Miten analyyttinen kubismi ennakoi puhdasta abstraktiota
Maailmassa vastakkaisilta vaikuttavat voimat täydentävät itse asiassa toisiaan. Näin oli myös 1900-luvun vaihteessa kahden merkittävän, samanaikaisen taidesuuntauksen välillä: analyyttisen kubismin ja puhtaan abstraktion välillä. Toisella puolella olivat analyyttiseen kubismiin liittyneet taiteilijat, kuuluisia nimiä kuten Pablo Picasso ja Georges Braque, neroja, jotka omistautuivat löytämään käsitteellisesti hyperrealistisen tavan tehdä taidetta. Toisella puolella olivat puhtaaseen abstraktioon liittyneet taiteilijat; henkilöitä kuten Wassily Kandinsky, jotka pyrkivät löytämään täysin esityksettömän taiteen. Vaikka nämä kaksi lähestymistapaa vaikuttivatkin vastakkaisilta, ne olivat erottamattomasti sidoksissa toisiinsa. Hajottamalla objektiivisen todellisuuden esittääkseen sen kokonaisvaltaisemmin, analyyttiset kubistit auttoivat puhtaan abstraktion löytämään oman äänensä.
Mitä oli analyyttinen kubismi?
Kun taidekriitikot ja taidehistorioitsijat puhuvat analyyttisestä kubismista, he viittaavat maalaustyyliin, joka syntyi vuosien 1908 ja 1912 välillä. Sitä ennen maalauksia oli pidetty joko kaksidimensionaalisina (jos niistä puuttui syvyys) tai kolmidimensionaalisina (jos niissä oli syvyyden tuntu esimerkiksi varjostuksen avulla). Tuona aikana pieni taiteilijaryhmä, jota johti Pablo Picasso ja Georges Braque, teki vallankumouksellisia esteettisiä kokeiluja, joiden tarkoituksena oli viedä maalausta neljänteen ulottuvuuteen.
Vanha maalaustapa perustui siihen, että taiteilija työskenteli yhdestä näkökulmasta. Tämä sopi hetkellisen kuvan esittämiseen aiheesta, mutta ei saavuttanut sitä, mitä Picasso piti todellisuutena, eli samanaikaisesti useista näkökulmista koettua havaintoa. Liikkeen ja ajan kulumisen (neljäs ulottuvuus) saavuttamiseksi Picasso ja hänen kollegansa Braque hylkäsivät yksittäisen näkökulman käytön. Heidän perustelunsa oli, että todellisessa elämässä havaitsemme esineitä monista eri näkökulmista. Näemme jotakin eri näkökulmista eri vuorokaudenaikoina eri valaistuksessa, joskus liikkuvana ja joskus paikallaan. Heidän kokeilunsa pyrkivät esittämään aiheensa tällä realistisemmalla tavalla, monista eri näkökulmista yhtä aikaa.
Pablo Picasso - Muotokuva Ambroise Vollardista, 1910, öljy kankaalle. 93 x 66 cm, Pushkinin valtion taidemuseo, Moskova, © 2017 Pablo Picasson perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York
Samanaikaisuus
Heidän nimensä tälle moninäkökulmaiselle maalaustyylille oli samanaikaisuus. He maalasivat aiheensa osia eri näkökulmista, eri valaistuksessa ja eri vuorokaudenaikoina ja yhdistivät nämä osat yhdelle tasolle, näyttäen kaikki näkökulmat yhtä aikaa ilman, että mikään niistä sai erityiskohtelua. Tehostaakseen tätä vaikutelmaa he pitivät väripaletin yksinkertaisena ja välttivät varjostusta tai muita syvyyttä lisääviä tekniikoita. Tuloksena oli litteä, moninäkymäinen kuva, joka näytti koostuvan yksinkertaistetuista geometrisista muodoista.
Satunnaiselle katsojalle analyyttinen kubistinen maalaus saattoi vaikuttaa abstraktilta. Mutta todellisuudessa analyyttinen kubismi ei ollut abstraktiota; se oli pikemminkin korotettua realismia. Picasson ja Braquen kokeilujen tulos oli heidän mielestään realistisempi esitys aiheestaan, ainakin käsitteellisestä näkökulmasta, ellei kirjaimellisestikaan. Yksi varhaisimmista esimerkeistä siitä, mitä nyt kutsumme analyyttiseksi kubismiksi, on Picasson Muotokuva Ambroise Vollardista, maalattu vuonna 1909. Siinä voimme selvästi nähdä, että aihe on tarkoitettu esitykselliseksi, kun taas eri näkökulmat, valaistus ja tasot antavat liikkeen ja samanaikaisuuden tunteen, joka syventää ymmärrystämme aiheen läsnäolosta.
Wassily Kandinsky - Lehmä, 1910, öljy kankaalle, 95,5 cm x 105 cm
Sillä välin Münchenissä
Samaan aikaan kun Picasso maalasi Pariisissa Muotokuvan Ambroise Vollardista, Wassily Kandinsky, taiteilija, jolle pian myönnettiin puhtaan abstraktion keksiminen, teki omia esteettisiä kokeilujaan Saksassa. Kandinsky työskenteli myös litteyden ja esteettisen sanaston yksinkertaistamisen parissa, mutta eri syistä kuin Picasso ja Braque. Kandinsky oli tehtävässään luoda täysin abstrakteja maalauksia. Hän uskoi, että kuten soitinmusiikilla, myös kuvataiteella voisi olla kyky välittää syvempiä tunteita ja ehkä hengellisyyden tunnetta kommunikoimalla puhtaasti abstraktilla tasolla.
Kandinskyn kokeilut olivat jatkoa ja huipentuma monille eri taidesuuntauksille, jotka olivat kehittyneet 1800-luvun puolivälistä lähtien. Hän purki maalausta sen olennaisiin osiin, kuten väriin, viivaan ja muotoon, ja tutki, mitä kukin näistä elementeistä voisi viestiä itsenäisesti. Hän uskoi, että näitä elementtejä voisi verrata erilaisiin musiikillisiin säveliin, sävellajeihin tai tempoihin niiden vaikutuksen kannalta ihmismieleen. Esimerkki Kandinskyn tuon ajan työstä on hänen maalauksensa Lehmä, joka, vaikka on selvästi esityksellinen, saavuttaa tilan litistymisen ja radikaalin esteettisten elementtien purkamisen.
Wassily Kandinsky - Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri), 1910, vesiväri, intianmuste ja lyijykynä paperilla, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Pariisi, Ranska
Maailmat yhdistyvät
Ranskassa Picasso ja Braque litistivät kuviaan ja supistivat esteettistä sanastoaan, jotta he voisivat tehokkaasti kuvata aiheensa yksinkertaistetulla tavalla monista eri näkökulmista. Saksassa Kandinsky pyrki myös litteyteen ja kaksidimensionaalisuuteen sekä yksinkertaisti kuvastoaan, mutta eri syystä. Sen sijaan, että hän olisi käyttänyt geometrisia muotoja katsojan ymmärryksen lisäämiseksi maalauksen aiheesta, Kandinsky ja hänen kaltaisensa tutkivat, mitä merkityksiä geometrisista muodoista voisi saada irti, jos ne käytettäisiin itsenäisesti ilman esityksellistä aihetta.
Henkilö, joka ei olisi tietoinen taiteilijoiden erilaisten kokeilujen tarkoituksesta, saattaisi nähdä heidän maalauksensa ja saada niistä aivan erilaisen käsityksen kuin mitä oli tarkoitettu. Nämä kaksi eri ajatussuuntausta olivat kuitenkin hyvin vastakkaisia tarkoituksiltaan. Samana vuonna, kun Kandinsky maalasi Lehmän, hänellä oli läpimurto. Hän yhdisti omat teoriansa vaistosta, hengellisyydestä ja väristä analyyttisten kubistien teorioihin litteydestä ja geometrisesta yksinkertaistamisesta ja loi sen, mitä useimmat historioitsijat nyt pitävät ensimmäisenä puhtaana abstraktina maalauksena: Nimetön (Ensimmäinen abstrakti vesiväri).
Jean Metzinger - Teeaika, 1911, öljy pahville, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphia
Useita samanaikaisia samanaikaisuuksia
Toiset analyyttiset kubistit tekivät töitä, jotka menivät toiseen suuntaan, muuttuivat tiheämmiksi ja monimutkaisemmiksi, jolloin aiheen hahmottaminen kävi yhä vaikeammaksi. Yksi esimerkki on Pablo Picasson Harmonikkamies, maalattu vuonna 1911. Vaikka Picasso ei tarkoittanut tämän olevan abstrakti maalaus, monet katsojat pitävät sitä edelleen abstraktina, koska aiheen hahmottaminen on vaikeaa; varsinkin kun samanaikaisesti monet muut taiteilijat pyrkivät tietoisesti tekemään abstraktia taidetta.
Pablo Picasso Harmonikkamies, 1911, öljy kankaalle, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Pablo Picasson perikunta / Artists Rights Society (ARS), New York
Onko tarkoituksella todella merkitystä?
On usein todettu, että runoa lukiessa vaikutelma muuttuu, jos sattuu tuntemaan runoilijan henkilökohtaisesti. Sama pätee helposti maalaukseen, musiikkikappaleeseen tai mihin tahansa taideteokseen. Vaikka analyyttiset kubistit eivät tarkoittaneet edistää puhtaan abstraktion nousua, satunnainen katsoja, joka ei tuntenut heitä henkilökohtaisesti eikä tiennyt heidän työnsä taustateorioista, koki teoksista reaktioita, joilla ei ollut yhteyttä taiteilijoiden tarkoituksiin.
Tarkoitus oli tai ei, analyyttiset kubistit auttoivat puhtaan abstraktion tekijöitä valmistamalla yleisön, mukaan lukien kriitikot ja historioitsijat, hyväksymään kokeilut rakenteen ja näkökulman kanssa. Heidän työnsä vaikutti esityksettömältä, vaikka siinä silti oli aihe, joten analyyttisten kubistien tarkoitusten lisäksi katsojat kokivat myös muita asioita tiedostamattomalla tasolla. Tämä apu katsojien tiedostamattomien tunnevasteiden kontekstualisoinnissa näennäisesti esityksettömälle kuvastolle oli analyyttisen kubismin tärkein panos puhtaan abstraktion kehittymiseen.
Kyllä, analyyttinen kubismi ja puhdas abstraktio olivat tarkoituksiltaan vastakkaisia voimia. Mutta haastamalla kuvapinnan ja vääristämällä yleisön käsitystä esityksellisestä todellisuudesta analyyttinen kubismi täydensi puhdasta abstraktiota ja auttoi sitä saamaan hyväksyntää yleisön keskuudessa. Vaikka ne vaikuttivat vastakkaisilta, nämä kaksi radikaalisti erilaista taiteen lähestymistapaa edistivät toistensa menestystä.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
