Optisen Abstraktion Kehittäminen tai Kuinka Victor Vasarely Löysi Oman Tyylinsä

Joskus oletetaan, että kun puhumme ”taiteista ja tieteistä”, tarkoitamme selvästi erilaisia asioita. Tiede on kuitenkin asioiden tutkimista, kun taas taide on asioiden luomista. Mutta eikö tiedemiehetkin luo ja taiteilijatkin tutki? Eikö mielikuvitus ole olennainen molemmissa? Victor Vasarely oli sekä tiedemies että taiteilija. Modernistisen abstraktin taidesuuntauksen, joka tunnetaan nimellä Op-Art, isänä hän liikkui vaivattomasti molemmissa maailmoissa. Alun perin lääketieteeseen koulutettu Vasarely lähestyi taidetta järjestelmällisestä näkökulmasta. Hän analysoi esteettisen kohteen muodollisia ominaisuuksia. Hän tutki luontoa etsiessään visuaalisen maailmankaikkeuden rakennuspalikoita. Hän analysoi myös katsojien tapaa havaita visuaalinen maailmankaikkeus etsiessään, miten taide voisi auttaa paljastamaan perustavanlaatuisia totuuksia. 1920-luvulta, jolloin hän teki varhaisimmat esteettiset kokeilunsa, aina 1960-luvulle, jolloin hän paljasti elämänsä huipennuksen, ”Alphabet Plastique” -teoksen, asti ja kuolemaansa saakka 90-vuotiaana Vasarely lähestyi taidettaan näkökulmasta, joka sisälsi samanaikaisesti luovuutta ja analyysiä. Matkan varrella hän muutti ihmisten tapaa nähdä kaksiulotteinen tila ja loi teossarjan, joka vielä vuosikymmeniä kuolemansa jälkeen inspiroi taiteilijoita, taiteen ystäviä, suunnittelijoita ja tiedemiehiä.

Victor Vasarely tiedemiehenä

Vuonna 1906, kun Victor Vasarely syntyi, taiteilijoita ja tiedemiehiä arvostettiin yhtä lailla. Budapestissa, jossa Vasarely opiskeli, ei ollut epätavallista, että molempien alojen edustajat olivat vuorovaikutuksessa keskenään, erityisesti Tonavan rannalla sijaitsevissa vilkkaissa kahviloissa, jotka olivat Euroopan älyllisen elämän keskuksia. Kun Vasarely aloitti yliopisto-opintonsa, hän opiskeli lääkäriksi Budapestiin lääketieteellisessä tiedekunnassa. Mutta kahden vuoden jälkeen hän teki äkillisen suunnanmuutoksen ja päätti omistautua taiteen opiskelulle.

Vaikka hänen opiskeltava aiheensa muuttui, hänen oppimistapansa ei. Vuonna 1927, 21-vuotiaana, Vasarely ilmoittautui yksityiseen taidekouluun, jossa hän sai muodollisen koulutuksen maalauksessa. Hän menestyi taideopiskelijana ja hioessaan esteettisiä taitojaan hän jatkoi myös aikansa johtavien tiedemiesten kirjojen lukemista. Yksi hänen suosikkikirjailijoistaan tuohon aikaan oli Niels Bohr, joka sai Nobelin palkinnon vuonna 1922 atomirakenteen tutkimuksestaan. Kvanttifysiikassa Bohrin malli kuvaa atomin rakennetta aurinkokunnan rakenteen kaltaisena. Visuaalisesti se muistuttaa ympyrää, jota ympäröivät suuremmat ympyrät, kuvio, jota Vasarely tutki toistuvasti taiteessaan.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, n. 1988. Seripainatus. 97,8 × 72,4 cm. 300 kappaleen painos. RoGallery. © Victor Vasarely

Perustelujen rakentaminen

Taiteen ja tieteen kaksoisopintojensa kautta Vasarely alkoi muotoilla teoriaa, jonka mukaan nämä kaksi ajattelutapaa leikkaavat toisiaan tavalla, joka yhdessä havaittuna voisi, kuten hän sanoi, ”muodostaa kuvitteellisen rakenteen, joka on sopusoinnussa aistimuksemme ja nykyajan tiedon kanssa.” Vuonna 1929 hän ilmoittautui Budapestiin Muhely-akatemiaan, joka tuolloin oli Unkarin vastine Bauhausille. Hänen opintonsa siellä keskittyivät kokonaisvaltaisen taiteen käsitteeseen, joka perustui geometriaan. Hän kokeili geometristä abstraktiota ja alkoi ymmärtää, miten optisia harhoja voidaan luoda järjestämällä geometrisia muotoja ja värejä kaksiulotteiselle pinnalle. Vertailu hänen Muhely-akatemian maalauksestaan nimeltä Etudes Bauhaus C ja vuonna 1975 tekemästään maalauksesta Vonal-Stri osoittaa Vasarelyn elinikäisen ja yksisuuntaisen keskittymisen geometriaan mahdollisuutena ilmaista tieteen ja taiteen leikkauspistettä.

Muhely-akatemiasta lähdettyään Vasarely muutti Pariisiin, meni naimisiin ja sai kaksi lasta. Hän elätti perheensä graafikkona ja harjoitti taidettaan öisin. Päivätyö vaati puhdasta, tarkkaa tyyliä, mutta taiteellinen työskentely oli avoin mielikuvitukselle. Hän kehitti henkilökohtaisen tyylin, joka ammensi molemmista. Se ilmeni hänen ”Zebra” ja ”Harlequin” -maalauksissaan, sarjoissa, joihin hän palasi koko elämänsä ajan, sekä maalauksissa kuten ”The Chessboard.”

Victor Vasarely - Chessboard, 1975. Seripainatus. 80 × 76,2 cm. 300 kappaleen painos. RoGallery. © Victor Vasarely

Väärä polku

Neljätoista vuotta Pariisissa kahden uran parissa työskenneltyään Vasarely sai vihdoin ensimmäisen suuren näyttelynsä. Se sai niin hyvän vastaanoton, että hän oli vakuuttunut voivansa omistautua taiteilijuudelle kokopäiväisesti. Juuri tuolloin hän poikkesi aiemmasta visuaalisesta tyylistään. Lomaillessaan Bretagnen saarella hän kiinnitti huomiota siihen, miten aallot vaikuttivat maisemaan, erityisesti siihen, miten ne muovasivat rannikkoa ja kiviä. Tämä havainto johdatti hänet biomorfisen geometrisen abstraktion suuntaan, kun hän yritti yhdistää luonnon orgaanisen maailman geometriaan visuaalisesti.

Vaikka Vasarely myöhemmin kutsui tätä elämänvaihetta ”vääräksi poluksi”, se johti tärkeään kehitykseen hänen töissään. Se toi maalauksiin pyöreämpiä elementtejä. Palattuaan aiempaan geometriseen tyyliinsä hän sisällytti siihen dynaamisia pyöreitä muotoja, jotka näyttivät pullistuvan maalauksesta ulospäin tai romahtavan pinnasta sisäänpäin. Näiden muotojen silmää huijaava vaikutelma sai kuvan näyttämään liikkuvalta. Tämä kineettinen harha, yhdistettynä Vasarelyn kankaiden kolmiulotteisuuteen, loi perustan ikoniseen esteettiseen tyyliin, jota nyt kutsumme Op-Artiksi.

Victor Vasarely - Untitled #8 (vaaleanpunainen ja turkoosi pallo). Seripainatus. 33 × 25,4 cm. 50 kappaleen painos. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Keltainen manifesti

Vuonna 1955 Vasarely esitteli teoksiaan kineettisen taiteen näyttelyssä nimeltä ”Le Movement” Pariisissa. Työnsä oheen hän julkaisi esseen nimeltä Notes for a Manifesto. Keltaiselle paperille painettu essee on sittemmin tullut tunnetuksi nimellä Keltainen manifesti. Siinä Vasarely julisti: ”Olemme suuren aikakauden kynnyksellä.” Hän vaati, että maalauksen ja veistoksen kaltaiset nimitykset olivat vanhentuneita, koska taiteilijat kuten Arp, Kandinsky, Mondrian ja Calder olivat tuhonneet muovien taiteiden keinotekoiset rajat. Hän julisti, että koska kaikki esteettiset ilmiöt ovat saman impulssin ilmentymiä, oli aika pitää kaikkia taiteellisia saavutuksia osana ”yhtä muovista aistimusta eri tiloissa.”

Vasarelyn panos tähän ”suureen aikakauteen” näkyy selvästi hänen tuon ajan maalauksissaan. Hänen työnsä määritteli täysin uudelleen katsojan kokemuksen kaksiulotteisesta taideteoksesta. Hän loi vaikutelman, että tila oli olemassa siellä, missä sitä ei ollut. Katsojan kokemus siirtyi kokonaan katsojan mieleen. Vasarelyn kankailla olevat muodot ovat muodollisia ja tieteellisiä, mutta silmän tulkitsemana ne saavat ominaisuuksia, jotka näyttävät uhmaavan tilallisen todellisuuden tieteellisiä tosiasioita.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Seripainatus Arches-paperille. 78,4 × 96,2 cm. 250 kappaleen painos. © Victor Vasarely

Muovinen aakkosto

Suosionsa huipulla 1960-luvulla Vasarely loi teoksen, joka edusti hänen elämänsä työn huipentumaa. Hän kuvaili sitä nimellä Muovinen aakkosto, symbolinen visuaalinen kieli, joka perustui geometrisiin muotoihin ja väreihin. Aakkostossa oli 15 muotoa, kaikki ympyrän, kolmion ja neliön variaatioita, ja jokainen muoto esiintyi 20 eri sävyssä. Jokainen muoto esitettiin neliönmuotoisessa kehyksessä, ja muoto sekä sen ympärillä oleva kehys olivat eri sävyissä. Muovinen aakkosto voitiin järjestää näennäisesti loputtomiin yhdistelmiin ja käyttää luomaan ilmeisen loputon määrä kuvia.

Vasarely ilmaisi Muovisen aakkostonsa kautta, että luova teko voitaisiin toteuttaa puhtaasti tieteellisellä prosessilla. Toisaalta se oli epäinhimillistä, sillä se edusti eräänlaista ohjelmointia, kuin varhaista tekoälyä, joka voisi ottaa taiteen tekemisen prosessin haltuunsa. Toisaalta se oli inhimillistä, sillä se demokratisoi ja poisti luovuuden mystiikkaa, antaen kenelle tahansa mahdollisuuden osallistua luovaan esteettiseen toimintaan.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Seripainatus. 55,9 × 59,7 cm. 300 kappaleen painos. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Taide kaikille

On sopivaa, että Vasarelyn tunnetuin panos on eräänlainen mullistus. Hänen visuaalinen työnsä ei ainoastaan vääristänyt kaksiulotteisen taiteen pintaa, vaan myös hänen ideansa ja Muovinen aakkostonsa vääristivät kulttuurin pintaa. Vasarelyn ystävät, kollegat ja seuraajat muistavat innokkaasti, että yksi hänen tunnuslauseistaan oli ”taide kaikille.” Hän ilahtui nähdessään taiteensa vaatteissa, postikorteissa, kaupallisissa tuotteissa ja mainoksissa. Hän ennusti, että tulevaisuudessa taide voisi säilyä merkityksellisenä vain, jos jokainen ihminen voisi osallistua sen nauttimiseen.

Emme näe vain Vasarelyn taiteen kaikuja nykytaiteen ja -muotoilun tuotteissa, vaan myös hänen filosofiaansa digitaalisessa yhteisössä ja maailmanlaajuisessa kulttuurissa, johon se on vaikuttanut. Luomalla tyylin, jolla oli universaali vetovoima keinotekoisista sosiaalisista rajoista riippumatta, Vasarely loi jotain ainutlaatuista: vilpittömän ja ilon täyttämän esteettisen kokemuksen, joka, vaikka on abstrakti, on helposti nautittavissa kenelle tahansa, joka näkee. Ja ehkä vielä arvokkaampaa on, että hän jakoi vision tulevaisuudesta, jossa taide ja tiede työskentelevät yhdessä mielenkiintoisemman ja oikeudenmukaisemman maailman puolesta.

Kuvassa: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcio