18 artistes abstraits contemporains parlent de leur lignée

Il est dangereux et impossible d'enseigner l'art. Pourtant, c'est aussi impératif. Pour que l'art existe, les artistes doivent apprendre à devenir ce qu'ils vont devenir, et à créer ce qu'ils vont créer. Certains apprendront à l'école, auprès d'autres humains imparfaits comme eux qui ont, pour une raison ou une autre, pris la tâche dangereuse, impossible et impérative de partager avec les autres ce qu'ils ont appris. D'autres artistes trouveront des enseignants en dehors de la salle de classe. Ils pourraient apprendre ce que signifie être un artiste en traînant avec d'autres artistes lors de vernissages ou dans des bars. Ils pourraient apprendre ce que signifie faire de l'art en regardant des vidéos en ligne, ou en déconstruisant l'art qu'ils voient dans les musées ou dans les livres. Certains artistes pourraient s'enseigner ce qu'ils sont en suivant l'inspiration qu'ils reçoivent de l'architecture et du design, en répondant simplement aux pensées et aux sentiments qu'ils éprouvent en interagissant avec l'environnement bâti quotidien et ses innombrables produits et espaces. D'autres encore peuvent apprendre à être artistes simplement en embrassant—puis en nourrissant—leur compulsion intérieure à créer. Le processus de création peut nous apprendre comment créer. Le processus d'être peut nous apprendre ce que nous voulons être. En fin de compte, tous ceux qui traversent le processus d'apprentissage jusqu'au moment où ils peuvent dire la phrase « Je suis un artiste » sans sentir que c'est un mensonge auront une histoire à raconter sur leurs enseignants. Aujourd'hui, nous vous apportons une collection de telles histoires d'artistes assez courageux pour partager leurs lignées d'apprentissage. Ils sont courageux car annoncer leur héritage esthétique ou conceptuel les expose à une terrible menace. Vous, le lecteur, pourriez réaliser qu'un artiste a été l'élève d'un autre artiste, ou a été inspiré par ceci ou cela, et prendre cela pour un raccourci. Vous pourriez dire : « Ah ! Maintenant je vois qui ils copient », ou, « Maintenant je comprends leur art ! » Au lieu de cela, en lisant ces anecdotes sur la façon dont ces 18 artistes sont devenus ce qu'ils sont, laissez l'information élargir votre perception. Suivez chaque fil et creusez plus profondément. Vous pourriez entrevoir la beauté dangereuse, impossible et impérative de ce que signifie vraiment enseigner et apprendre l'art.

Anya Spielman

Spielman était étudiante de Wayne Thiebauld à l'Université de Californie à Davis. À propos de ses autres professeurs, elle dit :

"Une grande influence pour moi a été de voir le triptyque de Hieronymus Bosch, « Le Jardin des délices » au Prado quand j'étais adolescente. J'ai été époustouflée par l'iconographie ainsi que par les couleurs luxuriantes et les compositions complexes de son œuvre. J'ai immédiatement réagi à la dualité dans le travail de Bosch : sa palette nette et illuminée : des teintes de noir d'encre, d'ombre, de rose pâle, d'os, de vermillon et d'azurite ; les courbes de ses capsules translucides de plaisir dans l'Éden juxtaposées à la descente psychologique et physique perçante dans un enfer hallucinatoire. Le génie visionnaire de Bosch a rendu la nature humaine dans toutes ses formes, avec une intimité directe et une puissance que je trouve incroyablement rares encore aujourd'hui."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Huile sur panneau. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin a étudié avec Louis Finkelstein alors qu'elle était étudiante diplômée au Queens College, City University of New York. Dans la même école, elle a étudié avec Benny Andrews, qui s'est formé comme Expressionniste Abstrait à la School of the Art Institute of Chicago dans les années 1950 ; Clinton Hill, qui était assistant d'atelier de Mark Rothko ; le critique d'art et rédacteur associé d'Artforum Robert Pincus-Witten, qui, selon elle, « a aidé mon œil critique » ; et Charles Cajori, qui était étudiant de Hans Hoffman. Sirlin déclare :

"[Lineage] est en effet une question compliquée. Les liens avec les artistes sont également complexes. Anne Truitt a été importante pour moi quand j'étais une jeune artiste à Yaddo. Melissa Meyer était aussi là cet été [1983]. Erin Lawlor était ma colocataire d'atelier au Rothko Centre en Lettonie. Jose Heerkins était au Rothko Centre en même temps que nous [2016]. Kara Walker était étudiante lorsque j'enseignais au Atlanta College of Art et Kara et moi avons exposé dans la même Biennale d'Atlanta en 1992. Ensuite, il y a les autres artistes — écrivains et dramaturges. Hayden Herrera [biographe de Frieda Kahlo et Arshile Gorky] a été mon mentor en tant que critique d'art. Chris Kraus [I Love Dick] et moi étions ensemble à Yaddo... J'étais une amie proche du dramaturge Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Il était scénariste pour Warhol... J'espère ne pas avoir embrouillé les choses pour vous dans cette réponse supplémentaire."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Techniques mixtes sur toile. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Quand j'ai commencé à peindre, j'ai été le plus influencée par Picasso. J'étais attirée par son usage de la couleur et du geste, en particulier dans « Fille devant un miroir » (1932). Plus tard, alors que je commençais à peindre davantage dans un style expressionniste abstrait, j'ai été plus attirée par Joan Mitchell et Willem De Kooning. Cependant, j'ai vraiment commencé à regarder leur travail après avoir peint de cette manière, pas avant."

Brenda Zappitell - À l'instant, 2017. Flashe et acrylique avec cire froide sur panneau. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Dans une interview de 2006 pour Minus Space NY, le peintre Chris Ashley a demandé à Göttin où il commence en tant qu'artiste. Göttin a répondu :

"L'histoire de l'art prétend parfois qu'un mouvement artistique particulier est une entité complète. Utiliser le terme « concret » ne coïncide pas nécessairement avec le contexte idéologique de Konkrete Kunst, qui reposait aussi sur des idées concernant la société et la politique. Ce qui m'intéresse, c'est une entité qui peut aussi inclure des contradictions—un oui et un non, voire un peut-être. Mon point de départ est une synthèse de différentes vues ou positions en même temps, ce qui pour moi est une vue spatiale. Elle peut être évidente ou subtile, symétrique ou asymétrique ou les deux à la fois, avec ou sans contradiction. Elle peut être règle et déviation ensemble. Certaines des premières œuvres que j'ai réalisées étaient des collages liés au travail de Kurt Schwitters (Merz), tout matériau trouvé grossièrement collé sur un morceau de carton—physique, direct, improvisé, accidentel, coloré, même dadaïste. Plus tard, je me suis intéressé à l'Art Minimal, où l'œuvre est souvent précisément planifiée, parfaitement et clairement construite avec une utilisation définie des matériaux et une attention aux détails. Ces deux mouvements sont importants pour moi, et parfois je vois mon travail porter des parts des deux, correspondant entre ces deux positions historiques de l'art."

Daniel Göttin - Sans titre 2 (Rose), 1992. Acrylique sur pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Il est assez difficile de comprendre ses influences, du moins pour moi, car je travaille principalement à partir de l'intuition et non tant de la conscience. Je pense que mes années formatrices en tant qu'étudiant en art à UCLA (BA 74, MFA 77) ont formé une grande partie de ce que je suis. À cette époque, UCLA était une école de peintres avec une orientation européenne/moderniste. Pour mon premier cours de peinture, j'étais inscrit au cours d'introduction à la peinture avec Richard Diebenkorn (je ne savais pas qui il était), mais lui et la direction du corps professoral avaient des problèmes, et son poste a été supprimé avant le début du cours. J'ai donc étudié avec Richard Joseph, un nouveau réaliste, qui m'a donné une base solide. Ce n'est que six mois plus tard, en travaillant dans un cours de peinture plus avancé avec Charles Garabedian, que j'ai commencé à expérimenter l'abstraction. Au fil des ans, le professeur qui a probablement eu le plus d'influence sur moi a été William Brice. Bill était un enseignant et ami très articulé, digne, généreux, réfléchi et drôle. En tant qu'artiste prolifique et travailleur, il parlait souvent de la nécessité de passer du temps dans l'atelier à tout mettre au point et que tout le reste est moins important. Je pense souvent à lui et me sens tellement chanceux de l'avoir connu longtemps. Il a fallu plusieurs années pour me détacher de l'idée d'être un étudiant et d'entendre les voix de mes anciens professeurs dans ma tête chaque fois que je peignais, mais avec le temps, j'ai acquis une claire conscience de qui je suis et de la responsabilité que j'ai de créer des œuvres qui réalisent ma vision. Je vois souvent des aspects d'autres artistes dans mon travail, parfois en sentant qu'il y a vraiment une connexion via les mêmes idées et d'autres fois il semble que toute ressemblance soit juste superficielle. En fin de compte, laissons les critiques d'art parler des influences."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Encre sur papier. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) était mon professeur de gravure il y a 25 ans. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois lorsque je séjournais au Fine Arts Work Center à Provincetown où Michael proposait un atelier d'une semaine sur la gravure. Tant de choses ressortent de notre première rencontre : Michael était une personne incroyablement empathique et socialement consciente, non seulement dans son sujet choisi (dessins et gravures des patients souffrants dans un hôpital psychiatrique et des animaux derrière des barreaux dans un zoo), mais aussi dans nos conversations en tête-à-tête sur la vie. Il m'a appris à être généreuse par l'exemple comme moyen d'équilibrer l'égocentrisme de l'atelier. Il n'y avait rien dans sa technique ou dans la poursuite d'une carrière artistique que Michael ne partageait pas. Michael a passé du temps en Chine à la fin des années 80 et c'est grâce à son amour du paysage asiatique que j'ai appris à simplifier mes gestes, à peindre avec une économie d'expression, quelque chose que je tiens très près de mon cœur. Je n'oublierai jamais son sens de l'humour quand il me disait : « Tracey, this is ungepatchke ! », un mot yiddish signifiant trop occupé et décoré.

Tracey Adams - Balancing Act 2, [2016]. Gouache, graphite et encre sur rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee cite sa première inspiration comme une aquarelle de Paul Cezanne qu'elle a vue à 11 ans, qui a laissé « une impression inoubliable ». Elle ajoute :

"Mon professeur, Klaus Stümpel, était assez proche de la nature pour qu'on le surnomme presque « un fermier ». Il m'a recommandé d'étudier Frantisek Kupka. J'ai étudié son processus d'abstraction et sa perspective cosmique et mystique. Par-dessus tout, j'ai surtout appris son amour de la vie et sa volonté de garder ses pensées. Quand je suis revenu en Corée, j'ai repensé à Kandinsky. Je pense que son désir de trouver une vérité objective et universelle dans l'art est un défi impossible. Je pense que l'art est subjectif et personnel plutôt que toute autre chose. Quand je cherche mon côté intérieur le plus profond, je peux communiquer avec l'intérieur des autres. Je pense que l'art peut être un médium reliant le microcosme (humain) et le macrocosme (monde). Surtout, la couleur est le sujet de ma recherche. Je cherche la couleur comme adjectif. J'aime l'attitude de Richter envers le travail, sa passion pour la peinture, et l'esprit d'expérimentation. Peut-être On Kawara ? J'aime son travail, où il voulait prouver qu'il était vivant, et je veux me prouver à moi-même en travaillant chaque jour que je suis encore vivant, émotionnellement et sensiblement. Mes pensées sur Wassily Kandinsky et beaucoup d'autres Minimalistes sont très différentes de la perspective générale. Je ne suis pas d'accord avec leur point de vue artistique."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrylique sur toile, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman cite des influences qui incluent des artistes ([Ellsworth] Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, et Andy Warhol), des designers (Saul Bass et Roy Kuhlman) et des architectes (Le Corbusier). Mais elle parle aussi des manières personnelles dont la culture a influencé son art, comme dans l'anecdote suivante :

"L'entreprise de mon père était la signalétique. Comme la plupart des enfants urbains en Amérique, j'ai grandi sur la banquette arrière d'une voiture, hyper conscient des panneaux publicitaires et des néons. Les stimuli visuels directs et accrocheurs faisaient partie de ma psyché. Très récemment, je visitais le MoMA à New York et j'ai été de nouveau frappé par la peinture de Barnett Newman « Vir Heroicus Sublimis » (Homme, Héroïque et Sublime) ([1950-51]). Ma réponse viscérale à sa puissance, son immédiateté et sa simplicité a été écrasante, réaffirmant mon propre passé visuel et mon identité."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sur papier Khadi fait main. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Pour moi, c'était Mondrian. Les artistes abstraits de cette époque travaillaient de manière plus conceptuelle avec l'abstraction, ce qui signifie qu'ils aimaient l'idée, tandis que Mondrian travaillait à rebours à travers les mécanismes et en ressortait en réinventant le plan de l'image. Peu nombreux sont ceux qui ont fait cela depuis. J'ai alors pensé qu'il devait y avoir plus de façons d'entrer dans cet étrange espace que Mondrian maîtrisait si clairement. [Ellsworth] Kelly et [Robert] Mangold ont montré d'autres façons d'exprimer cet « autre » espace. L'expérience de ces artistes m'a donné la place pour vraiment apprécier les efforts de mes pairs, et pour m'efforcer de dépasser la prochaine limite."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrylique sur papier. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"J'ai beaucoup aimé et pensé fréquemment au travail de Vija Celmins. Son observation intense et son exécution calme m'inspirent beaucoup. Louise Bourgeois m'a toujours inspiré par sa détermination à s'exprimer dans le meilleur médium pour ses idées. Une inspiration plus évidente serait Agnes Martin, j'aime sa réserve confiante, et Mark Rothko pour l'impact émotionnel que son travail peut provoquer."

Audrey Stone - Nb. 61, 2011. Fil, encre et graphite sur papier. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville mentionne les blockhaus allemands de l'époque de la Seconde Guerre mondiale qui bordent la côte atlantique française. Il dit : « La plupart des gens les considèrent comme des cicatrices laides. À mes yeux, leur substance faisait partie du paysage, le temps les a fusionnés avec le sable, les dunes et la mer ou avec les peintures que les artistes de rue y ont apposées. » De plus, Auville a été marqué par cette expérience de sa jeunesse :

"À l'âge de six ou sept ans, j'ai eu le privilège de visiter la grotte de Lascaux dans le Sud-Ouest de la France. Ce fut un choc pour moi. Mes parents ont acheté quelques fac-similés en souvenir et j'ai passé des heures à les regarder dans le sous-sol de notre maison en me demandant ce qui faisait la différence entre les images et la véritable œuvre d'art. La différence était évidente, mais j'avais du mal à en comprendre la substance. J'allumais et éteignais la lumière, collais du sable sur les images dans une tentative de reproduire la substance des peintures de Lascaux, mais je n'ai jamais atteint ce que je pensais être leur âme."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Ciment pigmenté sur panneaux de mousse. Structure et cadre de suspension à l'arrière. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan mentionne des influences allant d'artistes (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) à des designers d'albums (Hipgnosis, Peter Saville), en passant par des musiciens (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Il dit :

"Dans les années précédant ma puberté, le langage visuel de Piet Mondriaan recevait beaucoup d’attention aux Pays-Bas. J’étais trop jeune pour penser en termes d’art, mais Mondriaan était là, et c’était intriguant. Et ça l’est toujours ! Un peu plus tard, j’ai découvert les Suprématistes qui, comme moi, prenaient les formes géométriques comme point de départ. Comme mes sœurs ont environ cinq ans de plus que moi, j’ai découvert (via leurs petits amis) très tôt dans mon adolescence la musique ‘progressive’ et le design des pochettes qui l’accompagne. Sans surprise, je voulais devenir designer de pochettes d’album. Si je devais choisir un artiste visuel qui a changé ma façon de voir les choses, ce serait Ellsworth Kelly. Au milieu des années 80, le Stedelijk Museum d’Amsterdam a acheté “Blue Curve VI” (1982). J’y allais régulièrement pour l’observer et étudier le langage visuel. Mais maintenant, plus important peut-être, je suis aussi guidé par ma propre réaction à l’art... J’ai commencé à réfléchir à l’art... son but, sa signification, oh là là."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Encre Ultrachrome HD sur papier Hannemuhle. 29,7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Les enseignements de Josef Albers influencent ma manière de penser la mise en couleur dans différents contextes. Et les skyspaces de James Turrell ont influencé ma façon de concevoir la couleur atmosphérique dans divers contextes. En général, l’esthétique globale de mes séries Paper Skies et Moving Pictures est fortement influencée par des peintres américains modernes comme Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (Grand), 2015. Impression par sublimation sur aluminium (finition mate/lustrée). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"J’ai découvert, il y a plus de 20 ans, la chapelle de Ronchamp, une œuvre tardive de l’architecte Charles Edouard Jeanneret, connu sous le nom de Le Corbusier. Je n’ai ressenti, ni avant ni après, une telle perception de la justesse des possibilités entre massivité et élévation. C’est alors que commença pour moi cette longue quête, qui m’alimente encore aujourd’hui, visant à approcher la relation la plus appropriée entre le plein et le vide."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum et pointe sèche sur cuivre. Impression sur papier bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"J’aimerais parler de l’artiste qui m’a inspiré pendant des décennies, plus que tout autre artiste : Matisse, un artiste qu’on pourrait étudier toute une vie. Son œuvre a pris tant de directions grâce à son expérimentation et sa recherche de nouvelles possibilités en peinture. Elles sont belles, exaltantes, complexes, parfois charmantes et sereines, parfois difficiles et exigeantes — reflet de ce qu’est la vie."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Aquarelle sur papier. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Plutôt que de lister ses influences, Cantrick cite les artistes dont le travail l’intéresse le plus, qu’il y ait ou non un lien direct avec son propre travail. Sa courte liste pour l’art moderne et contemporain :

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé et Per Kirkeby. C’est une liste éclectique et non exhaustive, mais ce qu’ils ont en commun, c’est la clarté, la complexité et la vitalité — qui sont mes propres préoccupations — exprimées à travers une couleur et une structure fortes, des formes distinctes et un espace pictural peu profond. Pour le pré-moderne, Vermeer, Degas et Manet sont en tête de ma liste, pour, encore une fois, ce trio d’attributs : clarté, complexité, vitalité. De plus : la tension dans le rendu solide de Vermeer transmet une immobilité incroyablement palpable — la suspension du temps. La manière particulière de Degas de ponctuer son espace avec des zones « silencieuses », non animées et/ou un fort élément vertical favorise une observation prolongée et rythmée. Et il y a une immédiateté et une fraîcheur chez Manet qui, au-delà de toute la maîtrise, est, à son meilleur, captivante."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrylique sur lin. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Dans mon cas, je n’ai pas été influencée par un artiste en particulier, mais plutôt par la communauté artistique où j’ai grandi à Chicago. Il y avait des artistes tout autour dans mon quartier, appelé Lincoln Park ou Old Town, et quand j’ai montré un intérêt pour le dessin avant l’adolescence, on m’a encouragée à aller à l’école affiliée au merveilleux Art Institute of Chicago pour le dessin de figure. Là, je devais traverser directement le Musée avec sa célèbre collection impressionniste pour entrer à l’école. Je pense que cela a essentiellement formé mon intérêt pour la ligne, le geste et la couleur."

Anne Russinof - Look See, 2014. Huile sur toile. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Ma lignée artistique se trouve chez des artistes qui combinent une approche « réductive » de la création d’image/objet avec une attention à la surface et aux détails subtils. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros et Sol Lewitt me viennent à l’esprit. De plus, le travail sculptural de Richard Serra, Carl Andre et Fred Sandback, avec leur utilisation particulière de l’espace tridimensionnel, continue d’inspirer ma démarche picturale."

Macyn Bolt - Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrylique sur toile. 122 x 96,9 cm