Tekstuurin tärkeys abstraktissa taiteessa

Yleisesti ottaen taiteessa on kaksi tekstuurikategoriaa, aivan kuten elämässä: karkea ja sileä. Molemmat voivat olla kovia tai pehmeitä, märkiä tai kuivia, orgaanisia tai synteettisiä jne. Ja karkean ja sileän välinen äärettömän monimutkainen asteikko on mahdollinen. Mutta yksi keskeinen ero erottaa tekstuurin toiminnan elämässä tekstuurin toiminnasta taiteessa. Elämässä tekstuuri voi olla eloonjäämiskysymys. Meidän käsityksemme siitä, onko jokin liukasta, limamaista, suomuista tai karheaa, voi merkitä eroa elämän ja kuoleman välillä. Tekstuuritaiteessa on vähemmän vakavaa. Useimmat taideteokset eivät ole edes tarkoitettu kosketettaviksi. Ja vaikka taideteosta voidaan koskettaa, sen tekstuuri liittyy enemmän esteettiseen kokemukseemme kuin jatkuvaan olemassaoloomme. Siitä huolimatta tekstuuri on tärkeä osa vuorovaikutustamme taiteen kanssa. Se on yksi seitsemästä muodollisesta taiteellisesta elementistä, yhdessä viivan, värin, muodon, muodon, arvon ja tilan kanssa. Se voi vaikuttaa tunnelmaan, herättää psykologisia assosiaatioita, kiinnittää huomiota materiaaliin tai ohjata huomioitamme teoksessa käytettyihin materiaaleihin. Oikein käytettynä tekstuuri voi jopa haastaa käsityksemme siitä, mikä on todellista.

Draamaa ja valoa

Yksi varhaisimmista tavoista, joilla abstraktit taiteilijat kokeilivat tekstuuria, on prosessi, jota kutsutaan impastoksi. Kun sanomme, että maalaus on impasto, tarkoittaa se, että taiteilija on levittänyt maalin pinnalle paksuina kerroksina. Impasto-teosta pidetään maalauksellisena, koska se korostaa taiteilijan tekemiä fyysisiä jälkiä. Post-impressionistiset taiteilijat, kuten Van Gogh, käyttivät impasto-tekniikkaa luodakseen draamaa ja vaikuttaakseen siihen, miten valo vuorovaikuttaa heidän kuvansa pinnan kanssa, sillä impasto-kerrokset luovat varjoja ja korostuksia. Abstraktit ekspressionistiset taiteilijat, kuten Jackson Pollock, käyttävät paksuja maalikerroksia kiinnittääkseen huomiota maalaamisprosessiin ja paljastaakseen taiteilijan persoonallisuuden ja yksilöllisen tekniikan.

Impasto-tekstuurin vastakohta on tasaisuus. Taiteilijat kuten Helen Frankenthaler ja Kenneth Noland värjäsivät kankaitaan, kaataen ohennettua maalia suoraan pohjamaalaamattomille kankaille yhdistääkseen pinnan maaliin. Heidän tasaiset tekstuurinsa ohjasivat huomion pois taiteilijan fyysisistä eleistä, kannustaen miettimään muita elementtejä kuten väriä, pintaa ja tilaa. Varhaiset abstraktit taiteilijat, kuten Kazimir Malevich, maalasivat myös tasaisia, ei-maalausmaisia kuvia. Mielenkiintoista on, että monet Malevichin ikoniset tasaiset maalaukset, kuten Mustan neliön, ovat iän myötä saaneet tekstuureja, jotka ovat hyvin erilaisia kuin taiteilija alun perin tarkoitti. On kiehtovaa pohtia, onko katsojien havaitsema merkitys tällaisissa teoksissa muuttunut tekstuurin muutoksen myötä.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Fyysinen vs. Visuaalinen tekstuuri

Taiteessa tekstuuria voidaan havaita ainakin kahdella tavalla: kosketuksen (fyysinen tekstuuri) ja näön (visuaalinen tekstuuri) kautta. Fyysinen tekstuuri antaa taideteokselle esineellisyydentunteen. Se yhdistää sen konkreettiseen fyysiseen maailmaan. Italialainen taiteilija Alberto Burri käytti löydettyjä materiaaleja luodakseen fyysisiä tekstuureja teoksissaan, jotka voisivat herättää primitiivisiä emotionaalisia reaktioita katsojissa. Korealaiset Dansaekhwa-taiteilijat ja japanilaisen avantgarden Gutai-ryhmän taiteilijat korostivat myös materiaalisuutta, uskoen, kuten Gutai-manifestissa todettiin, "että yhdistämällä inhimillisiä ominaisuuksia ja materiaalin piirteitä voimme konkreettisesti ymmärtää abstraktia tilaa.”

Muut taiteilijat ovat enemmän kiinnostuneita visuaalisen tekstuurin mahdollisuuksista. Brittiläisen Op Art -taiteilijan Bridget Rileyn maalaukset ovat täysin litteitä, mutta huijaavat silmää havaitsemaan teksturoituja aaltoja ja kolmiulotteisia kerroksia. Abstraktit valokuvaajat leikkivät myös visuaalisella tekstuurilla. Kanadalais-syntyinen abstrakti valokuvaaja Jessica Eaton rakentaa kolmiulotteisia esineitä ja valokuvaa niitä useilla suotimilla. Hänen litteät painoksensa näyttävät olevan ilman tekstuuria, mutta tarkemmassa tarkastelussa hänen rakentamiensa esineiden fyysiset tekstuurit tulevat esiin, hämmentäen silmää siitä, havaitseeko se tekstuureja, jotka ovat todellisia vai kuvitteellisia.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Tekstuuri abstraktissa veistoksessa

Abstraktit taiteilijat, jotka työskentelevät kolmiulotteisessa tilassa, nauttivat lisämahdollisuuksista käsitellä tekstuurin elementtiä, koska heidän työnsä on useammin tarkoitettu kosketettavaksi. Jesús Rafael Soto luo suurikokoisia, kolmiulotteisia veistoksia, joita kutsutaan Penetrables, joiden läpi katsojat kulkevat, jolloin tuntosarvien sileä, synteettinen tekstuuri ympäröi heidät osana esteettistä kokemusta. Ja taiteilijat kuten Henry Moore, joka teki lukuisia julkisia, ulkoilma-veistoksia, saavat mahdollisuuden osoittaa, kuinka aika, ihmiskädet ja elementit muuntavat taideteoksen olennaista luonteen aikaa myöten.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

Tekstuuri on ensiarvoisen tärkeä ymmärryksellemme abstraktista taiteesta. Mitä Specific Objects, jotka Donald Judd on tehnyt, tarkoittaisivat meille ilman niiden sileää, korkeakiiltoista, teollista tekstuuria, joka oli olennainen osa niiden asemaa minimalistisina, moderneina teoksina? Ja miten infamous Object, saksalaissyntyisen sveitsiläistaiteilija Meret Oppenheimin karvapeitteinen kahvisetti, olisi voinut tulla surrealismille ikoniksi ilman sen outoa tekstuuria? Olipa tarkoitus nähdä, koskettaa tai molempia, pohtimalla abstraktin taiteen tekstuuria voimme suhteutua siihen uusilla tasoilla, mikä voi vaikuttaa ymmärrykseemme, syventää arvostustamme ja muuttaa merkitystä, jonka havaitsemme teoksessa.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Esittelykuva: Alberto Burri - Cretto (yksityiskohta), 1975. Akrovinyyli cellotexilla. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rooma
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park