Muodon ja muotoilun psykologia
Miksi abstrakti taide kiehtoo? Usein sitä pidetään muodon, värin ja rakenteen visuaalisena kielenä, ja abstraktissa taideteoksessa on jotain hyvin erityistä, mikä vetää puoleensa. Useita teorioita on olemassa, jotka pyrkivät selittämään psykologian taustalla olevan nautinnon katsojan ja taiteilijan luomisen osalta abstraktissa taiteessa. Traumaattisten kokemusten vaikutuksia taiteilijoissa voidaan usein havaita huomattavana siirtymänä abstraktioon: tunnetusti Willem de Kooning jatkoi maalaamista kehitettyään Alzheimerin taudin, jonka jälkeen hänen tyylinsä muuttui yhä abstraktimmaksi. De Kooningin esimerkki ja monet muut hänen kaltaisensa osoittavat, että taide voi tarjota näkemyksiä ihmisen aivojen muutoksista, jotka muuttavat ilmaisua ja havaintoa. Seuraavassa raportissa käsittelemme joitakin psykologisia teorioita, jotka liittyvät abstraktiin taiteeseen.
Neuroestetiikka: Tieteellisen objektiivisuuden tuominen taiteen tutkimukseen
1990-luvulla vision neurotieteilijä Semir Zeki Lontoon yliopistosta perusti neuroestetiikan, joka tutkii neurologiselta pohjalta erilaisten taiteellisten tekniikoiden suhteellista onnistumista. Useat tieteelliset tutkimukset, jotka ovat tarkastelleet syitä abstraktin taiteen vetovoimalle, ovat päätyneet siihen, että tämän taidetyylin tutkiminen stimuloi erittäin aktiivista hermotoimintaa, kun katsoja kamppailee tunnistaakseen tuttuja muotoja, mikä tekee teoksesta 'voimakkaan'. Aivomme näkevät teoksen pulmana, ja ne ovat tyytyväisiä, kun ne onnistuvat 'ratkaisemaan' tämän ongelman (Pepperell, Ishai).
Erityinen tutkimus, jota johti Angelina Hawley-Dolan Bostonin yliopistosta, Massachusettsista (Psychological Science, volyymi 22, sivu 435), kyseenalaisti, olisiko ammattitaiteilijoiden luoma abstrakti taide yhtä miellyttävää silmälle kuin joukko satunnaisia viivoja ja värejä, jotka on tehnyt lapsi tai eläin. Hawley-Dolan pyysi vapaaehtoisia katsomaan yhtä maalausta kuuluisalta abstraktilta taiteilijalta ja yhtä amatööriltä, lapselta, simpanssilta tai elefantilta, ilman ennakkotietoa siitä, mikä on mikä. Vapaaehtoiset suosivat yleensä ammattitaiteilijoiden teosta, vaikka etiketti kertoi heille, että se oli luotu simpanssin toimesta. Tutkimus päätteli siis, että kun katsomme teosta, olemme kykeneviä – vaikka emme osaa sanoa miksi – aistimaan taiteilijan vision. Hawley-Dolanin tutkimus seurasi havaintoja, että sumeat kuvat impressionistisesta taiteesta stimuloivat aivojen amygdalaa, joka näyttelee keskeistä roolia tunteissa ja tuntemuksissa. Kuitenkin abstrakti taide, joka usein pyrkii poistamaan kaikki tulkittavat elementit, ei kuulu tähän kategoriaan.
Ottaen inspiraatiota tästä tutkimuksesta, Kat Austen New Scientistissa (14. heinäkuuta 2012) tutkii abstraktin taiteen vetovoimaa, inspiroituneena Jackson Pollockin teoksen, Summertime: Number 9A, katselun vaikutuksesta, joka, kuten hän kirjoittaa, oli ensimmäinen kerta, kun abstrakti taideteos herätti hänen tunteensa. Austen esittää hypoteesin, että abstraktit taideteokset, jotka ilmeisesti eivät sisällä tunnistettavaa objektia aivoille – nimittäin Rothko, Pollock ja Mondrian – saattavat vaikuttaa hyvin tasapainotettujen kompositioiden kautta, sillä ne vetoavat aivojen visuaaliseen järjestelmään tai "kaappaavat" sen.
Oshin Vartanianin tutkimuksessa Kanadan yliopistossa, jossa tutkija pyysi vapaaehtoisia vertaamaan sarjaa alkuperäisiä maalauksia yhteen, jonka sommittelua oli muutettu, Vartanian havaitsi, että meillä on kohonnut reaktio kuvioihin ja sommitteluun. Lähes kaikki vapaaehtoiset suosivat alkuperäistä teosta, vaikka he työskentelivät niin erilaisilla tyyleillä kuin van Goghin still life ja Bleu I Mirólta. Tulokset viittasivat siihen, että katsoja on luontaisesti tietoinen maalauksen erityisten sommitelmien taustalla olevasta tilallisesta aikomuksesta.
Palatakseni Austeniin, hän ottaa myös huomioon Alex Forsythen, Liverpoolin yliopiston psykologin, havainnot, jotka yhdistävät abstraktin taiteen muodot aivojen kykyyn käsitellä monimutkaisia kohtauksia, viitaten Manetin ja Pollockin teoksiin. Käyttämällä pakkausalgoritmia mitatakseen taideteosten visuaalista monimutkaisuutta ja tallentaakseen monimutkaisia kuvia, Forsythe päätteli, että jotkut taiteilijat saattavat hyödyntää tätä monimutkaisuutta vedotakseen aivojen tarpeeseen yksityiskohdista. Forsythe tutki myös aivojen vetovoimaa fraktaalimalleihin ja abstraktin taiteen viehätystä. Nämä toistuvat mallit, jotka on otettu luonnosta, saattavat vedota ihmisen visuaaliseen järjestelmään, joka on kehittynyt ulkona, ja Forsythe päättelee, että abstraktit taiteilijat saattavat käyttää väriä "lievittääkseen negatiivista kokemusta, jonka normaalisti koemme kohdatessamme liian suuren fraktaalisisällön". Austen huomauttaa, että neuroestetiikka on edelleen alkuvaiheessa, ja että voi olla liian aikaista tehdä laajoja väitteitä. Kuitenkin useat teoriat, joita on käsitelty tämän tutkimusalueen kautta, antavat meille suuremman käsityksen abstraktin taiteen visuaalisesta vetovoimasta. Ei vähiten, jotkut tiedemiehet ovat päättäneet, että aivot saattavat olla viehättäviä taiteilijoiden, kuten Pollockin, teoksille, sillä käsittelemme visuaalista liikettä – kuten käsinkirjoitettua kirjettä – ikään kuin toistaisimme luomisen. Tämä voisi olla yksi ymmärrys Pollockin teosten havaitusta dynaamisuudesta, jonka energinen tuotanto elää katsojan kautta.
Margaret Neill - Manifesti, 2015. Hiili ja vesi paperilla. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Taiteen hengellisyydestä
Palataan nyt noin vuosisata taaksepäin, saksalaisen ekspressionismin johtajiin, joka tunnetaan synesteettisenä taiteilijana: Kandinskyllä oli keskeinen rooli 1900-luvun alun teorioissa abstraktin taiteen psykologisesta taustasta. Hänen kirjansa 'Taiteen hengellisyydestä', julkaistu vuonna 1911, tuli tunnetuksi abstraktin maalaamisen perustekstinä ja tutki yksityiskohtaisesti muodon, viivan ja värin emotionaalisia ominaisuuksia. Kandinskyn synesteesia ilmeni hänen epätavallisessa herkkyydessään väreille ja hänen kyvyssään nähdä, mutta myös kuulla niitä. Tämän vuoksi hän päätteli, että maalausten tulisi välttää älyllistä analyysiä ja sen sijaan antaa niiden tavoittaa aivojen osat, jotka liittyvät musiikin käsittelyyn. Kandinsky uskoi, että väri ja muoto olivat kaksi peruskeinoa, joilla taiteilija voisi saavuttaa hengellisen harmonian kompositiossa, ja hän jakoi taiteen luomisen ja havaitsemisen kahteen kategoriaan: sisäinen ja ulkoinen välttämättömyys. Viitaten Cézanneen, Kandinsky ehdotti, että taiteilija loi lineaaristen ja värillisten muotojen vastakkainasettelun harmonian luomiseksi, kontrastiperiaatteen, jonka Kandinsky väitti olevan "tärkein periaate taiteessa kaikina aikoina". Voimme soveltaa yhtä Kandinskyn periaatteista, kuten tässä akateemisessa työssä on käsitelty, Jackson Pollockin taiteelliseen käytäntöön, jossa hän asetti kankaat lattialle ja tiputti maalia niiden päälle korkealta. Kandinskyn mukaan taiteilijan ei tule noudattaa taiteen sääntöjä, vaan hänen on oltava vapaa ilmaisemaan itseään kaikilla mahdollisilla keinoilla: olennainen tekijä sisäiselle välttämättömyydelle. Edward Lavinen mukaan maalaaminen Pollockille "tulee kokemukseksi [in] teoksella on omat vaatimuksensa, jotka ovat olemassa riippumatta maalarin persoonallisuudesta. Nämä vaatimukset näyttävät usein vaativan henkilökohtaisesta valinnasta luopumista työn sisäisen välttämättömyyden hyväksi." (Myyttiset sävyt Jackson Pollockin työssä) Jossain määrin tämä teoria on ristiriidassa Forsythen ja muiden mainittujen kanssa, sillä se viittaa siihen, että taiteilijalla on rajallisesti valinnanvaraa työn luomisessa. Silti se osoittaa abstraktin taiteen luomisprosessin voiman.
Anya Spielman - Bury, 2010. Öljy paperilla. 28 x 25,4 cm.
Peak-Shift
Perusajatus huippusiirron periaatteessa on se, että eläimet voivat reagoida voimakkaammin liioiteltuun ärsykkeeseen kuin normaaliin. Tämä käsite, jonka alun perin esitti etologi Nikolaas Tinbergen, sovellettiin V.S. Ramachandranin ja William Hirsteinin toimesta vuonna 1999 julkaistussa artikkelissa The Science of Art, jossa he käyttivät lokkikokeilua – jossa poikaset nokkivat yhtä mielellään punaisesta täplästä äidin nokassa kuin tikusta, jossa on kolme punaista raitaa päässä – osoittaakseen, että poikaset reagoivat 'superärsykkeeseen', jota tässä edustaa punaisen ääriviivan määrä. Näille kahdelle miehelle tämä punapäällinen tikku olisi verrattavissa esimerkiksi Picasson mestariteokseen suhteessa katsojan saavuttamaan reaktiotason.
Ramachandran väitti, että abstraktit taiteilijat manipuloivat tätä teoriaa saavuttaakseen parhaat tulokset tunnistamalla sen olennaisen, mitä he haluavat kuvata, liioittelemalla sitä ja pääsemällä eroon kaikesta muusta. Ramachandranin mukaan reaktiomme abstraktiin taiteeseen on huippusiirto perusreaktiosta johonkin alkuperäiseen ärsykkeeseen, vaikka katsoja ei ehkä muistaisi, mikä alkuperäinen ärsyke oli.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Öljy kankaalle. 60 x 54 tuumaa.
Aivovaurio ja Abstraktio
Palatakseni de Kooningin pariin, tutkimukset ovat osoittaneet, että aivoilla ei ole yhtä ainoaa taidekeskusta, vaan ne käyttävät molempia aivopuoliskoja taiteen luomiseen, mikä voi vaikuttaa taiteellisiin kykyihin tai taiteellisen tuotannon luonteeseen aivovamman tai neurodegeneratiivisen taudin jälkeen. Anjan Chatterjeen mukaan The Scientist -julkaisussa oikean aivopuoliskon vaurio voi johtaa tilan käsittelyn heikentymiseen, mikä usein johtaa ilmaisutyylin omaksumiseen, joka ei vaadi samaa realismitasoa. Samoin vasemman aivopuoliskon vaurio voi inspiroida taiteilijoita käyttämään työssään elävämpiä värejä ja muuttamaan kuvastonsa sisältöä. Kalifornialaisen taiteilijan Katherine Sherwoodin tyyliä pidettiin kriitikoiden mukaan enemmän 'raakana' ja 'intuitiivisena' vasemman aivopuoliskon verenvuodon jälkeen. Taiteen tuotannon lisäksi aivovamma voi myös muuttaa taiteen arvostusta, sanoo Chatterjee. Tarkemmin sanottuna oikean etuotsalohkon vaurio voi heikentää abstraktisuuden, realismin ja symboliikan arviointia, ja oikean parietaalilohkon vaurio voi vaikuttaa elollisuuden ja symboliikan arviointiin.
Gary Paller - 20 (2015) Sininen, 2015. 59.1 x 45.7 tuumaa
Prestige yli tuotannon
On merkittäviä todisteita, jotka viittaavat siihen, että reagoimme myönteisemmin taiteeseen sen perusteella, kuinka koemme sen. Kun ihmisille esitetään abstraktia taidetta, he arvioivat sen houkuttelevammaksi, kun heille kerrotaan, että se on peräisin museosta, kuin silloin, kun he uskovat sen olevan tietokoneella luotu, vaikka kuvat olisivat identtisiä. Tämä toimii eri psykologisilla tasoilla, stimuloiden aivojen osaa, joka käsittelee episodista muistia – ajatusta museokäynnistä – ja orbitofrontaalista kuorta, joka reagoi myönteisemmin teoksen statuksen tai aitouden elementtiin kuin sen todelliseen aistisisältöön, mikä viittaa siihen, että tieto, eikä visuaalinen kuva, näyttelee keskeistä roolia vetovoimassamme abstraktiin taiteeseen. Samoin saattaa olla niin, että saamme suurempaa nautintoa muistellessamme tietoa taiteesta ja kulttuurista.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryyli kankaalle. 70 x 100 cm.
Abstrakti taide vetoaa taiteilijoihin
Lisätutkimukset ovat osoittaneet, miksi abstrakti taide saattaa vedota voimakkaammin tiettyihin ihmisryhmiin, nimittäin taiteilijoihin. Tutkimuksessa, jossa mitattiin sähköisiä rytmejä ei-taiteilijoiden ja taiteilijoiden aivoissa, havaittiin, että subjektin taiteellinen tausta vaikutti suuresti abstraktin taiteen käsittelyyn, paljastaen, että taiteilijat osoittivat keskittynyttä huomiota ja aktiivista osallistumista tietoon. Yksi teoria ehdottaa, että tämä saattaa johtua siitä, että aivot käyttävät muistia muista teoksista palauttaakseen mieleen visuaalista ärsykettä. Juuri tämä muistin palauttamisen tunne ja monitasoinen prosessi tunnistamisen etsimisessä näyttävät antavan abstraktille taiteelle suuren osan sen kestävästä vetovoimasta. Kandinskyn tutkimuksellinen teos vuodelta 1911, huippusiirtymän käsite ja nykyaikainen neuroestetiikan tutkimus tekevät abstraktin taiteen psykologiasta laajan ja jatkuvasti muuttuvan tutkimusalueen, joka vahvistaa kestävää kiinnostusta pyrkiä purkamaan, selittämään ja nauttimaan abstraktista taiteesta.
Esittelykuva: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47.2 x 35.4 tuumaa
