Miten analyyttinen kubismi ennakoi puhdasta abstraktiota
Mikä näyttää olevan vastakkaisia voimia maailmassa, täydentää itse asiassa toisiaan. Niin oli 1900-luvun alussa kahden merkittävän, samanaikaisen suuntauksen välillä taiteen maailmassa: analyyttisen kubismin ja puhtaan abstraktion. Toisaalla olivat analyyttiseen kubismiin liittyvät taiteilijat, kuuluisat nimet kuten Pablo Picasso ja Georges Braque, nerot, jotka olivat omistautuneet löytämään käsitteellisesti hyper-realistisen tavan tehdä taidetta. Toisaalla olivat puhtaaseen abstraktioon liittyvät taiteilijat; kuten Wassily Kandinsky, jotka olivat omistautuneet löytämään täysin ei-esittävän taiteen. Vaikka nämä kaksi erilaista lähestymistapaa taiteen tekemiseen näyttivät olevan ilmeisesti vastakkaisia, ne olivat erottamattomasti sidoksissa toisiinsa. Purkamalla objektiivista todellisuutta esittääkseen sen täydemmin, analyyttiset kubistit auttoivat puhdasta abstraktiota löytämään äänensä.
Mitä analyyttinen kubismi oli?
Kun taidekriitikot ja taidehistorioitsijat puhuvat analyyttisestä kubismista, he viittaavat maalaustapaan, joka syntyi vuosien 1908 ja 1912 välillä. Tuohon aikaan maalauksia oli pidetty joko kaksiulotteisina (jos syvyyttä ei ollut) tai kolmiulotteisina (jos syvyyden tuntua oli saavutettu esimerkiksi varjostustekniikoilla). Tuona aikana pieni joukko taiteilijoita, jota johti Pablo Picasso ja Georges Braque, osallistui vallankumouksellisiin esteettisiin kokeiluihin, joiden tarkoituksena oli viedä maalausta neljänteen ulottuvuuteen.
Vanhoissa maalaustavoissa taiteilija työskenteli yhdestä näkökulmasta. Vaikka se oli sopivaa näyttämään hetkellistä kuvaa aiheesta, se ei saavuttanut sitä, mitä Picasso piti todellisuutena, joka havaitaan useista näkökulmista samanaikaisesti. Jotta saavutettaisiin liikkeen ja ajan kulumisen tunne (neljäs ulottuvuus), Picasso ja hänen kollegansa Braque hylkäsivät yksittäisen näkökulman käytön. Heidän väitteensä oli, että todellisuudessa havaitsemme esineitä monista eri näkökulmista. Näemme jotain eri näkökulmista eri vuorokauden aikoina eri valaistuksessa, joskus liikkuen ja joskus paikallaan. Heidän kokeensa pyrkivät näyttämään aiheensa tällä realistisemmalla tavalla, monista eri näkökulmista samanaikaisesti.
Pablo Picasso - Ambroise Vollardin muotokuva, 1910, Öljy kankaalle. 93 x 66 cm, Pushkinin valtion taidemuseo, Moskova, © 2017 Pablo Picasson perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
Samanaikaisuus
Heidän sanansa tälle moniperspektiiviselle maalaukselle oli samanaikaisuus. He maalasivat osia aiheestaan eri näkökulmista, eri valaistuksessa ja eri vuorokauden aikoina, ja yhdistivät sitten nämä osat yhteen tasoon, näyttäen kaikki eri näkökulmat kerralla ilman erityistä etuoikeutta mihinkään niistä. Tämän vaikutuksen korostamiseksi he pitivät väripalettinsa yksinkertaisena ja välttivät varjostusta tai muita tekniikoita, jotka lisäisivät syvyyttä kuvaan. Tuloksena oli litistetty, moninäkökulmainen kuva, joka näytti koostuvan yksinkertaistetuista geometrisista muodoista.
Satunnaiselle tarkkailijalle analyyttinen kubistinen maalaus saattaa vaikuttaa abstraktilta. Mutta todellisuudessa analyyttinen kubismi ei ollut abstraktiota; se oli pikemminkin eräänlainen kohotettu realismi. Picasson ja Braquen kokeilujen tulos oli heidän mielessään realistisempi esitys aiheestaan, ainakin käsitteellisestä näkökulmasta, jos ei kirjaimellisesta. Yksi varhaisimmista esimerkeistä siitä, mitä nyt kutsumme analyyttiseksi kubismiksi, on Picasson Portrait of Ambroise Vollard, joka maalattiin vuonna 1909. Siinä voimme selvästi nähdä, että aihe on tarkoitettu esittävään muotoon, kun taas erilaiset näkökulmat, erilainen valaistus ja erilaiset tasot antavat meille liikkeen ja samanaikaisuuden tunteen, joka syventää ymmärrystämme aiheen läsnäolosta.
Wassily Kandinsky - Lehmä, 1910, Öljy kankaalle, 95,5 cm x 105 cm
Samaan aikaan Münchenissä
Samaan vuonna, kun Picasso maalasi Ambroise Vollardin muotokuvan Pariisissa, Wassily Kandinsky, taiteilija, jolle pian annettaisiin kunnia puhtaan abstraktion keksimisestä, oli Saksassa toteuttamassa omia esteettisiä kokeitaan. Kandinsky työskenteli myös tasaisuuden ja esteettisen sanaston yksinkertaistamisen idean parissa, mutta eri syistä kuin Picasso ja Braque. Kandinskyllä oli missio luoda täysin abstrakteja maalauksia. Hän uskoi, että kuten instrumentaalimusiikilla, visuaalisella taiteella voisi olla kyky viestiä syvempiä tunteita ja ehkä jopa hengellisyyden tunnetta viestimällä täysin abstraktilla tasolla.
Kandinskyn kokeilut olivat monien eri suuntausten laajentuminen ja huipentuma, joita oli tapahtunut taiteessa 1800-luvun puolivälistä lähtien. Hän purki maalausta sen olennaisiin elementteihin, kuten väriin, viivaan ja muotoon, ja oppi, mitä kukin näistä elementeistä voisi viestiä itsenäisesti. Hän uskoi, että näitä elementtejä voitaisiin verrata erilaisiin musiikillisiin nuotteihin, avaimiin tai tempoihin siinä mielessä, mitä vaikutusta niillä voisi olla ihmismieleen. Esimerkki Kandinskyn työstä tältä ajalta on hänen maalauksensa The Cow, joka, vaikka onkin selvästi esittävä, saavuttaa tilan litistämisen ja esteettisten elementtien radikaalin purkamisen.
Wassily Kandinsky - Otsikoimaton (Ensimmäinen abstrakti akvarelli), 1910, Akvarelli ja intialainen muste sekä lyijykynä paperilla, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Pariisi, Ranska
Maailmat yhdistyvät
Joten Ranskassa Picasso ja Braque tasoittivat kuvansa ja vähensivät esteettistä sanastoaan, jotta he voisivat tehokkaasti esittää aiheensa yksinkertaistetulla tavalla useista eri näkökulmista. Ja Saksassa Kandinsky pyrki myös tasaisuuteen ja kaksidimensionaalisuuteen, ja hän yksinkertaisti myös kuvastoaan, mutta eri syystä. Sen sijaan, että hän käyttäisi geometrisia muotoja parantaakseen katsojan ymmärrystä maalauksen aiheesta, Kandinsky ja muut hänen ajattelutapaansa edustavat tutkivat, mitä merkityksiä voidaan saada geometrisista muodoista, jos niitä käytetään itsenäisesti edustavasta aiheesta.
Joku, joka ei ollut tietoinen taiteilijoiden eri kokeilujen tarkoituksesta, saattoi nähdä jonkin heidän maalauksistaan ja saada mukaansa aivan erilaisen käsityksen kuin se, mikä oli todellisuudessa tarkoitettu. Mutta nämä kaksi eri ajattelutapaa olivat kuitenkin varsin vastakkaisia aikomuksiltaan. Samana vuonna, jolloin hän maalasi Lehmä, Kandinskyllä oli läpimurto. Hän yhdisti omat teoriansa vaistosta, hengellisyydestä ja väreistä analyyttisten kubistien teorioihin tasaisuudesta ja geometrisesta yksinkertaistamisesta ja loi sen, mitä useimmat historioitsijat pitävät nyt ensimmäisenä puhtaasti abstraktina maalauksena: Otsikoimaton (Ensimmäinen abstrakti akvarelli).
Jean Metzinger - Teekutsut, 1911, Öljy pahville, 75.9 x 70.2 cm, Philadelphia-taidemuseo, Louise ja Walter Arensbergin kokoelma, 1950, Philadelphia
Useat samanaikaiset samanaikaisuudet
On hauskaa tänään kuvitella se hämmennys, jonka Kandinskyn Untitled (First Abstract Watercolor) ja Picasson ja Braquen analyyttiset kubistiset maalaukset aiheuttivat, ja se tunne, jonka niin monet taiteilijat varmasti kokivat, että heidän oli otettava kantaa. Seuraavien vuosien aikana joukko muita taiteilijoita omaksui analyyttisen kubismin, ja yhdessä Picasson ja Braquen kanssa he jatkoivat neljännen ulottuvuuden tutkimista teoksissaan. Joissakin tapauksissa heidän maalauksensa yksinkertaistuivat yhä enemmän, osoittaen selkeän vision siitä, mistä analyyttisessä kubismissa oli kyse. Esimerkiksi taiteilija Jean Metzingerin Tea Time, jota pidetään erityisen suorana, ehkä melko ilmeisenä esimerkkinä analyyttisen kubismin tarkoituksesta. Se osoittaa samanaikaisuutta tehokkaasti samalla kun se nojaa rajoitettuun määrään erilaisia näkökulmia.
Muut analyyttiset kubistit tekivät teoksia, jotka menivät toiseen suuntaan, muuttuivat tiheämmiksi ja monimutkaisemmiksi, mikä teki aiheen erottamisesta yhä vaikeampaa. Esimerkki tästä on Pablo Picasson Harmonikkansoittaja, joka maalattiin vuonna 1911. Vaikka Picasso ei aikonut tämän olevan abstrakti maalaus, monet katsojat tähän päivään asti ymmärtävät tämän teoksen väärin ja pitävät sitä abstraktina pelkästään siksi, että on vaikeaa hahmottaa, mitä esitetään; erityisesti ottaen huomioon niin monet muut taiteilijat, jotka yrittivät tarkoituksella tehdä abstraktia työtä samaan aikaan.
Pablo Picasso Harmonikkataiteilija, 1911, Öljy kankaalle, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim -museo, New York, © 2017 Pablo Picasson perintö / Artists Rights Society (ARS), New York
Onko aikomuksella todella merkitystä?
On usein huomattu, että runoa lukiessa vaikutus muuttuu, jos sattuu tuntemaan runoilijan henkilökohtaisesti. Sama voitaisiin helposti sanoa myös maalauksesta, musiikkikappaleesta tai ehkä mistä tahansa taideteoksesta. Vaikka analyyttiset kubistit eivät aikoneetkaan myötävaikuttaa puhtaasti abstraktin taiteen nousuun, satunnainen katsoja, joka ei tuntenut heitä henkilökohtaisesti eikä tiennyt mitään heidän työnsä taustateoriasta, sai epäilemättä reaktioita teokseen, jotka eivät olleet yhteydessä taiteilijoiden aikomuksiin.
"Olipa se heidän aikomuksensa tai ei, analyyttiset kubistit auttoivat puhtaita abstraktionisteja valmistamalla yleisöä, mukaan lukien kriitikot ja historioitsijat, hyväksymään kokeilut rakenteen ja perspektiivin kanssa. Heidän työnsä vaikutti olevan ei-esittävää, vaikka se kuitenkin sisälsi aiheita, joten lisäksi siihen, mitä analyyttiset kubistit halusivat katsojien tuntevan, he tunsivat myös muita asioita, alitajuisella tasolla. Tämä panos, joka auttoi katsojia kontekstualisoimaan alitajuisia emotionaalisia reaktioita näennäisesti ei-esittävään kuvastoon, oli tärkein panos, jonka analyyttinen kubismi teki puhtaan abstraktion kehitykselle."
Kyllä, analyyttinen kubismi ja puhdas abstraktio olivat vastakkaisia voimia aikomuksen suhteen. Mutta haastamalla kuvapinnan ja vääristämällä yleisön käsitystä esittävän todellisuuden luonteesta, analyyttinen kubismi täydensi puhdasta abstraktiota ja auttoi sitä saavuttamaan hyväksynnän julkisessa kentässä. Vaikka ne vaikuttavat olevan vastakkaisia, nämä kaksi radikaalisti erilaista tapaa lähestyä taidetta ovat vaikuttaneet paljon toistensa menestykseen.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
