Impasto-maalaus abstraktissa taiteessa

Ehkä symbolisin rakennus Amerikassa on One World Trade Center Ala-Manhattanilla. Se on kehityshankkeen keskipiste, joka korvasi vuonna 2001 tuhotut kaksoistorit, ja sen olemassaolo on voimakas viesti. Sen symboliikkaa korostavat kaksi valtavaa, abstraktia impasto maalausta, jotka on pysyvästi asennettu sen eteläisen sisäänkäynnin aulaan. Rakennusta kutsutaan Vapauden torniksi, ja se on korkein rakennus Lännen pallonpuoliskolla. Se kohoaa 1776 jalkaan: tarkoituksellinen viittaus vuoteen, jolloin Amerikka julisti itsenäisyytensä. Mainitut impasto-maalaukset, jotka koristavat eteläisen aulan seiniä, ovat amerikkalaisen taiteilijan Donald Martinyn tekemiä. Yksi maalauksista on nimeltään Lenape ja toinen Unami. Nimet viittaavat New Yorkin esikolumbiaaniseen historiaan. Lenape on alkuperäiskansa, joka alun perin asutti maata, jolle Vapauden torni rakennettiin. Unami on Lenapen murre. Vapauden tornin huipulla on näköalatasanne nimeltä One World Observatory. Näköalatasanteelta silmä kantaa, ja koko ympäröivä alue tuki aikoinaan Lenapen kulttuuria. Mitä tämä rakennus siis viestii? Se on suunniteltu muistamaan yksi historian pahimmista terrori-iskuista. Se esittää ajatuksia yhdestä maailmasta, vapaudesta, itsenäisyydestä ja kaupasta. Se kannustaa vierailijoita katsomaan kauas tulevaisuuteen. Ja sen näkyvimmät taideteokset on nimetty niiden mukaan, jotka alistettiin rakentamaan kansakuntaa, joka on vastuussa sen synnystä. Millainen keskustelu täällä käydään? Mikä on kaiken tämän symboliikan merkitys? Ehkä taideteoksista itsestään ja siitä, mitä abstrakti impasto maalaus edustaa, on opittavaa.

Varjo ja valo

Sana impasto tulee italiankielisestä sanasta taikina. Maalauksessa se viittaa tekniikkaan, jossa paksuja kerroksia maalia levitetään pinnalle antaen teokselle tekstuurillisen ulottuvuuden. 1500-luvun italialainen maalari Tizianus oli yksi ensimmäisistä taiteilijoista, joka tarkoituksellisesti käytti impasto-tekniikkaa maalauksissaan. Hän alkoi käyttää tekniikkaa aikana, jolloin maalauksia arvostettiin niiden sileiden pintojen ja näkyvien siveltimenvedon puuttumisen vuoksi. Mestari realistisessa maalaamisessa Tizianus ymmärsi, että kasaamalla maalia tietyille alueille pinnalla hän saattoi luoda vaihtelua valon heijastumisessa, antaen maalauksen osille elävän tuntuisen ilmeen.

Jokainen impasto-maalauksen siveltimen veto aiheuttaa varjojen kautta värin sävyeroja, kun valo osuu koholla olevaan maaliin. Valojen sijainnista ja katsojan näkökulmasta riippuen impasto-maalaus voi muuttua hienovaraisesti, lisäten syvyyden vaihtelua ja korostettua realismia. Omalla vuosisadallaan Tizianus rikkoi perinteitä sallimalla siveltimenvedon näkyä ja maalin materiaalin ominaisuuksien tulla esiin. Hän oli kuitenkin niin taitava tekniikassa, että hänen vaikutuksensa sai sen nopeasti leviämään. 1600-luvulla Rembrandt käytti impasto-maalausta tunnetusti teoksissaan. 1800-luvulla tekniikka oli niin arvostettu, että Van Gogh teki siitä tavaramerkkinsä.

Van Gogh - Tähtiyö, 1889, 1889. Öljy kankaalle. 29 x 36 1/4 tuumaa. MoMA-kokoelma. © Van Gogh (Vasen) ja yksityiskohta (Oikea)

Abstraktit ilmaisut

1900-luvun vaihteessa ryhmä maalareita, joita kutsuttiin ekspressionisteiksi, etsi tapoja ilmaista sisäisiä tunnetiloja maalauksissaan sen sijaan, että he vain tallentaisivat ulkoista todellisuutta. He omaksuivat impasto-maalauksen yhdeksi suosikkitekniikoistaan. Paksusti kerrostettu maali omaa monia luontaisia ominaisuuksia, kuten painon, syvyyden ja painovoiman. Mitä paksumpi kerros, sitä enemmän se luo varjoja. Se abstrahoi kuvia, vääristäen katsojan suhdetta aiheeseen. Ekspressionistit pitivät sitä ihanteellisena vakavuuden, intensiteetin ja draaman välittämiseen.

Samaan aikaan kun ekspressionismi nousi suosioon, abstraktio oli myös monien taiteilijoiden kasvava kiinnostuksen kohde. Impasto-maalaus osoittautui ihanteelliseksi tekniikaksi abstrakteille maalareille, koska se auttoi siirtämään maalauksen painopistettä pois aiheesta ja kohti teoksen muodollisia ominaisuuksia. Abstrakti impasto-maalaus ei siis välttämättä kerro mistään muusta kuin maalista itsestään. Hans Hofmann oli yksi erityisen vaikutusvaltaisista abstrakteista taiteilijoista, joka omaksui impasto-maalauksen täysin. Hofmann uskoi, että keskittymällä esteettisten muotojen elementteihin todellisuuden jäljittelyn sijaan taiteilijat voivat ilmaista syvempiä totuuksia. Hän käytti impasto-maalausta ilmaistakseen rakenteen, tilan, värin, muodon ja illuusion abstrakteja ominaisuuksia.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Öljy pellavalle. 40 x 50 tuumaa (101,6 x 127 cm). Yksityiskokoelma. Kuvan luovutus: Tom Powel Imaging (Vasen) ja maalaus yksityiskohta (Oikea)

Veistokselliset ulottuvuudet

Hofmann oli paitsi maalari myös opettaja. Monet hänen oppilaistaan, kuten Helen Frankenthaler ja Lee Krasner, joka oli Jackson Pollockin vaimo, nousivat johtaviksi hahmoiksi abstraktin ekspressionismin liikkeessä. Hofmannilla oli syvällinen vaikutus siihen, miten nämä maalajat suhtautuivat materiaaleihinsa. Koska monien abstraktin ekspressionismin taiteilijoiden tavoite oli välittää alitajuisia tunteitaan ja vangita kankaalle maalaamisen toiminnan tunne ja intensiteetti, Hofmann opetti heille, että heidän materiaalinsa ominaisuudet tulisi olla keskeinen osa heidän teoksiaan.

Hän opetti heille, että ”jokaisella ilmaisuvälineellä on oma olemassaolon järjestyksensä.” Maalareiden kuten Jackson Pollockin ja Jane Frankin käsissä impasto-maalaus sai täysin uuden ulottuvuuden, kirjaimellisesti. Jane Frank rakensi veistoksellisia kerroksia materiaaleista impasto-pintojensa päälle. Jackson Pollock roiskutti, tiputteli ja kaatoi maalia niin suuria määriä, että hänen impasto-kerrostensa paino uhkasi tuhota teostensa kannattimet. Abstraktin ekspressionismin taiteilijat laajensivat lisäksi impasto-maalauksen käsitettä sisältämään muutakin kuin maalia, kuten epätavallisia materiaaleja ja jätteitä, kuten rikkinäistä lasia, kiviä ja tupakantumppeja. Lisäämällä epätavallisia aineksia ja materiaaleja impasto-kerroksiinsa nämä taiteilijat ilmaisivat sekä käsitteellistä että fyysistä syvyyttä.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Öljy ja tasoite kankaalle. 70 x 50 tuumaa. © Jane Frank

Kaikki maalin ympärillä

Vastauksena abstraktin ekspressionismin tunnepitoisuuteen impasto-maalaus menetti suosiotaan monien taiteilijoiden keskuudessa 1960- ja 70-luvuilla, erityisesti niiden, jotka liittyivät minimalismiin. Nämä taiteilijat pyrkivät luomaan sileitä pintoja, jotka poissulkevat yksittäisen tekijän jäljet. He käyttivät ultra-sileiden pintojen luomiseen tekniikoita kuten värjäystä ja suihkutusta sekä koneellisia ja teollisia prosesseja. Mutta 1980-luvulla impaston rakkaus palasi.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Öljy pellavalle. 28,25 x 28,25 tuumaa. 71,76 x 71,76 cm. Kuvan luovutus George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Yksi syy tekniikan uudelleen suosioon oli reaktio minimalismin koettuun sieluttomuuteen. Toinen syy oli kasvava kiinnostus taiteellisten materiaalien muodollisiin ominaisuuksiin. Yksi erityisen onnistunut minimalistisen estetiikan ilmentymä oli yksivärinen maalaus. Yksiväriset maalaukset ilmaisevat puhdasta väriä ja tasaisuutta. 1980-luvulla maalareita kuten James Hayward ja Alan Ebnother alkoivat uudelleenkuvitella yksivärisyyttä impasto-maalauksen kautta. Heidän impasto-yksivärisyytensä omaksui värin ilmaisun, mutta lisäsi siihen fyysisyyden ja materiaalin erityispiirteiden ulottuvuuden. Poistamalla minimalististen yksiväristen teosten teollisen nimettömyyden ja tuomalla taiteilijan jäljen takaisin esiin he asettivat tunteen ja persoonallisuuden uudelleen etusijalle ja kiinnittivät uudelleen huomiota maalin olennaisiin ominaisuuksiin.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Öljy kankaalle ja levylle. 30 x 28 tuumaa. © James Hayward (Vasen) ja Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Öljy kankaalle ja puulevylle. © James Hayward (Oikea)

Impaston tuolla puolen

Katsoessamme impasto-maalauksen historiaa on selvää, että tekniikka kantaa mukanaan monenlaisia abstrakteja assosiaatioita. Varhaisina aikoinaan se otti ennennäkemättömän askeleen paljastamalla, että taideteos on tehty maalista. Tässä mielessä se mursi illuusion. Myöhemmin se korosti varjon ja valon hienovaraisia ja usein muuttuvia eroja. Modernismin aikana impasto-maalaus oli tapa ilmaista alitajunnan syvää tunnetta ja alkuperäisiä aistimuksia. Nykykäytössä siitä on tullut taiteellisen eleen voiman ja yksinkertaisuuden ilmaus. Mitä voimme päätellä One World Trade Centerin ja sen aulassa olevien Donald Martinyn abstraktien impasto-maalausten välisestä keskustelusta?

Vaikka nämä maalaukset näyttävät valtavilta impasto-siveltimenvedoilta, ne on itse asiassa tehty huolellisesti vaativassa prosessissa, jossa Martiny kaataa, tiputtelee ja levittää kerros kerrokselta maalia, joskus paljain käsin. Ne ilmaisevat kovaa työtä, sopeutumista, kärsivällisyyttä, näkemystä ja voimaa, joka syntyy kerrosten huolellisesta kasaamisesta ajan myötä. Sen lisäksi, kuten kaikki impasto-maalaukset, Lenape ja Unami symboloivat illuusioiden murtumista, varjon ja valon kehittyvää luonnetta, tunne- ja fyysisen syvyyden kirjoa sekä alitajuisen ihmismielen alkuperäisiä todellisuuksia. Tästä näkökulmasta ne ovat enemmän kuin esteettisiä esineitä ja enemmän kuin symbolisia eleitä. Ne ovat täydellisiä abstrakteja edustajia omalle materiaalilleen, ympäristölleen, nimilleen, historiastaan ja ajalleen.

Kuvassa: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcion kuvaamana