Optisen Abstraktion Kehittäminen tai Kuinka Victor Vasarely Löysi Oman Tyylinsä

On joskus oletettu, että kun puhumme "taiteista ja tieteistä", puhumme selvästi erilaisista asioista. Tiede on lopulta asioiden tutkimista, kun taas taide on asioiden luomista. Mutta eikö tiedemiehet myös luo ja taiteilijat myös tutki? Eikö mielikuvitus ole olennainen osa molempia? Victor Vasarely oli sekä tiedemies että taiteilija. Modernistisen abstraktin taidesuuntauksen, joka tunnetaan nimellä Op-Art, isä, hän asui mukavasti molemmissa maailmoissa. Alun perin koulutettu lääketieteessä, Vasarely lähestyi taidetta järjestelmällisestä näkökulmasta. Hän analysoi esteettisen objektin muodollisia ominaisuuksia. Hän tutki luontoa etsiessään visuaalisen universumin rakennuspalikoita. Ja hän analysoi, miten katsojat havaitsivat visuaalisen universumin etsiessään, miten taide voisi auttaa paljastamaan perustavanlaatuisia totuuksia. 1920-luvulta, jolloin hän suoritti varhaisimmat esteettiset kokeensa, 1960-luvulle, jolloin hän paljasti lopullisen luomuksensa, "Alphabet Plastique", aina elämänsä loppuun asti 90-vuotiaana, Vasarely lähestyi taidetta näkökulmasta, joka samanaikaisesti sisälsi luovuutta ja analyysejä. Matkalla hän muutti tapaa, jolla ihmiset näkevät kaksiulotteisen tilan, ja loi teoskokonaisuuden, joka jopa vuosikymmeniä hänen kuolemansa jälkeen inspiroi taiteilijoita, taiteen ystäviä, suunnittelijoita ja tiedemiehiä.

Victor Vasarely tiedemies

Vuonna 1906, kun Victor Vasarely syntyi, taiteilijoita ja tiedemiehiä kunnioitettiin yhtä lailla. Budapestissa, jossa Vasarely opiskeli yliopistossa, ei olisi ollut epätavallista, että molempien alojen jäsenet olisivat vuorovaikutuksessa keskenään, erityisesti vilkkaissa kahviloissa Tonavan rannoilla, jotka olivat Euroopan älyllisen elämän keskuksia. Kun Vasarely ensimmäisen kerran astui yliopistoon, hän opiskeli tullakseen lääkäriksi Budapestin yliopiston lääketieteellisessä tiedekunnassa. Mutta kahden vuoden jälkeen ohjelmassa hän muutti äkillisesti suuntaa ja päätti omistautua taiteen opiskelulle.

Mutta vaikka hänen aiheensa muuttui, hänen lähestymistapansa oppimiseen ei muuttunut. Vuonna 1927, 21-vuotiaana, Vasarely ilmoittautui yksityiseen taidekouluun, jossa hän sai muodollista koulutusta maalarina. Hän menestyi taideopiskelijana, ja hioessaan esteettisiä taitojaan hän jatkoi myös johtavien tieteilijöiden kirjojen lukemista tuohon aikaan. Yksi hänen suosikkikirjailijoistaan tuona elämänsä aikana oli Niels Bohr, joka sai vuonna 1922 Nobelin palkinnon atomirakenteen tutkimuksesta. Kvanttimekaniikassa Bohrin malli kuvaa atomin rakennetta, joka on samanlainen kuin aurinkokunnan rakenne. Visuaalisesti se muistuttaa ympyrää, jota ympäröivät suuremmat ympyrät, kaavaa, jota Vasarely tutki toistuvasti taiteessaan.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, n. 1988. Silkkipainatus. 38 1/2 × 28 1/2 tuumaa; 97,8 × 72,4 cm. Painos 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Hänen tapauksensa rakentaminen

Taiteen ja tieteen kaksoistutkintonsa kautta Vasarely alkoi muotoilla teoriaa, jonka mukaan nämä kaksi ajattelutapaa leikkaavat toisiaan siten, että kun ne havaitaan yhdessä, ne voivat, kuten hän sanoi, "muodostaa kuvitteellisen rakenteen, joka on sopusoinnussa herkkyytemme ja aikamme tiedon kanssa.” Vuonna 1929 hän ilmoittautui Budapestin Muhely-akatemiaan, joka tuolloin oli Unkarin vastine Bauhausille. Hänen opintonsa keskittyivät geometriaan perustuvan kokonaisvaltaisen taiteen käsitteeseen. Hän kokeili geometrista abstraktiota ja alkoi ymmärtää, kuinka optisia harhoja voidaan luoda järjestämällä geometrisia muotoja ja värejä kaksidimensionaaliselle pinnalle. Vertailu hänen Muhely-akatemian maalauksensa Etudes Bauhaus C ja vuonna 1975 tekemänsä maalauksen Vonal-Stri välillä osoittaa Vasarelyn elinikäisen ja yksinkertaisen keskittymisen geometriaan mahdollisuuksiin ilmaista tieteen ja taiteen leikkauspistettä.

Muhely-akademialta lähtönsä jälkeen Vasarely muutti Pariisiin, meni naimisiin ja sai kaksi lasta. Hän elätti perheensä graafisena taiteilijana, harjoittaen taidettaan öisin. Vaikka päivätyö vaati puhdasta ja tarkkaa tyyliä, hänen taiteellinen toimintansa oli avoin hänen mielikuvitukselleen. Hän kehitti henkilökohtaisen tyylin, joka oli syvälle juurtunut molempiin. Se ilmeni hänen "Zebra"- ja "Harlequin"-maalauksissaan, sarjassa, johon hän palasi läpi elämänsä, sekä maalauksissa kuten "The Chessboard".

Victor Vasarely - Shakkilauta, 1975. Silkkipainatus. 31 1/2 × 30 tuumaa; 80 × 76,2 cm. Painos 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Väärä polku

14 vuoden kaksoisuran jälkeen Pariisissa Vasarely sai vihfinally ensimmäisen suuren näyttelynsä. Se sai niin hyvän vastaanoton, että hän oli vakuuttunut siitä, että voisi sitoutua täysipäiväisesti taiteilijaksi. Tänä aikana hän otti poikkeuksen luomaanansa visuaalisesta tyylistä. Lomaillessaan Bretagnen saarella hän huomasi, miten aallot vaikuttivat maisemaan, erityisesti miten ne muokkasivat rannikkoa ja muotoilivat kiviä. Tämä havainto johdatti hänet polulle eräänlaiseen biomorfiseen geometriseen abstraktioon, kun hän yritti yhdistää luonnollisen geometrian visuaaliseen ilmentymään orgaanisessa maailmassa.

Vaikka Vasarely myöhemmin viittasi tähän elämänvaiheeseensa "vääränä polkuna", se johti tärkeään kehitykseen hänen työssään. Se lisäsi pyöristettyjä elementtejä hänen maalauksiinsa. Kun hän palasi aiempaan geometriseen tyyliinsä, se tapahtui dynaamisten pyöristettyjen muotojen sisällyttämisen myötä, jotka näyttivät pullistuvan ulospäin maalauksesta tai romahtavan sisäänpäin pinnasta. Näiden muotojen tapa huijata silmää sai näyttämään siltä, että kuva liikkuisi. Tämä kineettinen illuusio, yhdistettynä Vasarelyn kankaiden kolmiulotteisuuteen, muodostui ikonisen estetiikan perustaksi, jota nyt kutsumme Op-Art:iksi.

Victor Vasarely - Nimetön #8 (vaaleanpunainen ja turkoosi pallo). Silkkipainatus. 13 × 10 tuumaa; 33 × 25,4 cm. Painos 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Keltainen manifesti

Vuonna 1955 Vasarely esitteli osan teoksistaan kineettisen taiteen näyttelyssä nimeltä "Le Movement" Pariisissa. Teostensa tueksi hän julkaisi esseen nimeltä Notes for a Manifesto. Keltaiselle paperille painettu essee on sittemmin tullut tunnetuksi nimellä The Yellow Manifesto. Siinä Vasarely julisti: “Olemme suuren aikakauden aamunkoitteessa.” Hän väitti, että sellaiset nimitykset kuin maalaus ja veistos olivat vanhentuneita, koska taiteilijat kuten Arp, Kandinsky, Mondrian ja Calder olivat tuhoaneet keinotekoiset erottelut muovitaiteen välillä. Hän julisti, että koska kaikki esteettiset ilmiöt ovat saman impulssin ilmentymiä, oli aika pitää kaikkia taiteellisia saavutuksia osana “yhtä muovista herkkyyttä eri tiloissa.”

Vasarelyn panos tähän "suureen aikakauteen" on selvä, kun tarkastellaan hänen tuottamiaan maalauksia tänä elämän aikana. Hänen työnsä määritteli täysin uudelleen katsojakokemuksen kahden ulottuvuuden taideteoksessa. Hän loi käsityksen siitä, että tilaa oli olemassa siellä, missä tilaa ei ollut. Katsojakokemus muuttui olemassaolevaksi täysin katsojan mielessä. Muodot, jotka sijaitsevat yhdellä Vasarelyn kankaista, ovat muodollisia ja tieteellisiä, ja silmällä tulkittuna ne saavat ominaisuuksia, jotka näyttävät haastavan tilallisen todellisuuden tieteelliset faktat.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Silkkipainatus Arches-paperille. 30 7/8 × 37 7/8 tuumaa; 78,4 × 96,2 cm. Painos 250. © Victor Vasarely

Muovialfabetti

1960-luvun huipulla Vasarely loi teoksen, joka edusti hänen elämänsä työn huipentumaa. Hän kuvasi sitä, mitä hän kutsui muovialfabeetiksi, symboliseksi visuaaliseksi kieleksi, joka perustui geometrisiin muotoihin ja väreihin. Alfabetissa oli 15 muotoa, jotka kaikki perustuivat ympyrän, kolmion ja neliön variaatioihin, ja jokainen muoto esiintyi 20 eri sävyssä. Jokainen muoto esitettiin neliökehykseen, ja muoto sekä sen ympäröivä kehys esitettiin eri sävyissä. Muovialfabeettia voitiin järjestää näennäisesti äärettömäksi yhdistelmien valikoimaksi ja käyttää ilmeisesti loputtoman kuvavalikoiman luomiseen.

Vasarelyn Plastinen Aakkosto -konseptilla, jonka hän nimenomaisesti tarkoitti, oli se, että sen toteuttamisen kautta luova teko voitaisiin suorittaa täysin tieteellisen prosessin kautta. Toisaalta se oli epäinhimillistävää, sillä se edusti eräänlaista ohjelmointia, kuin proto-keinotekoista älykkyyttä, joka voisi ottaa haltuunsa taiteen tekemisen prosessin. Toisaalta se oli inhimillistävää, sillä se demokratisoi ja demystifioi luovaa prosessia, mahdollistaen kenelle tahansa osallistua luovaan esteettiseen toimintaan.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Silkkipainatus. 22 × 23 1/2 tuumaa; 55.9 × 59.7 cm. Painos 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Taidetta kaikille

On sopivaa, että se kontribuutio, josta Vasarely muistetaan parhaiten, on eräänlainen häiriö. Hänen visuaalinen työnsä ei ainoastaan vääristänyt kaksidimensionaalisen taiteen pintaa, vaan myös hänen ideansa ja Plastinen Aakkosensa vääristivät kulttuurin pintaa. Vasarelyn ystävät, kollegat ja seuraajat muistavat innokkaasti, että yksi hänen mottoistaan oli "taidetta kaikille". Hän oli innoissaan nähdessään taiteensa olevan mukana vaatteissa, postikorteissa, kaupallisissa tuotteissa ja mainoksissa. Hän ennakoi, että tulevaisuudessa ainoa tapa, jolla taide voisi pysyä relevanttina, oli se, että jokainen ihminen voisi osallistua sen nauttimiseen.

"Emme vain näe Vasarelyn taiteen kaikuja nykytaiteen ja -muotoilun tuotteissa, vaan näemme myös hänen filosofiansa kaikuja digitaalisessa yhteisössä ja globaalissa kulttuurissa, johon se on vaikuttanut. Luomalla taidetyylin, jolla voisi olla universaalia vetovoimaa keinotekoisten sosiaalisten jakautumien yli, Vasarely loi jotain ainutlaatuista: vilpittömän ja iloisen esteettisen kokemuksen, joka, vaikka se onkin abstrakti, on helposti nautittavissa kaikille, jotka voivat nähdä. Ja ehkä vielä arvokkaampaa on, että hän jakoi vision tulevaisuudesta, jossa taide ja tiede työskentelevät yhdessä mielenkiintoisemman ja oikeudenmukaisemman maailman puolesta."

Esittelykuva: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park