Muodon ja muotoilun psykologia
Miksi abstrakti taide viehättää? Usein sitä pidetään muotojen, värien ja muotojen visuaalisena kielenä, ja abstraktissa taideteoksessa on jotain hyvin erityistä vetovoimaa. On olemassa useita teorioita, jotka pyrkivät selittämään katsojan nauttimisen ja taiteilijan luomisen psykologiaa abstraktin taiteen kohdalla. Taiteilijoiden traumojen vaikutuksia voidaan usein havaita selkeänä siirtymänä kohti abstraktiutta: kuuluisasti Willem de Kooning jatkoi maalaamista Alzheimerin taudin kehittyessä, minkä jälkeen hänen tyylinsä muuttui yhä abstraktimmaksi. De Kooningin ja monien muiden esimerkki osoittaa, että taide voi tarjota näkemyksen ihmisaivojen muutoksista, jotka vaikuttavat ilmaisuun ja havaintoon. Seuraavassa raportissa käsittelemme joitakin abstraktiin taiteeseen liittyviä psykologisia teorioita.
Neuroestetiikka: Tieteellisen objektiivisuuden tuominen taiteen tutkimukseen
1990-luvulla Lontoon University Collegessa näköaivotutkija Semir Zeki perusti neuroestetiikan tieteenalan, joka tutkii neurologisesta näkökulmasta eri taiteellisten tekniikoiden suhteellista menestystä. Useat tieteelliset tutkimukset, jotka ovat tutkineet vetovoiman syitä abstraktiin taiteeseen, ovat päätyneet siihen, että tämän taidemuodon tutkiminen stimuloi hyvin aktiivista hermostollista toimintaa, kun katsoja yrittää tunnistaa tuttuja muotoja, tehden teoksesta 'voimakkaan'. Näkemällä teoksen pulmana aivot ilahtuvat, kun ne onnistuvat 'ratkaisemaan' tämän ongelman (Pepperell, Ishai).
Eräässä tutkimuksessa, jota johti Angelina Hawley-Dolan Boston Collegen Massachusettsissa (Psychological Science, vol 22, s. 435), kysyttiin, olisiko ammattitaiteilijoiden tekemä abstrakti taide yhtä miellyttävää silmälle kuin satunnaisista viivoista ja väreistä lasten tai eläinten tekemä teos. Hawley-Dolan pyysi vapaaehtoisia katsomaan yhtä kuuluisaa abstraktia taideteosta ja yhtä amatöörin, lapsen, simpanssin tai norsun tekemää teosta ilman tietoa, kumpi oli kumpi. Vapaaehtoiset yleensä pitivät enemmän ammattitaiteilijoiden töistä, vaikka etiketti kertoi teoksen olevan simpanssin tekemä. Tutkimus päätyi siihen, että katsoja kykenee – vaikkei osaa sanoa miksi – aistimaan taiteilijan näkemyksen. Hawley-Dolanin tutkimus seurasi havaintoja, joiden mukaan impressionistisen taiteen sumeat kuvat stimuloivat aivojen mantelitumaketta, joka on keskeinen tunteiden ja tuntemusten käsittelyssä. Abstrakti taide, joka usein pyrkii poistamaan tulkittavat elementit, ei kuitenkaan kuulu tähän kategoriaan.
Tästä tutkimuksesta innostuneena Kat Austen New Scientist -lehdessä (14.7.2012) tutkii abstraktin taiteen viehätystä, innoittuneena Jackson Pollockin teoksen Summertime: Number 9A katsomisesta, joka hänen mukaansa oli ensimmäinen kerta, kun abstrakti taide herätti hänessä tunteita. Austen esittää hypoteesin, että abstraktit teokset, joissa ei näytä olevan tunnistettavaa esinettä aivoille – kuten Rothko, Pollock ja Mondrian – voivat vaikuttaa hyvin tasapainoisilla sommitelmilla, jotka vetoavat tai 'kaappaavat' aivojen näköjärjestelmän.
Kanadan yliopistossa Oshin Vartaniaanin tekemässä tutkimuksessa, jossa vapaaehtoisia pyydettiin vertailemaan alkuperäisiä maalauksia sommitelmaltaan muutettuihin versioihin, Vartanian havaitsi, että meillä on voimakkaampi reaktio kuvioihin ja sommitelmiin. Lähes kaikki vapaaehtoiset pitivät alkuperäisestä teoksesta enemmän, vaikka tyylit vaihtelivat van Goghin asetelmasta Mirón Bleu I -teokseen. Tulokset viittasivat siihen, että katsoja on luonnostaan tietoinen maalauksissa olevasta tilallisesta tarkoituksesta.
Palaten Austeniin, hän tarkastelee myös Liverpoolin yliopiston psykologin Alex Forsythen havaintoja, jotka yhdistävät abstraktin taiteen muodot aivojen kykyyn käsitellä monimutkaisia kohtauksia, viitaten Manetin ja Pollockin töihin. Käyttäen pakkausalgoritmia mittaamaan taideteosten visuaalista monimutkaisuutta ja tallentamaan monimutkaisia kuvia, Forsythe päätteli, että jotkut taiteilijat saattavat hyödyntää tätä monimutkaisuutta vetoamaan aivojen yksityiskohtien tarpeeseen. Forsythe tutki myös aivojen vetovoimaa fraktaalikuvioihin ja abstraktin taiteen viehätystä. Nämä luonnosta otetut toistuvat kuviot voivat vedota ihmisen näköjärjestelmään, joka kehittyi ulkona, ja Forsythe arvelee, että abstraktit taiteilijat saattavat käyttää väriä "lievittämään negatiivista kokemusta, joka meillä normaalisti olisi kohdatessamme liian korkean fraktaalisisällön". Austen huomauttaa, että neuroestetiikka on vielä alkuvaiheessa, ja voi olla liian aikaista tehdä laajoja johtopäätöksiä. Kuitenkin tämän tutkimusalueen käsittelemät monet teoriat antavat meille syvempää ymmärrystä abstraktin taiteen visuaalisesta vetovoimasta. Ei vähiten jotkut tiedemiehet ovat arvelleet, että aivot saattavat vetäytyä Pollockin kaltaisten taiteilijoiden töihin, koska käsittelemme visuaalista liikettä – kuten käsinkirjoitettua kirjettä – ikään kuin toistaisimme luomisprosessia. Tämä voisi olla yksi selitys Pollockin teosten koetulle dynaamisuudelle, jonka energinen tuotanto elää katsojan mielessä.
Margaret Neill - Manifest, 2015. Hiili ja vesi paperilla. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Hengellisestä taiteessa
Palataan nyt noin sata vuotta taaksepäin, saksalaisen ekspressionismin johtajiin, joka tunnetaan synestesiaa hyödyntävänä taiteilijana: Kandinsky oli keskeinen hahmo 1900-luvun alun teorioissa abstraktin taiteen psykologian takana. Hänen kirjansa ’Hengellisestä taiteessa’, julkaistu vuonna 1911, tuli tunnetuksi abstraktin maalaustaiteen perustavana teoksena ja tutki yksityiskohtaisesti muodon, viivan ja värin tunneominaisuuksia. Kandinskyn synestesia ilmeni hänen poikkeuksellisena värien herkkyytenä ja kykynään paitsi nähdä, myös kuulla värejä. Tämän vuoksi hän katsoi, että maalausta ei tulisi analysoida älyllisesti, vaan sen tulisi tavoittaa aivojen musiikin käsittelyyn liittyvät osat. Kandinsky uskoi, että väri ja muoto ovat kaksi peruskeinoa, joilla taiteilija voi saavuttaa hengellisen harmonian sommitelmassa, ja hän jakoi taiteen luomisen ja havaitsemisen kahteen kategoriaan: sisäiseen ja ulkoiseen tarpeeseen. Viitaten Cézanneen Kandinsky ehdotti, että taiteilija loi lineaaristen ja värillisten muotojen vastakkainasettelun harmonian luomiseksi, vastakohtaisuuden periaatteen, jonka Kandinsky uskoi olevan "taiteen tärkein periaate kaikina aikoina". Voimme soveltaa yhtä Kandinskyn periaatteista, kuten tässä akateemisessa työssä käsitellään, Jackson Pollockin taiteelliseen käytäntöön, jossa hän asetti kankaat lattialle ja tiputteli maalia niille ylhäältä. Kandinskyn mukaan taiteilijan ei tule noudattaa taiteen sääntöjä, vaan hänen tulee olla vapaa ilmaisemaan itseään millä tahansa keinolla: olennainen tekijä sisäiselle tarpeelle. Edward Lavinen mukaan maalaaminen Pollockille "muuttuu kokemukseksi, jossa teoksella on omat vaatimuksensa, jotka ovat riippumattomia maalarin persoonasta. Nämä vaatimukset näyttävät usein edellyttävän henkilökohtaisen valinnan luopumista teoksen sisäisen tarpeen hyväksi." (Myyttisiä vivahteita Jackson Pollockin työssä) Jossain määrin tämä teoria on ristiriidassa Forsythen ja muiden mainittujen kanssa, sillä se viittaa siihen, että taiteilijalla on rajallinen valinnanvapaus teoksen luomisessa. Kuitenkin se osoittaa abstraktin taiteen luomisprosessin voiman.
Anya Spielman - Bury, 2010. Öljy paperilla. 28 x 25,4 cm.
Huippu-siirtymä
Perusajatus huippu-siirtymän periaatteessa on, että eläimet voivat reagoida voimakkaammin liioiteltuun ärsykkeeseen kuin tavalliseen. Käsite, jonka etologi Nikolaas Tinbergen alun perin esitti, sovellettiin V.S. Ramachandranin ja William Hirsteinin vuonna 1999 julkaistussa artikkelissa The Science of Art, jossa käytettiin lokinpoikaskokeilua – jossa poikaset nokkivat yhtä mielellään punaisen pisteen emon nokassa kuin keppiä, jossa on kolme punaista raitaa päässä – osoittamaan, että poikaset reagoivat ’ylipärsykkeeseen’, tässä punaisen ääriviivan määränä. Miehille tämä punainen keppi vastaisi esimerkiksi Picasson mestariteosta verrattuna katsojan reaktioon.
Ramachandran väitti, että abstraktit taiteilijat hyödyntävät tätä teoriaa saavuttaakseen parhaat tulokset, tunnistamalla sen olennaisen, mitä he haluavat kuvata, liioittelemalla sitä ja poistamalla kaiken muun. Ramachandranin mukaan reaktiomme abstraktiin taiteeseen on huippu-siirtymä perusreaktiosta alkuperäiseen ärsykkeeseen, vaikka katsoja ei muistaisikaan, mikä alkuperäinen ärsyke oli.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Öljy kankaalle. 60 x 54 tuumaa.
Aivovaurio ja abstraktio
Palaten de Kooningiin, tutkimukset ovat osoittaneet, että aivoissa ei ole yhtä taiteen keskusta, vaan molempia aivopuoliskoja käytetään taiteen luomiseen, mikä voi vaikuttaa taiteelliseen kykyyn tai taiteen luonteen muutokseen aivovaurion tai neurodegeneratiivisen sairauden jälkeen. Anjan Chatterjeen mukaan The Scientist -lehdessä oikean aivopuoliskon vaurio voi johtaa tilallisen hahmottamisen heikkenemiseen, mikä usein johtaa ilmaisullisen tyylin omaksumiseen, joka ei vaadi samanlaista realismia. Vastaavasti vasemman aivopuoliskon vaurio voi innostaa taiteilijoita käyttämään teoksissaan kirkkaampia värejä ja muuttamaan kuvien sisältöä. Kalifornialaisen taiteilijan Katherine Sherwoodin tyyliä pidettiin kriitikoiden mukaan 'raakempana' ja 'intuitiivisempana' vasemman aivopuoliskon verenvuotoaallon jälkeen. Aivovaurio ei rajoitu pelkästään taiteen tekemiseen, vaan se voi myös muuttaa taiteen arvostusta, sanoo Chatterjee. Tarkemmin ottaen oikean otsalohkon vaurio voi heikentää abstraktiuden, realismin ja symboliikan arviointia, ja oikean päälaenlohkon vaurio voi vaikuttaa elollisuuden ja symboliikan arviointiin.
Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 tuumaa
Arvovalta tuotannon edellä
On merkittäviä todisteita siitä, että reagoimme myönteisemmin taiteeseen sen perusteella, miten koemme sen. Kun ihmisille esitetään abstrakti taideteos, he pitävät sitä houkuttelevampana, kun heille kerrotaan sen olevan museosta kuin silloin, kun he uskovat sen olevan tietokoneella tehty, vaikka kuvat olisivat identtisiä. Tämä toimii monilla psykologisilla tasoilla, stimuloiden aivojen episodimuistin osaa – museokäynnin ajatusta – ja orbitofrontaalista kuorta, joka reagoi myönteisemmin teoksen statukseen tai aitouteen kuin sen todelliseen aistisisältöön, mikä viittaa siihen, että tieto, ei visuaalinen kuva, on keskeinen tekijä vetovoimassamme abstraktiin taiteeseen. Samoin voi olla, että saamme enemmän iloa taide- ja kulttuuritiedon muistamisesta.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryyli kankaalle. 70 x 100 cm.
Abstrakti taide vetoaa taiteilijoihin
Lisätutkimukset ovat osoittaneet, miksi abstrakti taide voi vedota voimakkaammin tiettyihin ihmisryhmiin, nimittäin taiteilijoihin. Sähköisten rytmien tallentaminen taiteilijoiden ja ei-taiteilijoiden aivoissa osoitti, että henkilön taiteellinen tausta vaikuttaa suuresti abstraktin taiteen käsittelyyn, paljastaen, että taiteilijat osoittivat keskittynyttä huomiota ja aktiivista osallistumista tietoon. Yksi teoria ehdottaa, että tämä johtuu siitä, että aivot käyttävät muistia palauttaakseen muita teoksia ymmärtääkseen visuaalista ärsykettä. Juuri tämä muistamisen tunne ja monitasoinen tunnistuksen etsintä näyttää antavan abstraktille taiteelle suuren osan sen kestävästä vetovoimasta. Kandinskyn tutkimusmatkasta vuodelta 1911 huippu-siirtymän käsitteeseen ja nykyaikaiseen neuroestetiikan tutkimukseen abstraktin taiteen psykologia on laaja ja alati muuttuva tutkimusala, joka vahvistaa jatkuvaa kiinnostusta purkaa, selittää ja nauttia abstraktista taiteesta.
Kuvassa: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 tuumaa
