18 artistes abstraits contemporains parlent de leur lignée

Il est dangereux et impossible d’enseigner l’art. Mais c’est également impératif. Pour que l’art existe, les artistes doivent apprendre à devenir ce qu’ils vont devenir et à créer ce qu’ils vont créer. Certains apprendront à l’école auprès d’autres humains imparfaits comme eux qui, pour une raison quelconque, ont assumé la tâche dangereuse, impossible et impérative de partager avec les autres tout ce qu’ils ont appris. D'autres artistes trouveront des professeurs en dehors de la classe. Ils pourraient apprendre ce que signifie être un artiste en fréquentant d'autres artistes lors de vernissages ou dans les bars. Ils pourraient apprendre ce que signifie créer de l’art en regardant des vidéos en ligne ou en déconstruisant l’art qu’ils voient dans les musées ou dans les livres. Certains artistes pourraient apprendre eux-mêmes ce qu'ils sont en suivant l'inspiration qu'ils reçoivent de l'architecture et du design, en répondant simplement aux pensées et aux sentiments qu'ils éprouvent tout en interagissant avec l'environnement bâti quotidien et ses innombrables produits et espaces. D’autres encore peuvent apprendre à devenir artistes simplement en embrassant – puis en entretenant – leur compulsion intérieure à créer. Le processus de fabrication peut nous apprendre à fabriquer. Le processus d'être peut nous apprendre ce que nous voulons être. En fin de compte, tous ceux qui parviennent à franchir le processus d’apprentissage jusqu’au moment où ils peuvent prononcer la phrase « Je suis un artiste » sans avoir l’impression que c’est un mensonge auront une histoire à raconter sur leurs professeurs. Aujourd'hui, nous vous présentons une collection d'histoires de ce type d'artistes assez courageux pour partager leurs lignées d'apprentissage. Ils sont courageux car annoncer leur héritage esthétique ou conceptuel les expose à une terrible menace. Vous, le lecteur, pourriez vous rendre compte qu’un artiste était l’élève d’un autre artiste, ou qu’il a été inspiré par telle ou telle chose, et prendre cela pour un raccourci. Vous pourriez dire : « Aha ! Maintenant, je vois qui ils copient », ou « Maintenant, je comprends leur art ! » Au lieu de cela, pendant que vous lisez ces anecdotes sur la façon dont ces 18 artistes sont devenus ce qu’ils sont, laissez l’information élargir votre perception. Suivez chaque fil et creusez plus profondément. Vous pourriez entrevoir la beauté dangereuse, impossible et impérative de ce que signifie réellement enseigner et apprendre l’art.

Anya Spielman

Spielman était une étudiante de Wayne Thiebauld à l'Université de Californie à Davis. À propos de ses autres enseignants, elle dit :

"Une grande influence pour moi a été de voir le triptyque de Jérôme Bosch, "Le Jardin des Délices" au Prado quand j'étais adolescent. J'ai été stupéfait par l'iconographie ainsi que par les couleurs succulentes et les compositions complexes de son travail. J'ai immédiatement répondu. à la dualité de l'œuvre de Bosh : sa palette austère et lumineuse : les teintes de noir d'encre, d'ombre, de rose pâle, d'os, de vermillon et d'azurite ; les courbes de son plaisir translucide ; des cosses d'Eden juxtaposées à la descente psychologique et physique perçante dans un enfer hallucinatoire. Le génie visionnaire de Bosch a rendu la nature humaine sous toutes ses formes, avec une intimité directe et une puissance que je trouve incroyablement rares, même aujourd'hui.

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Huile sur panneau. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin a étudié avec Louis Finkelstein alors qu'elle était étudiante diplômée au Queens College, City University of New York. Dans la même école, elle a étudié avec Benny Andrews, qui s'est formé en tant qu'Expressionniste Abstrait à la School of the Art Institute of Chicago dans les années 1950 ; Clinton Hill, qui était assistant de studio de Mark Rothko ; le critique d'art et rédacteur associé d'Artforum Robert Pincus-Witten, qui, dit-elle, "a aidé mon œil critique ;" et Charles Cajori, qui était étudiant de Hans Hoffman. Dit Sirlin :

"[Lineage] est en effet une question compliquée. Les liens avec les artistes vont aussi de travers. Anne Truitt a été importante pour moi quand j'étais un jeune artiste à Yaddo. Melissa Meyer était également là cet été [1983]. Erin Lawlor était ma camarade de studio au Rothko Centre en Lettonie. Jose Heerkins était au Rothko Centre en même temps que nous [2016]. Kara Walker était étudiante quand j'ai enseigné au Atlanta College of Art et Kara et moi avons exposé au même Atlanta Biennial en 1992. Ensuite, il y a les autres artistes—écrivains et dramaturges. Hayden Herrera [biographe de Frieda Kahlo et Arshile Gorky] a été mon mentor en tant qu'écrivain d'art. Chris Kraus [I Love Dick] et moi étions à Yaddo ensemble... J'étais un proche ami du dramaturge Ronald Tavel [Théâtre du Ridicule]. Il était scénariste pour Warhol... J'espère que je ne vous ai pas embrouillé avec cette réponse supplémentaire."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Technique mixte sur toile. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Quand j'ai commencé à peindre, j'ai été très fortement influencé par Picasso. J'ai été attiré par son utilisation de la couleur et ses marques, en particulier dans "La Jeune Fille devant un miroir" (1932). Plus tard, alors que j'ai commencé à peindre davantage dans d'une manière expressionniste abstraite, j'étais plus attiré par Joan Mitchell et Willem De Kooning. Cependant, j'ai vraiment commencé à regarder leur travail après avoir peint de cette manière, pas avant.

Brenda Zappitell - À l'instant, 2017. Flashe et acrylique avec cire froide sur panneau. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Dans une interview de 2006 pour Minus Space NY, le peintre Chris Ashley a demandé à Göttin où il commence en tant qu'artiste. Göttin a répondu :

« L'histoire de l'art prétend parfois qu'un mouvement artistique particulier est une entité complète. L'utilisation du terme « concret » ne coïncide pas nécessairement avec le contexte idéologique du Konkrete Kunst, qui reposait également sur des idées sur la société et la politique. entité qui peut aussi inclure des contradictions – un oui et un non, et même un peut-être. Mon point de départ est une synthèse de différentes vues ou positions à la fois, ce qui est pour moi une vue spatiale. Elle peut être évidente ou subtile, symétrique. ou asymétrique ou les deux ensemble, avec ou sans contradiction. Cela peut être règle et déviation ensemble. Certaines des premières œuvres que j'ai réalisées étaient des collages liés au travail de Kurt Schwitters (Merz), n'importe quel matériau trouvé grossièrement collé sur un morceau de carton - physique, direct, improvisée, accidentelle, colorée, voire dadaïste. Plus tard, je me suis intéressé à l'art minimal, où les œuvres d'art sont souvent planifiées avec précision et parfaitement et clairement construites avec une utilisation définie des matériaux et une attention aux détails. Les deux mouvements sont importants pour moi, et parfois je vois mon travail véhiculer des éléments des deux, correspondant entre ces deux positions historiques de l'art. »

Daniel Göttin - Sans titre 2 (Rose), 1992. Acrylique sur pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Il est assez difficile de comprendre les influences de quelqu'un, du moins pour moi, car je travaille en grande partie à partir de mon intuition et pas tellement de ma conscience. Je pense que mes années de formation en tant qu'étudiant en art à l'UCLA (BA 74, MFA 77) ont constitué une grande partie de qui je suis. À cette époque, l'UCLA était une véritable école de peintre à tendance européenne/moderniste. Pour mon premier cours de peinture, j'ai été inscrit au cours d'introduction à la peinture avec Richard Diebenkorn. (Je n'avais aucune idée de qui il était), mais lui et la direction de la faculté avaient quelques problèmes, et son poste a été supprimé avant le début des cours. J'ai donc étudié avec Richard Joseph, un nouveau réaliste, qui m'a mis sur une bonne voie. Ce n'est que six mois plus tard, en travaillant dans un cours de peinture plus avancé avec Charles Garabedian, que j'ai commencé à expérimenter l'abstraction. Au fil des années, le professeur qui m'a probablement le plus influencé était William Brice. un homme très articulé, digne, généreux, professeur et ami attentionné et drôle. En tant qu'artiste prolifique et travailleur, il parlait souvent de la nécessité de passer du temps en studio à débattre et tout le reste est moins important. Je pense souvent à lui et je me sens chanceuse de le connaître depuis longtemps. Il m'a fallu plusieurs années pour me séparer de l'idée d'être étudiant et d'entendre les sons de mes anciens professeurs dans ma tête chaque fois que je peignais, mais au fil du temps, j'ai acquis une idée claire de qui je suis et de la responsabilité. Je dois faire un travail qui répond à ma vision. Je vois souvent des aspects d'autres artistes dans mon travail, ayant parfois l'impression qu'il y a vraiment un lien via les mêmes idées et d'autres fois, il me semble que toute ressemblance est simplement superficielle. En fin de compte, laissons les auteurs d’art parler des influences. »

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Encre sur papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) était mon professeur de gravure il y a 25 ans. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois lorsque je séjournais au Fine Arts Work Center de Provincetown, où Michael proposait un atelier d'une semaine sur la gravure. Tant de choses ressortent de notre première lien : Michael était une personne incroyablement empathique et socialement consciente, non seulement dans ses sujets choisis (dessins et gravures de patients souffrant dans un hôpital psychiatrique et d'animaux derrière les barreaux dans un zoo), mais aussi dans notre conversations en tête-à-tête sur la vie. Il m'a appris à être généreux par l'exemple comme moyen d'équilibrer l'égocentrisme du studio. Il n'y avait rien dans sa technique ou dans la poursuite d'une carrière artistique que Michael ne voulait pas. Michael a passé du temps en Chine à la fin des années 80 et c'est grâce à son amour du paysage asiatique que j'ai appris à simplifier mes gestes, à peindre avec une économie d'expression, quelque chose qui me tient très à cœur. oublie son sens de l'humour comme il me disait, "Tracey, c'est ungepatchke !", un mot yiddish signifiant trop occupé et décoré."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, graphite et encre sur rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cite sa première inspiration comme une aquarelle de Paul Cézanne qu'elle a vue à l'âge de 11 ans, qui a laissé "une impression inoubliable." Elle poursuit en disant :

"Mon professeur, Klaus Stümpel, était suffisamment proche de la nature pour qu'on le surnomme presque "un agriculteur". Il m'a recommandé d'étudier Frantisek Kupka. J'ai étudié son processus d'abstraction et sa perspective cosmique et mystique. J'ai surtout appris bien plus que rien à propos de son amour de la vie et de sa volonté de garder ses pensées. Quand je suis revenu en Corée, j'ai repensé à Kandinsky. Je pense que son désir de trouver une vérité objective et universelle dans l'art est un défi impossible. et personnel plutôt qu'autre chose. Lorsque je recherche mon côté intérieur le plus profond, je peux communiquer avec l'intérieur des autres. Je pense que l'art peut être un médium reliant le microcosme (l'humain) et le macrocosme (le monde). sujet de mes recherches. Je recherche la couleur comme adjectif. J'aime l'attitude de Richter envers le travail, sa passion pour la peinture et son esprit d'expérimentation. Peut-être que j'aime son travail, dont il voulait prouver qu'il est vivant. , et je veux prouver à moi-même en travaillant chaque jour pendant que je suis encore en vie, émotionnellement et raisonnablement. Mes réflexions sur Vassily Kandinsky et sur de nombreux autres minimalistes sont très différentes du point de vue général. Je ne suis pas d'accord avec leur point de vue artistique."

Kyong Lee - Image avec Blanc, 2008. Acrylique sur toile, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cite des influences qui incluent des artistes (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman et Andy Warhol), des designers (Saul Bass et Roy Kuhlman) et des architectes (Le Corbusier). Mais elle parle aussi des manières personnelles dont la culture a influencé son art, comme dans l'anecdote suivante :

"Le métier de mon père était la signalisation. Comme la plupart des enfants urbains américains, j'ai grandi sur le siège arrière d'une voiture, hyper conscient des panneaux d'affichage et des néons. Les stimuli visuels directs qui attiraient l'attention faisaient partie de mon psychisme. Très récemment, je visitais le MoMA à New York. York et a été à nouveau frappé par le tableau de Barnett Newman « Vir Heroicus Sublimis » (L'homme, héroïque et sublime) (1950-51). Ma réponse viscérale à sa puissance, son immédiateté et sa simplicité. était bouleversant, réaffirmant mon propre passé visuel et mon identité.

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sur papier Khadi fait main. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Pour moi, c'était Mondrian. Les artistes abstraits de cette époque travaillaient plus conceptuellement avec l'abstraction, ce qui signifie qu'ils aimaient l'idée, tandis que Mondrian travaillait à rebours à travers les mécanismes et en sortait de l'autre côté en réinventant le plan pictural. Peu de gens ont fait cela depuis. J'ai alors pensé qu'il devait y avoir d'autres façons d'entrer dans cet espace étrange que Mondrian maîtrisait si clairement. [Ellsworth] Kelly et [Robert] Mangold ont montré d'autres façons d'exprimer cet 'autre' espace. L'expérience de ces artistes m'a donné la possibilité d'apprécier vraiment les efforts de mes pairs et de m'efforcer de passer au-delà de la prochaine enveloppe."

Brent Hallard - Nuages, 2013. Acrylique sur papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"J'ai souvent aimé et pensé au travail de Vija Celmins. Son observation intense et son exécution calme m'inspirent beaucoup. Louise Bourgeois m'a toujours inspiré par sa détermination à s'exprimer sur le meilleur support pour ses idées. Une inspiration plus évidente serait Agnès Martin, j'aime sa réserve confiante, et Mark Rothko pour le punch émotionnel que son travail peut provoquer.

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Fil, encre et graphite sur papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville mentionne les blockhaus allemands de l'époque de la Seconde Guerre mondiale qui bordent la côte atlantique française. Il dit : « La plupart des gens les considèrent comme des cicatrices laides. À mes yeux, leur substance faisait partie du paysage, le temps les a fusionnés avec le sable, les dunes et la mer ou avec les peintures que les artistes de rue y ont posées. » De plus, Auville a été marqué par cette expérience de sa jeunesse :

"À l'âge de six ou sept ans, j'ai eu le privilège de visiter la grotte de Lascaux, dans le sud-ouest de la France. Ce fut un choc pour moi. Mes parents achetaient des fac-similés en souvenir et je passais des heures à les regarder dans le sous-sol de notre house se demandant ce qui faisait la différence entre les images et l'œuvre réelle. La différence était évidente, mais j'avais du mal à comprendre sa substance. J'ai allumé et éteint la lumière, j'ai collé du sable sur les images pour tenter de reproduire la substance de l'œuvre. le Lascaux peintures, mais je n'ai jamais atteint ce que je pensais être leur âme.

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Ciment pigmenté sur panneaux en mousse. Cadre structurel et de suspension à l'arrière. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan mentionne des influences allant d'artistes (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) à des designers d'album (Hipgnosis, Peter Saville), en passant par des musiciens (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Il dit :

"Dans les années qui ont précédé ma puberté, le langage visuel de Piet Mondriaan a suscité beaucoup d'attention aux Pays-Bas. J'étais trop jeune pour penser en termes d'art, mais Mondriaan était juste là et il était intriguant. Et il l'est toujours ! Un peu plus tard J'ai fait la connaissance des suprématistes qui, comme moi, prenaient comme point de départ les formes géométriques. Parce que mes sœurs ont environ cinq ans de plus que moi, j'ai découvert (via leurs petits amis) au début de mon adolescence la musique "progressive" et Le design de la couverture qui l'accompagne. Sans surprise, je voulais devenir designer de couvertures. Si je devais choisir un artiste visuel qui a changé ma façon de voir les choses, ce serait Ellsworth Kelly. Au milieu des années 80, le Stedelijk Museum d'Amsterdam a acheté. « Blue Curve VI » (1982). Je suis allé régulièrement le regarder et j'ai étudié le langage visuel. Mais maintenant, plus important peut-être, je suis aussi guidé par ma propre réaction à l'art... J'ai commencé à y réfléchir. l'art... le but, le ce qui veut dire, oh mon Dieu.

Luuk De Haan - Danse Diaphane 9, 2013. Encre Ultrachrome HD sur papier Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Blonde

"Les enseignements de Josef Albers influencent ma façon de penser à la mise en couleurs dans différents contextes. Et les skyspaces de James Turrell ont influencé ma façon de penser la mise en couleur atmosphérique dans différents contextes. En général, l'esthétique globale de mes séries Paper Skies et Moving Pictures est fortement influencée. par des peintres américains modernes comme Georgia O'Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc.

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Impression par sublimation sur aluminium (finition matière/lustre). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

" J'ai découvert, il y a plus de 20 ans, la chapelle de Ronchamp, œuvre tardive de l'architecte Charles Edouard Jeanneret, dit Le Corbusier. Je n'ai ressenti, ni avant ni après, une telle perception de la justesse des possibilités entre massivité et élévation. Commence alors pour moi cette longue recherche, qui me nourrit encore aujourd'hui, visant à approcher le rapport le plus approprié entre le plein et le vide.

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum et pointe sèche sur cuivre. Impression sur papier bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Je voudrais parler de l'artiste qui m'a inspiré pendant des décennies, plus que tout autre artiste : Matisse, un artiste que l'on pourrait étudier toute sa vie. Son travail a emprunté de nombreux chemins en raison de son expérimentation et de sa recherche de nouvelles possibilités avec la peinture. . Ils sont beaux, édifiants, complexes, parfois charmants et sereins, parfois difficiles et stimulants, reflétant la vie. »

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarelle sur papier. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Plutôt que de lister ses influences, Cantrick cite les artistes dont le travail l'intéresse le plus, qu'il y ait ou non un lien direct avec son propre travail. Sa courte liste pour l'art moderne et contemporain :

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé et Per Kirkeby. C'est une liste éclectique et non exhaustive, mais ce qu'ils ont en commun c'est la clarté, la complexité et la vitalité - qui sont mes valeurs". propres préoccupations - exprimées par des couleurs et des structures fortes, des formes distinctes et un espace de peinture peu profond. Car le pré-moderne, Vermeer, Degas et Manet sont au sommet de mes préoccupations. énumérez, encore une fois, ce trio d'attributs : clarté, complexité, vitalité. De plus : la tension du rendu solide de Vermeer transmet une immobilité incroyablement palpable – la manière particulière de Degas de ponctuer son espace de « silence ». des zones non animées et/ou un fort élément vertical favorisent une visualisation prolongée et rythmée. Et il y a une immédiateté et une fraîcheur dans Manet qui, en dehors de tout le reste de la maîtrise, est, à son meilleur, fascinante.

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrylique sur lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Dans mon cas, je n'ai pas été influencé par un artiste en soi, mais plutôt par la communauté artistique dans laquelle j'ai grandi à Chicago. Il y avait des artistes tout autour de mon quartier, appelé Lincoln Park ou Old Town, et lorsque j'ai montré mon intérêt en dessin quand j'étais pré-adolescent, j'ai été encouragé à aller à l'école affiliée au merveilleux Art Institute of Chicago pour le dessin de figures. Là, j'ai pu traverser directement le musée avec sa célèbre collection impressionniste pour entrer à l'école, je pense. C'est essentiellement cela qui a façonné mon intérêt pour la ligne, le geste et la couleur. »

Anne Russinof - Look See, 2014. Huile sur toile. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Ma lignée artistique se retrouve chez des artistes qui combinent une approche "réductrice" de la création d'images/objets avec une attention portée à la surface et aux détails subtils. Je pense à Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros et Sol Lewitt. De plus, le travail sculptural de Richard Serra, Carl Andre et Fred Sandback, avec leur utilisation particulière de l'espace tridimensionnel, continuent d'inspirer mon approche de la peinture. »

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrylique sur toile. 122 x 96,9 cm