18 artistes abstraits contemporains parlent de leur lignée

Il est dangereux et impossible d’enseigner l’art. Pourtant, c’est aussi indispensable. Pour que l’art existe, les artistes doivent apprendre à devenir ce qu’ils sont appelés à devenir et à créer ce qu’ils sont appelés à créer. Certains apprendront à l’école, auprès d’autres êtres humains imparfaits comme eux qui ont, pour une raison ou une autre, accepté d’assumer la tâche dangereuse, impossible et indispensable de partager avec les autres ce qu’ils ont appris. D’autres artistes trouveront des professeurs en dehors de la salle de classe. Ils apprendront peut-être ce que signifie être artiste en fréquentant d’autres artistes lors de vernissages ou dans des bars. Ils apprendront peut-être ce que signifie créer de l’art en regardant des vidéos en ligne ou en déconstruisant les œuvres qu’ils voient dans les musées ou dans les livres. Certains artistes s’enseigneront à eux-mêmes ce qu’ils sont en suivant l’inspiration qu’ils tirent de l’architecture et du design, en répondant simplement aux pensées et aux sentiments qu’ils éprouvent au contact de l’environnement bâti quotidien et de ses innombrables produits et espaces. D’autres apprendront peut-être à être artistes simplement en acceptant - puis en nourrissant - leur compulsion intérieure à créer. Le processus de création peut nous apprendre à créer. Le processus d’existence peut nous apprendre ce que nous voulons être. En fin de compte, tous ceux qui auront traversé le processus d’apprentissage jusqu’au moment où ils pourront dire la phrase « Je suis un artiste » sans avoir l’impression de mentir auront une histoire à raconter au sujet de leurs professeurs. Aujourd’hui, nous vous présentons une collection de telles histoires d’artistes assez courageux pour partager leurs lignées d’apprentissage. Ils sont courageux, car annoncer leur héritage esthétique ou conceptuel les expose à une menace terrible. Vous, le lecteur, pourriez vous rendre compte qu’un artiste a été l’élève d’un autre artiste ou qu’il a été inspiré par telle ou telle chose, et prendre cela pour un raccourci. Vous pourriez dire : « Ah ! Maintenant je vois qui ils copient », ou « Maintenant je comprends leur art ! » Au contraire, en lisant ces anecdotes sur la manière dont ces 18 artistes sont devenus ce qu’ils sont, laissez ces informations élargir votre perception. Suivez chaque fil et approfondissez. Vous entreverrez peut-être la beauté dangereuse, impossible et indispensable de ce que signifie réellement enseigner et apprendre l’art.

Anya Spielman

Spielman était l’une des étudiantes de Wayne Thiebaud à l’Université de Californie à Davis. À propos de ses autres professeurs, elle dit :

"Une grande influence pour moi a été de voir le triptyque de Hieronymus Bosch, « Le Jardin des délices terrestres », au Prado lorsque j’étais adolescente. L’iconographie, ainsi que les couleurs somptueuses et les compositions complexes de son œuvre, m’ont éblouie. J’ai immédiatement réagi à la dualité de l’œuvre de Bosch : sa palette à la fois austère et lumineuse, composée de nuances de noir d’encre, d’ombre, de rose pâle, d’os, de vermillon et d’azurite ; les courbes de ses bulles de plaisir translucides dans l’Éden, juxtaposées à la descente psychologique et physique, percutante, vers un enfer hallucinatoire. Le génie visionnaire de Bosch a représenté la nature humaine sous toutes ses formes, avec une intimité et une puissance directes que je trouve incroyablement rares, encore aujourd’hui."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Huile sur panneau. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin a étudié avec Louis Finkelstein alors qu’elle était étudiante en cycle supérieur au Queens College, City University of New York. Dans cette même école, elle a étudié avec Benny Andrews, qui s’est formé à l’expressionnisme abstrait à la School of the Art Institute of Chicago dans les années 1950 ; Clinton Hill, qui a été assistant d’atelier de Mark Rothko ; le critique d’art et rédacteur en chef adjoint d’Artforum Robert Pincus-Witten, qui, dit-elle, « a affûté mon regard critique » ; et Charles Cajori, qui a été l’élève de Hans Hofmann. Sirlin déclare :

"[Lineage] est effectivement une question complexe. Les liens avec les artistes sont également indirects. Anne Truitt a joué un rôle important pour moi lorsque j’étais une jeune artiste à Yaddo. Melissa Meyer y était également cet été-là [1983]. Erin Lawlor partageait mon atelier au Rothko Centre, en Lettonie. Jose Heerkens était au Rothko Centre en même temps que nous [2016]. Kara Walker était étudiante lorsque j’enseignais à l’Atlanta College of Art, et Kara et moi avons exposé à la même Biennale d’Atlanta en 1992. Puis il y a les autres artistes - écrivains et dramaturges. Hayden Herrera [biographe de Frida Kahlo et d’Arshile Gorky] a été mon mentor dans le domaine de l’écriture sur l’art. Chris Kraus [I Love Dick] et moi étions ensemble à Yaddo... J’étais une amie proche du dramaturge Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Il était scénariste pour Warhol... J’espère ne pas vous avoir embrouillé avec cette réponse supplémentaire."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Techniques mixtes sur toile. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

« Lorsque j’ai commencé à peindre, Picasso a été de loin ma principale influence. J’étais attirée par son utilisation de la couleur et par son travail du trait, en particulier dans « Girl Before A Mirror » (1932). Plus tard, lorsque j’ai commencé à peindre davantage dans un style expressionniste abstrait, j’ai été davantage attirée par Joan Mitchell et Willem De Kooning. Cependant, je n’ai vraiment commencé à étudier leur travail qu’après avoir peint de cette manière, et non avant. »

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe et acrylique avec cire froide sur panneau. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Dans une interview accordée à Minus Space NY en 2006, le peintre Chris Ashley a demandé à Göttin où il commençait en tant qu’artiste. Göttin a répondu :

« L’histoire de l’art prétend parfois qu’un mouvement artistique particulier constitue une entité complète. Employer le terme « concret » ne coïncide pas nécessairement avec le contexte idéologique de la Konkrete Kunst, qui reposait également sur des idées concernant la société et la politique. Ce qui m’intéresse, c’est une entité qui peut aussi inclure des contradictions : un oui et un non, et même un peut-être. Mon point de départ est une synthèse de différents points de vue ou positions simultanés, ce qui constitue pour moi une vision spatiale. Elle peut être évidente ou subtile, symétrique ou asymétrique, ou les deux à la fois, avec ou sans contradiction. Elle peut réunir la règle et la déviation. Certaines des premières œuvres que j’ai réalisées étaient des collages liés au travail de Kurt Schwitters (Merz) : des matériaux trouvés, grossièrement collés sur un morceau de carton — physiques, directs, improvisés, accidentels, colorés, voire dadaïstes. Plus tard, je me suis intéressé à l’art minimal, où l’œuvre est souvent planifiée avec précision, construite de manière parfaite et claire, avec une utilisation définie des matériaux et une attention portée aux détails. Ces deux mouvements sont importants pour moi et, parfois, je vois dans mon travail des éléments des deux, qui se situent entre ces deux positions de l’histoire de l’art. »

Daniel Göttin - Sans titre 2 (Rose), 1992. Acrylique sur pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Il est assez difficile de comprendre ses influences, du moins pour moi, car je travaille largement à l'intuition et pas tellement consciemment. Je pense que mes années de formation comme étudiant en art à l'UCLA (BA 74, MFA 77) ont largement contribué à faire de moi qui je suis. À cette époque, l'UCLA était une école de peinture assez marquée par une tendance européenne et moderniste. Pour mon premier cours de peinture, j'étais inscrit au cours d'initiation à la peinture de Richard Diebenkorn (je n'avais aucune idée de qui il était), mais lui et la direction du corps enseignant avaient des différends, et son poste a été supprimé avant le début du cours. J'ai donc étudié avec Richard Joseph, un réaliste contemporain, qui m'a donné des bases solides. Ce n'est que six mois plus tard, en travaillant dans un cours de peinture plus avancé avec Charles Garabedian, que j'ai commencé à expérimenter l'abstraction. Au fil des ans, le professeur qui m'a probablement le plus influencé a été William Brice. Bill était un enseignant et un ami très éloquent, digne, généreux, réfléchi et drôle. Artiste prolifique et acharné, il parlait souvent de la nécessité de passer du temps à l'atelier à se confronter aux problèmes, tout le reste étant moins important. Je pense souvent à lui et je me sens très chanceux de l'avoir connu si longtemps. Il m'a fallu plusieurs années pour me détacher de l'idée d'être étudiant et de ne plus entendre la voix de mes anciens professeurs dans ma tête chaque fois que je peignais, mais avec le temps, j'ai acquis une idée claire de qui je suis et de la responsabilité qui m'incombe de créer des œuvres conformes à ma vision. Je vois souvent des aspects d'autres artistes dans mon travail, ayant parfois le sentiment qu'il existe réellement un lien fondé sur les mêmes idées, et d'autres fois, il me semble que toute ressemblance n'est que superficielle. En fin de compte, laissons les critiques d'art parler des influences."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Encre sur papier. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) était mon professeur de gravure il y a 25 ans. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois alors que je séjournais au Fine Arts Work Center de Provincetown, où Michael animait un atelier d’une semaine consacré à la gravure. Tant de choses ressortent de notre première rencontre : Michael était une personne incroyablement empathique et socialement engagée, non seulement dans les sujets qu’il avait choisis (dessins et estampes représentant des patients souffrants dans un hôpital psychiatrique et des animaux derrière les barreaux d’un zoo), mais aussi dans nos conversations en tête-à-tête sur la vie. Il m’a appris, par l’exemple, à faire preuve de générosité pour contrebalancer l’égocentrisme de l’atelier. Michael ne gardait pour lui aucun secret concernant sa technique ou la poursuite d’une carrière artistique. Michael a passé du temps en Chine à la fin des années 1980 et c’est grâce à son amour des paysages asiatiques que j’ai appris à simplifier mes gestes, à peindre avec une économie d’expression, ce qui m’est très cher. Je n’oublierai jamais son sens de l’humour lorsqu’il me disait : « Tracey, c’est ungepatchke ! », un mot yiddish qui signifie trop chargé et décoré."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, graphite et encre sur papier Rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cite comme première source d’inspiration une aquarelle de Paul Cezanne qu’elle a vue à l’âge de 11 ans, et qui lui a laissé « une impression inoubliable ». Elle poursuit :

"Mon professeur, Klaus Stümpel, était si proche de la nature qu’on le surnommait presque « un fermier ». Il m’a recommandé d’étudier Frantisek Kupka. J’ai étudié son processus d’abstraction ainsi que sa perspective cosmique et mystique. Par-dessus tout, j’ai surtout appris son amour de la vie et sa volonté de préserver ses pensées. À mon retour en Corée, j’ai repensé à Kandinsky. Je pense que son désir de trouver une vérité objective et universelle dans l’art est un défi impossible. Je pense que l’art est subjectif et personnel avant toute autre chose. Lorsque je cherche au plus profond de moi-même, je peux communiquer avec l’intériorité des autres. Je pense que l’art peut être un moyen de relier le microcosme (l’être humain) et le macrocosme (le monde). La couleur, en particulier, est au cœur de mes recherches. Je cherche la couleur comme adjectif. J’aime l’attitude de Richter envers le travail, sa passion pour la peinture et son esprit d’expérimentation. Peut-être On Kawara ? J’aime son œuvre, avec laquelle il voulait prouver qu’il était vivant, et je veux me prouver à moi-même, en travaillant chaque jour, que je suis toujours vivante, émotionnellement et sensiblement. Mes réflexions sur Wassily Kandinsky et de nombreux autres minimalistes sont très différentes de la perspective générale. Je ne suis pas d’accord avec leur point de vue artistique."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrylique sur toile, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cite parmi ses influences des artistes (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman et Andy Warhol), des designers (Saul Bass et Roy Kuhlman) et des architectes (Le Corbusier). Mais elle évoque également les façons personnelles dont la culture a influencé son art, comme dans l’anecdote suivante :

« L’entreprise de mon père fabriquait des enseignes. Comme la plupart des enfants vivant en milieu urbain aux États-Unis, j’ai grandi sur la banquette arrière d’une voiture, hyperconsciente des panneaux publicitaires et des néons. Les stimuli visuels directs et accrocheurs faisaient partie de ma psyché. Très récemment, je visitais le MoMA à New York et j’ai de nouveau été frappée par le tableau de Barnett Newman, “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Ma réaction viscérale à sa puissance, son immédiateté et sa simplicité a été bouleversante, réaffirmant mon propre passé et mon identité visuels. »

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sur papier khadi fait main. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

« Pour moi, c’était Mondrian. Les artistes abstraits de cette époque travaillaient de manière plus conceptuelle avec l’abstraction, c’est-à-dire qu’ils en appréciaient l’idée, tandis que Mondrian remontait à travers les mécanismes et ressortait à l’autre bout en réinventant le plan du tableau. Peu d’artistes l’ont fait depuis. J’ai alors pensé qu’il devait exister d’autres moyens d’entrer dans cet espace étrange que Mondrian maîtrisait si bien. [Ellsworth] Kelly et [Robert] Mangold ont montré d’autres façons d’exprimer cet « autre » espace. L’expérience de ces artistes m’a permis d’apprécier réellement les démarches de mes pairs et de m’efforcer de franchir l’enveloppe suivante. »

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrylique sur papier. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

« J’ai aimé et souvent réfléchi à l’œuvre de Vija Celmins. Son observation intense et son exécution calme m’inspirent énormément. Louise Bourgeois m’a toujours inspirée par sa détermination à s’exprimer dans le médium le plus adapté à ses idées. Une inspiration plus évidente serait Agnes Martin : j’aime sa réserve assurée, ainsi que Mark Rothko pour la force émotionnelle que son œuvre peut dégager. »

Audrey Stone - N° 61, 2011. Fil, encre et graphite sur papier. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville mentionne les blockhaus allemands datant de la Seconde Guerre mondiale qui bordent le littoral atlantique français. Il déclare : « La plupart des gens les considèrent comme de vilaines cicatrices. À mes yeux, leur matière faisait partie du paysage ; le temps les avait fondus dans le sable, les dunes et la mer, ou dans les peintures que les artistes de rue y avaient réalisées. » En outre, Auville a été marqué par cette expérience de jeunesse :

"À l’âge de six ou sept ans, j’ai eu le privilège de visiter la grotte de Lascaux, dans le sud-ouest de la France. Ce fut un choc pour moi. Mes parents ont acheté quelques fac-similés en guise de souvenirs et j’ai passé des heures à les regarder dans la cave de notre maison, en me demandant ce qui faisait la différence entre les images et l’œuvre originale. La différence était évidente, mais j’avais du mal à en comprendre la nature. J’allumais et éteignais la lumière, je collais du sable sur les images pour tenter de reproduire la matière des peintures de Lascaux, mais je n’ai jamais réussi à atteindre ce que je pensais être leur âme."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Ciment pigmenté sur panneaux de mousse. Cadre structurel et système d’accrochage au dos. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan mentionne des influences allant d’artistes (Piet Mondriaan, Kazimir Malevitch, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) à des graphistes de pochettes (Hipgnosis, Peter Saville), en passant par des musiciens (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Il déclare :

"Dans les années qui ont précédé ma puberté, le langage visuel de Piet Mondriaan a suscité beaucoup d’attention aux Pays-Bas. J’étais trop jeune pour penser en termes d’art, mais Mondriaan était simplement là, et c’était fascinant. Et ça l’est toujours ! Un peu plus tard, j’ai découvert les suprématistes qui, comme moi, prenaient les formes géométriques comme point de départ. Comme mes sœurs ont environ cinq ans de plus que moi, j’ai découvert, par l’intermédiaire de leurs petits amis, la musique « progressiste » et le graphisme des pochettes qui l’accompagnait dès le début de mon adolescence. Il n’est donc pas surprenant que j’aie voulu devenir graphiste de pochettes. Si je devais choisir un artiste visuel qui a changé ma façon de regarder les choses, ce serait Ellsworth Kelly. Au milieu des années 1980, le Stedelijk Museum d’Amsterdam a acquis « Blue Curve VI » (1982). J’allais régulièrement la regarder et j’en étudiais le langage visuel. Mais aujourd’hui, ce qui est peut-être plus important, je suis aussi guidé par ma propre réaction à l’art... J’ai commencé à réfléchir à l’art... à son but, à sa signification, oh là là."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Encre Ultrachrome HD sur papier Hahnemühle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Les enseignements de Josef Albers influencent ma façon de réfléchir à la disposition des couleurs dans différents contextes. Et les skyspaces de James Turrell ont influencé ma façon de réfléchir à la disposition de la couleur atmosphérique dans différents contextes. En général, l’esthétique globale de mes séries Paper Skies et Moving Pictures est fortement influencée par des peintres américains modernes comme Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Impression par sublimation de colorant sur aluminium (finition mate/brillante). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"J’ai découvert, il y a plus de 20 ans, la chapelle de Ronchamp, une œuvre tardive de l’architecte Charles Edouard Jeanneret, connu sous le nom de Le Corbusier. Je n’ai ressenti, ni avant ni après, une perception aussi juste des possibilités entre la massivité et l’élévation. C’est alors qu’a commencé pour moi cette longue recherche, qui m’alimente encore aujourd’hui, visant à approcher la relation la plus appropriée entre le plein et le vide."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum et pointe sèche sur cuivre. Impression sur papier bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"J’aimerais parler de l’artiste qui m’inspire depuis des décennies, plus que tout autre artiste : Matisse, un artiste que l’on pourrait étudier toute une vie. Son travail a emprunté tant de voies grâce à son expérimentation et à sa recherche de nouvelles possibilités en peinture. Ses œuvres sont belles, exaltantes, complexes, parfois charmantes et sereines, parfois difficiles et exigeantes - à l’image de la vie."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarelle sur papier. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Plutôt que d’énumérer ses influences, Cantrick cite les artistes dont le travail l’intéresse le plus, qu’il existe ou non un lien direct avec son propre travail. Sa courte liste pour l’art moderne et contemporain :

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé et Per Kirkeby. C’est une liste éclectique et non exhaustive, mais ce qu’ils ont en commun, c’est la clarté, la complexité et la vitalité - qui sont mes propres préoccupations - exprimées par des couleurs et une structure fortes, des formes distinctes et un espace pictural peu profond. Pour la période prémoderne, Vermeer, Degas et Manet figurent en tête de ma liste, toujours pour ce trio de qualités : clarté, complexité, vitalité. En outre : la tension de la représentation solide de Vermeer transmet une immobilité incroyablement palpable - la suspension du temps. La manière particulière dont Degas ponctue son espace de zones « silencieuses », inanimées, et/ou d’un fort élément vertical favorise une observation prolongée et rythmée. Et il y a chez Manet une immédiateté et une fraîcheur qui, indépendamment de toute sa maîtrise, sont, à leur meilleur, saisissantes."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrylique sur lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Dans mon cas, je n’ai pas été influencé par un artiste en particulier, mais plutôt par la communauté artistique dans laquelle j’ai grandi à Chicago. Il y avait des artistes partout dans mon quartier, appelé Lincoln Park ou Old Town, et lorsque j’ai manifesté un intérêt pour le dessin en préadolescence, on m’a encouragé à fréquenter l’école affiliée au merveilleux Art Institute of Chicago pour y étudier le dessin d’après modèle. Pour entrer dans l’école, je traversais directement le musée et sa célèbre collection impressionniste. Je pense que cela a essentiellement façonné mon intérêt pour la ligne, le geste et la couleur."

Anne Russinof - Look See, 2014. Huile sur toile. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Ma filiation artistique se trouve chez des artistes qui combinent une approche « réductive » de la création d’images et d’objets avec une attention portée à la surface et aux détails subtils. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros et Sol Lewitt me viennent à l’esprit. En outre, l’œuvre sculpturale de Richard Serra, Carl Andre et Fred Sandback, avec leur utilisation particulière de l’espace tridimensionnel, continue d’inspirer mon approche de la peinture."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrylique sur toile. 122 x 96,9 cm

Sources

• Le Triptyque du Jardin des délices, Museo Nacional del Prado : étaye la description des panneaux du Paradis, des délices terrestres et de l’Enfer du triptyque.