20. vuosisadan optinen illuusio-taide

Todellisuus ei ole aina pysyvää; tai ainakin ihmismielestä voi siltä tuntua. Se, mihin uskomme, perustuu jossain määrin siihen, mitä havaitsemme, mutta se, mitä havaitsemme, määräytyy myös joskus sen mukaan, mihin uskomme. Optinen harha taide, tai lyhyesti Op Taide, on esteettinen tyyli, joka tarkoituksellisesti hyödyntää ihmishavainnon outoutta, joka antaa ihmisen silmälle kyvyn pettää ihmisaivoja. Manipuloimalla kuvioita, muotoja, värejä, materiaaleja ja muotoja Op-taiteilijat pyrkivät luomaan ilmiöitä, jotka huijaavat silmää, hämmentäen katsojia näkemään enemmän kuin mitä todellisuudessa on. Ja koska usko voi olla yhtä vaikutusvaltaista kuin fakta, Op-taide kysyy, kumpi on tärkeämpää: havainto vai totuus.

Lyhyt katsaus optisen harhan taiteen historiaan

Op-taiteen juuret ovat tekniikassa nimeltä trompe-l'œil, joka on ranskaa ja tarkoittaa huijata silmää. Varhaisimmat viittaukset tällaisiin taipumuksiin taiteessa ulottuvat antiikin aikaan, jolloin muinaiset kreikkalaiset taiteilijat yrittivät tehdä maalauksista niin todentuntuisia, että ihmiset todella uskoivat kuvien olevan aitoja. Tekniikka on sen jälkeen ollut vuoroin suosittu ja unohdettu vuosisatojen aikana, saavuttaen huippunsa 1800-luvulla trompe-l'œil-maalauksilla kuten Escaping Criticism, jonka maalasi vuonna 1874 Pere Borrell del Caso. Se esittää hyperrealistisen kuvan lapsesta kiipeämässä ulos taulun kehyksestä.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Öljy kankaalle. Banco de España, Madridin kokoelma, © Pere Borrell del Caso

Vaikka Op-taidekin on tarkoitettu huijaamaan silmää, se ei ole sama asia kuin hyperrealistinen taide. Itse asiassa Op-taide, sellaisena kuin sen tänä päivänä tunnemme, on useammin abstraktia, ja se perustuu geometrisiin sommitelmiin vakuuttaakseen silmän siitä, että olemattomat muodot ja tilatasot ovat olemassa. Ensimmäinen abstrakti tekniikka, joka oli suunniteltu huijaamaan silmää, oli nimeltään pisteytys. Sen sijaan, että värit sekoitettaisiin etukäteen, pisteytyksen tekijät asettivat sekoittamattomat värit vierekkäin kankaalle luoden illuusion yhtenäisistä väripinnoista. Kun näitä maalauksia katsotaan kauempaa, näyttää siltä kuin värit olisivat sekoittuneet. Georges Seurat keksi pisteytyksen ja hallitsi vaikutuksen maalauksillaan kuten Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Öljy kankaalle. Kokonaiskoko: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 tuumaa), kehystettynä: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 tuumaa). Mr. ja Mrs. Paul Mellon -kokoelma

Abstraktit harhat

Pisteytyksen taustalla oleva ajatus synnytti lopulta monia muita tekniikoita, kun taiteilijat etsivät keinoja huijata mieltä täydentämään kuvaa. Se innoitti italialaisten futuristien jakautumistaiteen ja kubismin nelidimensionaalisia tasoja. Sen menestyksekkäin sovellus syntyi, kun se yhdistettiin geometrisen abstraktion estetiikkaan, kuten abstrakti geometrinen etsaus Structural Constellation, jonka maalasi vuonna 1913 Josef Albers.

Omien sanojensa mukaan Albers ei yrittänyt tehdä optista harhaa tällä teoksella. Hän teki yksinkertaisia sommittelukokeiluja viivojen ja muotojen havaitsemisesta kaksidimensionaalisella pinnalla. Hän kuitenkin havaitsi, että viivojen, muotojen ja värien järjestely pinnalla voi todella muuttaa sitä, miten mieli havaitsee todellisuuden. Vaikka hän ei tarkoituksellisesti yrittänyt huijata katsojia teoksillaan, hän vietti silti elämänsä tutkien näitä vaikutuksia.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. Valkoiset viivat mustalla taustalla puulla etsaamalla. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Seeprat ja shakkilaudat

Victor Vasarely, Albersin aikalainen, teki kuitenkin tietoisesti töitä löytääkseen keinoja huijata katsojia taiteellaan. Vasarely oli yhtä lailla tiedemies kuin maalari, ja hän oli erityisen kiinnostunut siitä, miten nämä kaksi alaa yhdistyvät vaikuttaen havaintoon. Jo 1920-luvulla taiteilija oli oppinut, että pelkällä viivojen muokkaamisella hän pystyi täysin vääristämään kaksidimensionaalisen pinnan siten, että mieli näki sen kolmiulotteisena tilana.

Yksi aihe, johon Vasarely palasi usein töissään, oli seepra. Tämän eläimen raidat pettävät luonnon saalistajia, jotka eivät pysty päättelemään, mihin suuntaan eläin juoksee, koska sen mustien ja valkoisten raitojen vuorovaikutus ympäristön kanssa hämmentää. Kun hän avasi tämän ilmiön salaisuuksia, hän sovelsi niitä monimutkaisempiin geometrisiin sommitelmiin ja 1960-luvulla loi tunnusomaisen tyylin, joka innoitti nykyisin modernistiseksi Op-taiteen liikkeeksi kutsuttua suuntausta.

Victor Vasarely - Seepra, 1938. © Victor Vasarely

Musta ja valkoinen

Yksi 1900-luvun kuuluisimmista optisen harhan taiteilijoista oli brittiläinen taiteilija Bridget Riley, joka sai suoran vaikutteen Victor Vasarelyn töistä. Riley opiskeli Royal College of Artissa 1950-luvun alussa. Hänen varhaiset työnsä olivat esittäviä, mutta työskenneltyään mainostoimistossa kuvittajana hän kiinnostui yhä enemmän visuaalisten harhojen luomisesta. Hän alkoi tutkia pisteytystä, sitten jakautumista ja lopulta kehitti oman tunnusomaisen Op-taidetyylinsä, joka perustui pääasiassa mustavalkoiseen geometriseen abstraktioon.

Riley onnistui niin hyvin luomaan optisia harhoja töissään, että katsojat kertoivat joskus kokevansa merisairauden tai matkapahoinvoinnin tunteita katsellessaan hänen maalauksiaan. Tämä ilmiö kiehtoi Rileytä, joka tuli vakuuttuneeksi siitä, että raja havainnon ja todellisuuden välillä on todella hauras, ja että harhasta johtuva usko voi todellisuudessa saada aikaan aitoja seurauksia fyysisessä maailmassa. Riley sanoi: “Oli aika, jolloin merkitykset olivat selkeitä ja todellisuus voitiin määrittää; kun sellainen usko katosi, asiat muuttuivat epävarmoiksi ja avoimiksi tulkinnoille.”

Bridget Riley suuren, hypnoottisen Op-taideteoksensa edessä, © Bridget Riley

Vastauksellinen silmä

Modernistisen Op-taiteen huippu saavutettiin näyttelyllä nimeltä The Responsive Eye, joka kiersi Yhdysvalloissa vuonna 1965. Näyttelyssä oli yli 120 teosta kymmeniltä taiteilijoilta, jotka edustivat laajaa kirjoa esteettisiä näkemyksiä. Näyttelyssä oli mukana Victor Vasarelyn ja Bridget Rileyn voimakkaasti harhailevia teoksia sekä hillitympiä geometrisen abstraktion edustajia kuten Frank Stella ja Alexander Liberman sekä kineettisiä veistoksia taiteilijoilta kuten Wen-Ying Tsai ja Carlos Cruz-Diez.

The Responsive Eye -ryhmään kuului myös kuvanveistäjä Jesús Rafael Soto, joka vei Op-taiteen ehkä pisimmälle kolmiulotteisen havainnon alueelle teossarjallaan Penetrables. Nämä vuorovaikutteiset teokset koostuvat sadoista osittain maalatuista, roikkuvista muoviputkista, joiden läpi katsojat voivat kävellä. Kun ne ovat koskemattomia, ne luovat vaikuttavan harhan, että konkreettinen muoto leijuu tilassa. Mutta kun katsojat koskettavat veistoksia, harha hälvenee, antaen vaikutelman, että konkreettista todellisuutta voi todellakin muokata ja muuttaa ihmisen kosketus.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op-taiteen perintö

Op-taiteen siunaus ja kirous on sen suosio. Kun liike oli huipussaan 1960-luvulla, monet kriitikot halveksivat sitä, koska sen kuvia käytettiin ahneesti kitsch-tuotteissa kuten t-paidoissa, kahvimukeissa ja julisteissa. Mutta taiteilijoille kuten Victor Vasarely ja Jesús Rafael Soto se oli juuri se tarkoitus.

Nämä luojat uskoivat, että taideteoksen arvo määräytyy sen mukaan, kuinka paljon katsoja voi osallistua sen täydentämiseen. He loivat esteettisiä ilmiöitä, jotka mukautuvat jokaiselle uudelle katsojalle, luoden rajattomia tulkintamahdollisuuksia. Se, että heidän taidettaan kulutettiin laajasti, sopi täydellisesti heidän ajatukseensa, jonka mukaan ihmisten ja taiteen välille ei pitäisi olla esteitä, ja että kaikki esteet ovat vain havaintojemme luomia.

Kuvassa: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryyli kankaalle. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio