20. vuosisadan optinen illuusio-taide

Todellisuus ei aina ole kiinteä; tai ainakin se voi vaikuttaa siltä ihmismielelle. Se, mitä uskomme, perustuu jossain määrin siihen, mitä havaitsemme, mutta se, mitä havaitsemme, määräytyy joskus myös sen mukaan, mitä uskomme. Optinen illuusio taide, tai Op taide lyhyesti, on esteettinen tyyli, joka tarkoituksellisesti hyödyntää ihmisen havainnon outoutta, joka antaa ihmisen silmälle kyvyn pettää ihmisen aivoja. Manipuloimalla kuvioita, muotoja, värejä, materiaaleja ja muotoja, Op-taiteilijat pyrkivät luomaan ilmiöitä, jotka huijaavat silmää, hämmentäen katsojia näkemään enemmän kuin mitä todellisuudessa on. Ja koska uskomus voi olla yhtä vaikuttava kuin fakta, Op-taide kysyy, mikä on tärkeämpää: havainto vai totuus.

Optisen harhan taiteen lyhyt historia

Op-taiteen juuret ovat tekniikassa, jota kutsutaan trompe-l'œil, mikä ranskaksi tarkoittaa silmänhuijausta. Varhaisimmat viittaukset tällaisiin taiteen suuntauksiin ulottuvat antiikkiin, jolloin muinaiset kreikkalaiset taiteilijat yrittivät tehdä maalauksista niin realistisia, että ihmiset uskoisivat kirjaimellisesti kuvien olevan todellisia. Tekniikka on sittemmin ollut muotissa ja muotista useita kertoja vuosisatojen aikana, saavuttaen huippunsa 1800-luvulla trompe-l'œil -maalauksilla, kuten Escaping Criticism, jonka maalasi Pere Borrell del Caso vuonna 1874 ja joka esittää hyper-realistista kuvaa lapsesta, joka kiipeää ulos kuvakehyksestä.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Mutta vaikka se myös pyrkii huijaamaan silmää, Op-taide ei ole sama kuin hyperrealistinen taide. Itse asiassa Op-taide, kuten me sen tänään tunnemme, on useammin abstraktia, ja se perustuu geometrisiin kompositioihin, jotka saavat silmän uskomaan, että epätodellisia muotoja ja tilallisia tasoja on olemassa. Ensimmäinen abstrakti tekniikka, joka suunniteltiin huijaamaan silmää, oli nimeltään Pointillismi. Sen sijaan, että värejä sekoitettaisiin etukäteen, pointillistiset taiteilijat asettivat sekoittamattomia värejä vierekkäin kankaalle, luoden illuusion kiinteistä värialueista. Kun näitä maalauksia katsotaan etäältä, näyttää siltä, että värit ovat sekoittuneet. Georges Seurat keksi Pointillismin ja hallitsi vaikutuksen maalauksilla, kuten Majakka Honfleurissa.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstrakteja illuusioita

Pointillismia taustalla oleva käsite johti lopulta moniin muihin tekniikoihin, kun taiteilijat etsivät keinoja pettää mieltä täydentämään kuvaa. Se inspiroi italialaisten futuristien divisionismia ja nelidimensionaalisia tasoja kubismissa. Mutta sen menestynein sovellus tuli, kun se yhdistettiin geometrisen abstraktion estetiikkaan, kuten abstraktissa geometrisessä kaiverruksessa Rakenteellinen konstellaatio, joka maalattiin vuonna 1913 Josef Albersin toimesta.

Hänen omien lausuntojensa mukaan Albers ei yrittänyt luoda optista illuusiota tässä teoksessa. Hän oli mukana yksinkertaisissa kompositioexperimenteissä, jotka koskivat viivojen ja muotojen havaitsemista kaksidimensionaalisella pinnalla. Siitä huolimatta hän huomasi, että viivojen, muotojen ja värien järjestely pinnalla voi todella muuttaa sitä, miten mieli havaitsee sen, mikä on todellista. Ja vaikka hän ei tarkoituksellisesti yrittänyt huijata katsojia teoksillaan, hän kuitenkin vietti koko elämänsä tutkien näitä vaikutuksia.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Seepra ja shakkilaudat

Victor Vasarely, Albersin aikalaista, kuitenkin pyrki tietoisesti löytämään tapoja pettää katsojia taiteensa avulla. Vasarely oli yhtä lailla tiedemies kuin maalari, ja hän oli erityisen kiinnostunut siitä, miten nämä kaksi toimintaa yhdistyivät vaikuttaakseen havaintoon. Jo 1920-luvulla taiteilija oli oppinut, että pelkästään viivojen manipuloinnin avulla hän pystyi täysin vääristämään kaksiulotteista pintaa tavalla, joka petti mielen havaitsemaan sen kolmiulotteisena tilana.

Yksi aihe, johon Vasarely toistuvasti palasi työssään, oli seepra. Tämän eläimen raidat palvelevat itse asiassa luonnollisten saalistajien harhauttamista, jotka eivät pysty erottamaan, mihin suuntaan eläin juoksee, johtuen sen mustavalkoisten raitojen ja ympäristön vuorovaikutuksesta. Kun hän avasi tämän ilmiön salaisuuksia, hän sovelsi niitä monimutkaisempiin geometrisiin kompositioihin, ja 1960-luvulle mennessä hän loi tunnusomaisen tyylin, joka inspiroi sitä, mitä nykyään pidetään modernistisen Op Art -liikkeenä. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Mustavalkoinen

Yksi 1900-luvun tunnetuimmista optisen harhan taiteilijoista oli brittiläinen taiteilija Bridget Riley, joka sai suoraa inspiraatiota Victor Vasarelyn teoksista. Riley opiskeli Royal College of Artissa 1950-luvun alussa. Hänen varhaiset teoksensa olivat figuuritaiteellisia, mutta työskennellessään kuvittajana mainostoimistossa hän kiinnostui enemmän visuaalisten harhojen luomisesta. Hän alkoi tutkia pointillismia ja sitten divisionismia ja kehitti lopulta oman tunnusomaisen Op Art -tyylinsä, joka perustui pääasiassa mustavalkoiseen geometriseen abstraktioon.

Riley oli niin menestyksekäs optisten harhojen luomisessa työssään, että katsojat raportoivat joskus kokevansa merisairautta tai liikuntatautia katsoessaan hänen maalauksiaan. Tämä ilmiö kiehtoi Rileytä, joka tuli vakuuttuneeksi siitä, että raja havaintojen ja todellisuuden välillä on todellakin melko herkkä, ja että harhan aiheuttama uskomus voisi todellakin ilmentää todellisia seurauksia fyysisessä maailmassa. Riley sanoi: "Oli aika, jolloin merkitykset olivat keskittyneitä ja todellisuus saattoi olla kiinteä; kun tuollainen uskomus katosi, asiat muuttuivat epävarmoiksi ja tulkittaviksi."

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Responsiivinen silmä

Modernist Op Art -liikkeen huippu saavutettiin näyttelyssä nimeltä The Responsive Eye, joka kiersi Yhdysvalloissa vuonna 1965. Tämä näyttely esitteli yli 120 taideteosta kymmeniltä taiteilijoilta, jotka edustivat laajaa valikoimaa esteettisiä näkökulmia. Näyttelyyn kuului Victor Vasarelyn ja Bridget Rileyn erittäin illusoivia teoksia sekä hillitympiä geometrisia abstraktioita taiteilijoilta kuten Frank Stella ja Alexander Liberman sekä kineettisiä veistoksia taiteilijoilta kuten Wen-Ying Tsai ja Carlos Cruz-Diez.

Myös The Responsive Eye -ryhmään kuului kuvanveistäjä Jesús Rafael Soto, joka vei Op Artin kenties kaikkein pisimmälle kolmiulotteisen havainnon alueelle teossarjallaan nimeltä Penetrables. Nämä interaktiiviset luomukset koostuvat sadoista osittain maalatuista, roikkuvista muoviputkista, joiden läpi katsojat voivat kulkea. Kun niitä ei häiritä, ne luovat vaikuttavan illuusion siitä, että konkreettinen muoto leijuu ilmassa. Mutta kun katsojat vuorovaikuttavat fyysisesti veistosten kanssa, illuusio hajoaa, antaen käsityksen siitä, että konkreettista todellisuutta voidaan itse asiassa vääristää ja muuttaa ihmisen kosketuksen avulla.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op Art Legacy

Op-taiteen siunaus ja kirous on sen suosio. Kun liike oli huipussaan 1960-luvulla, monet kriitikot halveksivat sitä, koska sen kuvastoa omaksuttiin ahneesti kitch-tuotteiden, kuten t-paitojen, kahvimukien ja julisteiden, valmistajien toimesta. Mutta taiteilijoille kuten Victor Vasarely ja Jesús Rafael Soto, juuri siinä oli pointti.

Nämä luovat henkilöt uskoivat, että taideteoksen arvo määräytyy sen mukaan, kuinka paljon katsoja voi osallistua sen täydentämiseen. He loivat esteettisiä ilmiöitä, jotka mukautuvat jokaiselle uudelle katsojalle, luoden rajattomia tulkintamahdollisuuksia. Se, että heidän taidettaan kulutettiin massatasolla, oli täysin linjassa heidän käsityksensä kanssa, jonka mukaan ihmisten ja taiteen välillä ei pitäisi olla esteitä, ja että kaikki esteet, jotka näyttävät olevan olemassa, ovat vain meidän havaintomme tuotteita.

Esittelykuva: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryyli kankaalle. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park