempään, ja että vaikka olemme osa luontoa, emme voi voittaa sitä; päinvastoin, se odottaa aina voittaakseen meidät.

Esittelykuva: Paul Nash - Ypres Salient yöllä, 1918. © Imperial War Museum, Lontoo
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park