Impasto-maalaus abstraktissa taiteessa

Ehkä symbolisin rakennus Amerikassa on One World Trade Center Lower Manhattanissa. Kehityksen keskipisteenä, joka korvasi vuonna 2001 tuhotut kaksoistornit, sen olemassaolo itsessään on voimakas lausunto. Sen symboliikkaa korostavat kaksi massiivista, abstraktia impasto maalausta, jotka on pysyvästi asennettu sen eteläisen sisäänkäynnin aulaan. Rakennusta kutsutaan Vapaustorniksi, ja se on korkein rakennus Länsi-Hemisfäärissä. Se kohoaa 1776 jalkaa: tahallinen viittaus vuoteen, jolloin Amerikka julisti itsenäisyytensä. Edellä mainitut impasto-taulut, jotka koristavat eteläisen aulan seiniä, ovat amerikkalaisen taiteilijan Donald Martynyn teoksia. Yksi maalauksista on nimeltään Lenape, ja toinen on nimeltään Unami. Nimet viittaavat New Yorkin esikolumbialaiseen historiaan. Lenape on alkuperäinen heimo, joka asui maalla, jolle Vapaustorni rakennettiin. Unami on Lenape-dialekti. Vapaustornin huipulla on näköalatasanne nimeltä One World Observatory. Niin pitkälle kuin silmä kantaa observatoriosta, koko ympäröivä alue tuki aikoinaan Lenape-kulttuuria. Mitä tämä rakennus viestii? Se on suunniteltu muistuttamaan yhdestä historian pahimmista terrori-iskuista. Se esittää ajatuksia yhdestä maailmasta, vapaudesta, itsenäisyydestä ja kaupasta. Se kannustaa vierailijoita ottamaan pitkän aikavälin näkökulman. Ja sen merkittävimmät taideteokset on nimetty niiden mukaan, jotka alistettiin rakentamaan kansakunta, joka on vastuussa sen luomisesta. Mikä keskustelu täällä käydään? Mikä on kaiken tämän symboliikan merkitys? Ehkä taideteoksista itsestään ja abstrakteista ominaisuuksista impasto maalaus edustaa, on jotain opittavaa.

Varjo ja Valo

Termi impasto tulee italiankielisestä sanasta taikina. Maalauksessa se viittaa tekniikkaan, jossa paksuja kerroksia maalia levitetään pinnalle, jotta taideteokseen saadaan tekstuurinen ulottuvuus. 1500-luvun italialainen taidemaalari Titian oli yksi ensimmäisistä taiteilijoista, jotka tunnetusti sisällyttivät impasto-tekniikoita maalauksiinsa. Hän alkoi käyttää tekniikkaa aikana, jolloin maalauksia arvostettiin niiden sileistä pinnoista ja näkyvien siveltimenjälkien puutteesta. Mestari realistinen taidemaalari, Titian ymmärsi, että keräämällä maalia tietyille alueille pinnalla hän voisi luoda vaihtelua siinä, miten valo heijastui siitä, antaen maalauksen elementeille elävän tuntuman.

Jokainen impasto-maalauksen siveltimen veto aiheuttaa sävyjen ilmestymisen väriin, joka syntyy varjoista, kun valo osuu kohotettuun maaliin. Valojen sijainnista ja katsojan näkökulmasta riippuen impasto-maalauksessa voi tapahtua hienovaraisia muutoksia, jotka lisäävät syvyyden vaihteluita ja korostavat realismia. Omassa vuosisadassaan Titian rikkoi perinteitä sallimalla siveltimen vetojaan näkyä ja materiaalin ominaisuuksien ilmetä. Mutta hän oli niin mestarillinen tekniikassa, että hänen vaikutuksensa sai sen nopeasti yleistymään. 1600-luvulla Rembrandt tunnetusti sisällytti impasto-maalauksen teoksiinsa. Ja 1800-luvulle mennessä tekniikkaa arvostettiin niin paljon, että Van Gogh teki siitä tavaramerkkityylinsä.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Abstraktit Ilmaisut

1900-luvun alussa joukko taiteilijoita, joita kutsuttiin ekspressionisteiksi, etsi tapoja ilmaista sisäisiä tunteita maalauksissaan sen sijaan, että he vain tallentaisivat ulkoista todellisuutta. He omaksuivat impasto-maalauksen yhtenä suosituista tekniikoistaan. Paksulti kerrostettu maali omaa monia sisäisiä ominaisuuksia, kuten paino, syvyys ja painovoima. Mitä paksummin sitä levitetään, sitä enemmän varjoa se luo. Se abstrahoi kuvastoa, vääristäen katsojien vuorovaikutusta aiheiden kanssa. Ekspressionistit pitivät sitä ihanteellisena vakavuuden, intensiivisyyden ja draaman viestittämiseen.

Samaan aikaan kun ekspressionismi sai yhä enemmän huomiota, abstraktio alkoi myös olla kasvava huolenaihe monille taiteilijoille. Impasto-maalauksen osoittautui olevan ihanteellinen tekniikka abstrakteille maalareille, koska se auttoi siirtämään maalauksen keskipisteen aiheesta teoksen muodollisiin ominaisuuksiin. Abstrakti impasto-maalaus ei siis tarvitse olla mistään muusta kuin maalista. Hans Hofmann oli yksi erityisen vaikutusvaltaisista abstrakteista taiteilijoista, joka omaksui täysin impasto-maalauksen. Hofmann uskoi, että keskittymällä esteettisten muodollisiin elementteihin sen sijaan, että jäljiteltiin todellisuutta, taiteilijat voisivat ilmaista syvempiä totuuksia. Hän käytti impasto-maalausta rakenteen, tilan, värin, muodon ja illuusion abstraktien ominaisuuksien ilmaisemiseen.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Veistokselliset ulottuvuudet

Lisäksi Hofmann oli maalarin ohella myös opettaja. Monet hänen opettamansa opiskelijat, kuten Helen Frankenthaler ja Lee Krasner, joka oli Jackson Pollockin vaimo, nousivat johtaviksi hahmoiksi abstraktin ekspressionismin liikkeessä. Hofmannilla oli syvä vaikutus siihen, miten nämä taiteilijat suhtautuivat materiaaleihinsa. Koska monien abstraktien ekspressionistien keskittyminen oli välittää alitajuisia tunteitaan ja vangita kankaalle maalaamisen tunteet ja intensiivisyys, Hofmann opetti heille, että materiaalisten ominaisuuksien tulisi olla keskeinen elementti heidän työssään.

Hän opetti heille, että, "jokaisella ilmaisuvälineellä on oma olemisjärjestyksensä.” Maalaajien, kuten Jackson Pollockin ja Jane Frankin, käsissä impasto-maalaus sai täysin uuden ulottuvuuden, kirjaimellisesti. Jane Frank rakensi veistoksellisia kerroksia välineistä impasto-pintojensa päälle. Jackson Pollock roiskutti, tiputti ja kaatoi maalia niin suuria määriä, että impasto-kerrosten paino uhkasi tuhota hänen teostensa tukirakenteet. Abstraktit ekspressionistit laajensivat lisäksi impasto-maalaamisen käsitettä sisältämään muutakin kuin maalia, kuten epätavallisia välineitä ja jätettä, kuten rikkinäistä lasia, kiviä, tupakantumppeja. Lisäämällä epätavallisia materiaaleja ja välineitä impasto-kerroksiinsa nämä maalareita ilmensivät käsitteellistä sekä fyysistä syvyyttä.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Kaikki maalista

Vastauksena abstraktin ekspressionismin emotionaaliseen intensiivisyyteen, impasto-maalaus menetti suosiotaan monien taiteilijoiden keskuudessa 1960- ja 70-luvuilla, erityisesti niiden, jotka liittyivät minimalismiin. Nämä taiteilijat pyrkivät luomaan sileitä pintoja, jotka eliminoivat todisteet yksittäisestä taiteilijasta, joka teki teoksen. Luodakseen äärimmäisen sileitä pintoja he kääntyivät tekniikoiden, kuten värjäyksen ja suihkuttamisen, puoleen ja käyttivät mekanisoituja ja teollisia prosesseja. Mutta 1980-luvulle mennessä rakkaus impasto-maalausta kohtaan palasi.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Yksi syy siihen, miksi tekniikka sai uudelleen suosiota, oli reaktio koettua minimalismin sieluttomuutta vastaan. Toinen syy oli kasvava kiinnostus taiteellisten materiaalien muodollisiin ominaisuuksiin. Yksi erityisen onnistunut ilmentymä minimalismin estetiikasta oli monokromaattinen maalaus. Monokromit ilmentävät puhdasta väriä ja tasaisuutta. 1980-luvulla taiteilijat kuten James Hayward ja Alan Ebnother alkoivat kuvata monokromaattista maalausta uudelleen impasto-maalauksen kautta. Heidän impasto-monokrominsa omaksuivat värin ilmaisun, mutta lisäsivät fyysisyyden ja materiaalin erityisyyden ulottuvuuden. Poistamalla minimalismin monokromien teollisen anonyymiyden ja tuomalla takaisin taiteilijan jäljen he asettivat tunteet ja persoonallisuuden etusijalle ja toivat uudelleen huomiota maalin olennaisiin ominaisuuksiin.

James Hayward - Abstrakti 31, 2001. Öljy kankaalla levyllä. 30 x 28 tuumaa. © James Hayward (Vasen) ja Asymmetrinen Chromachord 38, 2009. Öljy kankaalla puulevyllä. © James Hayward (Oikea)

Beyond Dough

Katsomalla taaksepäin impasto-maalauksen historiaa on selvää, että tekniikkaan liittyy joukko abstrakteja assosiaatioita. Sen varhaisina päivinä se otti ennennäkemättömän askeleen piilottamatta sitä, että taideteos oli tehty maalista. Tällä tavalla se mursi illuusion. Myöhemmin se palveli korostaakseen tummuuden ja valon hienovaraisia ja usein muuttuvia eroja. Modernismin aikakaudella impasto-maalauksesta tuli tapa ilmaista syvää tunnetta ja primitiivisiä herkkyyksiä alitajunnasta. Ja nykyaikaisessa käytössään siitä on tullut ilmentymä taiteellisen eleen voimasta ja yksinkertaisuudesta. Joten mitä voimme päätellä keskustelusta, joka käydään One World Trade Centerin ja Donald Martynyn abstraktien impasto-maalausten välillä, jotka sijaitsevat sen aulassa? 

Vaikka nämä maalaukset näyttävät olevan massiivisia impasto-maalauksia, ne on itse asiassa tehty huolellisesti työlään prosessin aikana, jolloin Martini kaataa, tiputtaa ja levittää kerroksittain maalia, joskus käyttäen paljaita käsiään. Ne ilmentävät kovaa työtä, sopeutumista, kärsivällisyyttä, visiota ja voimaa, joka on luonteeltaan huolellisen kerrostamisen prosessissa ajan myötä. Sen lisäksi, kuten kaikki impasto-maalaus Lenape ja Unami, symboloivat myös illuusioiden murskaamista, pimeyden ja valon kehittyvää luonteenlaatua, tunteiden ja fyysisen syvyyden kirjoa sekä primitiivisiä todellisuuksia alitajuisessa ihmismielessä. Tästä näkökulmasta tarkasteltuna ne muuttuvat enemmän kuin esteettisiksi esineiksi ja enemmän kuin symbolisiksi eleiksi. Ne muuttuvat täydellisiksi abstrakteiksi edustajiksi omalle välineelleen, ympäristölleen, nimensä mukaisille, historiansa ja aikansa.

Esittelykuva: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park