Louise Nevelsonin monumentaalinen taide
Tänä vuonna tulee kuluneeksi 30 vuotta Louise Nevelsonin kuolemasta, taiteilijasta, joka vaikutti syvästi 1900-luvun taiteeseen ja jonka perintö kaikuu edelleen tänä päivänä. Nevelson tunnetaan laajimmin hänen yksivärisistä puukokoelmistaan. Niiden ainutlaatuinen esteettinen ääni juontaa juurensa osittain taidehistoriasta ja osittain New Yorkin kaupungin visuaalisesta ja materiaalikielestä – hänen omaksumastaan kodista. Hänen sommittelustrategiansa ammensivat kubismista, jota hän vertasi uskontoon, sekä Hans Hofmannin muodollisista abstrakteista teorioista, joka oli hänen opettajansa monien vuosien ajan. Hänen kokoelmiensa materiaalinen läsnäolo korostaa kaupungin elämän hylättyjä puolia. Ikään kuin käynnistäen eräänlaisen käänteisen kuorinnan, Nevelson keräsi rikkoutuneita huonekalun palasia ja rakennusjätettä kaupungin jalkakäytäviltä ja muutti ne monumentaalisiksi taideteoksiksi. Maallisen roskan muuttuminen pyhäksi taiteeksi on kiistaton teoksissa kuten ”Sky Cathedral” (1958), teoksessa, joka toi Nevelsonille ensimmäisen kerran kriittistä huomiota. Se on vielä syvällisempää huoneen kokoisessa installaatiossa ”Dawn’s Wedding Feast” (1959); seinäteos, jota ympäröivät lattialle sijoitetut ja roikkuvat pylväät sekä kaksi ikonista morsian- ja sulhototemia, tämä teos ei ainoastaan vakiinnuttanut Nevelsonin yhtenä sukupolvensa johtavista taiteilijoista, vaan auttoi myös avaamaan installaatiotaiteen kenttää. Erityisen liikuttavaa hänen teoksissaan on se, että Nevelson onnistui jotenkin antamaan niille intiimiyden tunteen monumentaalisesta koosta huolimatta. Hän piti huolen siitä, että jokainen yksittäinen osa pystyi ilmaisemaan olennaiset ominaisuutensa kokonaisuuden rakenteessa. Prosessissa hän loi teoksia, joita voi nauttia objektiivisesti tai jotka voivat kutsua katsojat sisäänpäin henkilökohtaisempaan kokemukseen. Juhlistaakseni tämän neron elämää ja tuotantoa, tässä ovat yhdeksän suosikkilainaustani Louise Nevelsonilta – jokainen arvokas siinä, miten se valottaa hänen työtään ja paljastaa hänen mielensä sisäisiä toimintoja.
1. ”Jos sinulla on kehys ympärilläsi, joka ei sovi kuvaan, niin rikot kehyksen.”
Syntynyt vuonna 1899 Pereiaslav-Khmelnytskyissä nykyisessä Ukrainassa, Leah Berliawsky muutti Yhdysvaltoihin vuonna 1905 paetakseen uskonnollista vainoa. Hän harrasti innokkaasti taidetta lapsena huolimatta vanhempiensa lannistuksesta. Mentyään naimisiin Charles Nevelsonin kanssa vuonna 1920 ja saatuaan pojan kaksi vuotta myöhemmin, hän huomasi olevansa edelleen samassa tilanteessa kuin lapsena, paitsi että nyt hänen miehensä ja tämän perhe kehottivat häntä luopumaan taiteestaan ollakseen tarkkaavaisempi äiti ja vaimo. Tajuttuaan olevansa väärässä kehyksessä, Nevelson jätti miehensä ja poikansa vuonna 1931 ja muutti opiskelemaan Hans Hofmannin luo.
2. ”Kuut keskittävät sen ja antavat sille todellisen rakenteen.”
Nevelson rakensi kaikki kokoelmansa perusgeometrisen kuution muodon ympärille. Riippumatta siitä, kuinka monta puupalasta hän kokosi yhteen, tai kuinka hajanaisilta palaset muuten näyttivät yhdessä, kuutiot pitivät sommitelman aina koossa sekä visuaalisesti että fyysisesti.
3. ”Musta sisältää kaiken värin. Se ei ole kieltäminen.”
Suurin osa Nevelsonin tekemistä teoksista on mustia yksivärisiä. Monet kriitikot ymmärsivät väärin hänen värin käytön, ehdottaen, että hän yritti poistaa materiaalien menneet elämät. Sen sijaan hän korosti, että musta on kaikkia värejä sisältävä väri, joka antaa jokaisen teoksen erillisen osan säilyttää perustavanlaatuisen olemuksensa samalla kun se sulautuu kokonaisuuden henkeen. Hän myös sanoi, että musta väri teki hänen teoksistaan ”aristokraattisia.”
Louise Nevelson - Nimetön, n. 1976. Mustaksi maalattu puurakennelma. 94 × 36 × 16 3/4 tuumaa; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Louise Nevelsonin perintö/Artists Rights Society (ARS), New York
4. ”On paljon suoraviivaisempaa tehdä se niin kuin minä teen. Se on välitöntä, totta ja siinä.”
Vuosia rikkoutuneiden asioiden piirtämisen ja maalaamisen jälkeen Nevelson ymmärsi, että roskan käyttäminen itsessään toisi teokseen materiaalisen totuuden lisäksi myös tunteellisen jäljen menneistä yhteyksistä siihen, mitä materiaalit olivat aiemmin olleet.
5. ”Se on työ ja minä, ei yleisö ja minä. Yleisö on heijastus.”
Nevelson alkoi tehdä suurikokoisia julkisia veistoksia 1970-luvulla käyttäen materiaaleina muovia ja Cor-Ten-terästä. Kriitikot kyseenalaistivat teosten merkityksen, sillä ne näyttivät ja tuntuivat hyvin erilaisilta kuin hänen puiset kokoelmansa. Hän kiisti heidän arvionsa ja korosti taiteilijan itsenäistä oikeutta tehdä juuri sitä taidetta, mitä halusi.
Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975. Patinoitu puu. 12 × 9 × 7 tuumaa; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Louise Nevelsonin perintö/Artists Rights Society (ARS), New York
6. ”Ainoa todellisuus, jonka tunnustan, on oma todellisuuteni.”
Nevelson kohtasi hallitsevat vanhemmat, hallitsevan puolison, sukupuolten välistä syrjintää harjoittavat kriitikot, vähättelevät kuraattorit ja tietämättömät katsojat. Hän sivuutti yhteiskunnalliset järjestöt kuten ”The Clubin” ja valitsi sen sijaan taidemaailman ulkopuolisen elämän. Kaikista epäilijöistä ja lannistajista huolimatta hän onnistui. Tämä lainaus selittää miksi.
7. ”Se antaa meille paikan liikkua kolmen ulottuvuuden läpi, neljänteen ja sen yli. Se on todellakin paikka, jossa kuljet aineen läpi henkeen.”
Nevelson kuvaili itseään ei maalari- eikä kuvanveistäjäksi, vaan arkkitehdiksi, joka rakentaa varjolla ja valolla. Hänen rakkautensa kubismiin innoitti häntä tekemään aina teoksia, jotka palkitsevat liikkeen – neljännen ulottuvuuden ilmaisun. Hän oli kiinnostunut luomaan ympäristöjä, joihin sekä keho että mieli voisivat matkustaa.
Louise Nevelson - Nimetön, 1985. Mustaksi maalattu puu. 44 × 22 × 17 1/5 tuumaa; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsonin perintö/Artists Rights Society (ARS), New York
8. ”Kun luot, siinä on lisäenergiaa, joka ylittää kaiken muun.”
Nevelson oli tunnetusti yksityinen ja kurinalainen taiteilija. Hän uskoi, että muut kuin luovat työt tarjoavat jännityksen verrattuna siihen hurmokseen, jonka hän sai studiossaan. Kun hänen nyt kuuluisaksi tullut installaationsa ”Dawn’s Wedding Feast” sai ensi-iltansa MoMAn ”Sixteen Americans” -näyttelyssä, hän sanoi sen osittain symboloivan hänen avioliittoaan työnsä kanssa.
9. ”Se ei ole se, miten elän, vaan se, miten päätän elämäni.”
Nuorena Nevelsonin perhe lannisti häntä tulemasta taiteilijaksi sanomalla, ettei se tarjoaisi hänelle mukavaa elämää. Jo silloin hän tiesi, että hän voisi olla rauhassa vasta kuollessaan, jos pysyisi uskollisena itselleen.
Louise Nevelson - Maquette for Night Wall VI, 1977-1979. Hitsattu teräs, maalattu mustaksi. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 tuumaa; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Louise Nevelsonin perintö/Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Phillip Barcio
