Tekstuurin tärkeys abstraktissa taiteessa
Yleisesti ottaen taiteessa on kaksi tekstuurin kategoriaa, aivan kuten elämässäkin: karkea ja sileä. Molemmat voivat olla kovia tai pehmeitä, märkiä tai kuivia, orgaanisia tai synteettisiä jne. Ja äärettömiä sävyjä karheuden ja sileysasteen välillä on mahdollista. Mutta yksi keskeinen ero erottaa tekstuurin toiminnan elämässä ja tekstuurin toiminnan taiteessa. Elämässä tekstuuri voi olla eloonjäämiskysymys. Havaintomme siitä, onko jokin liukas, limainen, suomuinen tai pörröinen, voi merkitä eroa elämän ja kuoleman välillä. Tekstuuri taiteessa on vähemmän vakavaa. Useimpia taideteoksia ei ole edes tarkoitettu kosketettaviksi. Ja vaikka taideteosta voi koskettaa, sen tekstuuri liittyy enemmän esteettiseen kokemukseemme kuin jatkuvaan olemassaoloomme. Siitä huolimatta tekstuuri on tärkeä osa vuorovaikutustamme taiteen kanssa. Se on yksi seitsemästä muodollisesta taiteellisesta elementistä, yhdessä viivan, värin, muodon, muodon, arvon ja tilan kanssa. Se voi vaikuttaa mielialaan, herättää psykologisia assosiaatioita, kiinnittää huomiota välineeseen tai ohjata katsetta teoksessa käytettyihin materiaaleihin. Taitavasti käytettynä tekstuuri voi jopa haastaa käsityksemme siitä, mikä on todellista.
Draama ja valo
Yksi varhaisimmista tavoista, joilla abstraktit maalajat kokeilivat tekstuuria, on prosessi nimeltä impasto. Kun sanomme, että maalaus on impasto, tarkoitamme, että maalari on levittänyt maalin pinnalle paksuina kerroksina. Impasto-teosta pidetään maalauksellisena, koska se korostaa maalarin tekemiä fyysisiä jälkiä. Jälki-impressionistiset maalajat kuten Van Gogh käyttivät impastoa luodakseen draamaa ja vaikuttaakseen siihen, miten valo vuorovaikuttaa heidän kuvansa pinnan kanssa, sillä impasto-kerrokset luovat varjoja ja valonheijastuksia. Abstraktin ekspressionismin maalajat kuten Jackson Pollock käyttävät paksuja maalikerroksia kiinnittääkseen huomion maalaamisen tekoon ja paljastaakseen taiteilijan persoonallisuuden ja yksilöllisen tekniikan.
Impasto-tekstuurin vastakohta on tasaisuus. Taiteilijat kuten Helen Frankenthaler ja Kenneth Noland värjäsivät kankaansa kaatamalla ohennettua maalia suoraan pohjaamattomille kankaille yhdistääkseen pinnan ja maalin. Heidän tasaiset tekstuurinsa ohjasivat huomion pois taiteilijan fyysisistä eleistä ja kannustivat pohtimaan muita elementtejä kuten väriä, pintaa ja tilaa. Varhaiset abstraktit taiteilijat kuten Kazimir Malevich maalasivat myös tasaisia, ei-maalauksellisia kuvia. Mielenkiintoista on, että monet Malevichin ikoniset tasaiset maalaukset, kuten Mustaneliö, ovat ajan myötä saaneet tekstuureja, jotka poikkeavat paljon taiteilijan alkuperäisestä tarkoituksesta. On kiehtovaa pohtia, onko katsojien kokema merkitys tällaisissa teoksissa muuttunut tekstuurin muutoksen myötä.
Kazimir Malevich - Mustaneliö, 1915. Öljy pellavalle. 79,5 x 79,5 cm. Tretyakovin galleria, Moskova
Fyysinen vs. visuaalinen tekstuuri
Tekstuuri taiteessa voidaan havaita ainakin kahdella tavalla: kosketuksen kautta (fyysinen tekstuuri) ja näön kautta (visuaalinen tekstuuri). Fyysinen tekstuuri antaa taideteokselle esineellisyyden tunteen. Se liittää sen konkreettiseen fyysiseen maailmaan. Italialainen taiteilija Alberto Burri käytti löydettyjä materiaaleja luodakseen fyysisiä tekstuureja teoksiinsa, jotka voivat herättää katsojissa alkukantaisia tunteita. Korean Dansaekhwa-taiteilijat ja japanilaiseen avantgardeen liittyvät Gutai-ryhmän taiteilijat korostivat myös materiaalisuutta, uskoen, kuten Gutai-manifestissa todettiin, ”että yhdistämällä ihmisen ominaisuudet ja materiaalin ominaisuudet voimme konkreettisesti ymmärtää abstraktia tilaa.”
Toiset taiteilijat ovat enemmän kiinnostuneita visuaalisen tekstuurin mahdollisuuksista. Brittiläisen optisen taiteen maalari Bridget Rileyn maalaukset ovat täysin tasaisia, mutta huijaavat silmää havaitsemaan tekstuurisia aaltoja ja kolmiulotteisia kerroksia. Abstraktit valokuvaajat leikkivät myös visuaalisella tekstuurilla. Kanadassa syntynyt abstrakti valokuvaaja Jessica Eaton rakentaa kolmiulotteisia esineitä ja valokuvaa niitä useiden suodattimien läpi. Hänen tasaiset vedoksensa näyttävät olevan ilman tekstuuria, mutta tarkemmassa tarkastelussa esineiden fyysiset tekstuurit tulevat esiin, hämmentäen silmää siinä, havaitseeko se todellisia vai kuviteltuja tekstuureja.
Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmenttivedos. © Jessica Eaton (Vasen) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsio levyllä. © Bridget Riley (Oikea)
Tekstuuri abstraktissa veistoksessa
Abstraktit taiteilijat, jotka työskentelevät kolmiulotteisessa tilassa, nauttivat lisämahdollisuuksista käsitellä tekstuurin elementtiä, koska heidän teoksensa on useammin tarkoitettu kosketettavaksi. Jesús Rafael Soto luo suurikokoisia, kolmiulotteisia veistoksia nimeltä Penetrables, joiden läpi katsojat kävelevät, antaen pehmeän, synteettisen tekstuurin ympäröidä heidät osana esteettistä kokemusta. Ja taiteilijat kuten Henry Moore, joka teki lukuisia julkisia, ulkoilmaveistoksia, saavat tilaisuuden osoittaa, miten aika, ihmisen kädet ja luonnonvoimat muuttavat taideteoksen olennaista luonnetta ajan myötä.
Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kineettinen veistos. © Jesús Rafael Soto
Tekstuuri on ensiarvoisen tärkeä abstraktin taiteen ymmärtämiselle. Mitä merkitystä Donald Juddin tekemillä Specific Objects-teoksilla olisi meille ilman niiden sileää, korkeakiiltoista, teollista tekstuuria, joka oli olennainen osa niiden asemaa minimalistisina, moderneina teoksina? Entä miten pahamaineisesta Object-teoksesta, saksalaissyntyisen sveitsiläistaiteilija Meret Oppenheimin turkiskahvisetistä, olisi tullut surrealistisen taiteen ikoni ilman sen outoa tekstuuria? Olipa tarkoitus nähdä, koskettaa tai molempia, pohtimalla abstraktin taiteen tekstuuria voimme suhtautua siihen uusilla tasoilla, mikä voi vaikuttaa ymmärrykseemme, syventää arvostustamme ja muuttaa teoksessa havaitsemaamme merkitystä.
Donald Judd - Nimetön, (91-2 Bernstein), 1991. Ruostumaton teräs ja punainen pleksilasi, kymmenessä osassa. © Donald Judd
Alberto Burri - Cretto (yksityiskohta), 1975. Akroviini sellotexillä. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rooma
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
