Tirer le meilleur parti de la manière la plus simple - Anne Truitt chez Matthew Marks

Une exposition rare de peintures de Anne Truitt est actuellement présentée à la galerie Matthew Marks à New York. Truitt (1921 – 2004) est surtout connue pour ses sculptures, ou structures comme on les appelle le plus souvent. C’est la première grande exposition américaine de ses peintures depuis les années 1970 — seulement deux des 11 œuvres exposées ont été montrées publiquement auparavant. C’est une formidable occasion pour les spectateurs contemporains de réexaminer Truitt — ses structures, ses dessins et ses peintures à la fois. Les lignes subtiles peintes à la main dans ces œuvres bidimensionnelles évoquent des sentiments contrastés de solitude et d’espoir. Les formes imprécises et picturales, légèrement déséquilibrées, paraissent étrangement humaines : imparfaites mais assurées, si différentes que si elle les avait faites en formes géométriques dures et pures. Les relations de couleurs dans ces peintures semblent prendre une nouvelle importance, me poussant à retourner observer à nouveau les relations de couleurs de ses structures. Par ailleurs, les formes des surfaces — certaines hautes et verticales, d’autres horizontales et longues, d’autres parfaitement carrées — confèrent aux compositions une riche variété de caractères. Pleines de personnalité et d’émotion, ces peintures me rappellent que trop souvent Truitt et son œuvre ont été mal comprises. Dans les années 1960, elle fut qualifiée de proto-minimaliste par le cercle artistique masculin new-yorkais, incarné par Clement Greenberg et Donald Judd. Mais Truitt ne voyait pas son travail ainsi. Elle le considérait comme un chemin vers l’expressionnisme. Elle disait : « J’ai lutté toute ma vie pour obtenir un sens maximal dans la forme la plus simple possible. » Après avoir vu des œuvres d’Ad Reinhardt et Barnett Newman au Guggenheim en 1961, elle eut une révélation : elle pourrait insuffler assez de couleur et d’espace dans une œuvre d’art pour peut-être enfin exprimer l’immensité et la profondeur de ses sentiments les plus intimes. Après avoir traduit cette révélation en forme physique, elle décrivit « le vif plaisir de voir ce qui était à l’intérieur de son moi le plus intime se matérialiser en visibilité. »

L’histoire du malentendu

L’histoire de la manière dont Truitt a été mal comprise par les critiques remonte à sa première exposition personnelle, en février 1963 à la galerie André Emmerich à New York. Elle présentait six structures rectangulaires en peuplier peintes à la main. Chaque structure avait été conçue par Truitt puis fabriquée en bois brut par un ébéniste. Truitt appliquait ensuite la peinture, créant des motifs abstraits sur les formes et veillant à laisser visibles les coups de pinceau. Pour Truitt, les relations entre les formes, les couleurs et les qualités matérielles visaient à évoquer une émotion et à susciter une quête de sens. Mais la disposition des œuvres dans l’exposition a perturbé ces intentions. Cette disposition n’avait manifestement pas été faite par Truitt, mais par Kenneth Noland, également représenté par la galerie, et Clement Greenberg. Ils n’auraient pas demandé l’avis de Truitt lors de la préparation de l’exposition, allant même jusqu’à lui suggérer de retirer son prénom du matériel promotionnel pour que les gens ne sachent pas qu’elle était une femme.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Acrylique sur toile. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Avec l’aimable autorisation de la galerie Matthew Marks, New York

Sur les photographies, les structures paraissent imposantes et entassées, regroupées dans une pièce à plafond bas, parfois adossées à un mur. Elles ressemblent plus à des pièces d’un labyrinthe pour souris qu’à des œuvres d’art uniques. Présenter moins d’œuvres, ou les répartir dans un espace plus vaste, aurait permis à chaque structure d’exprimer pleinement ses préoccupations. Au lieu de cela, les œuvres furent interprétées comme des explosions anonymes et dénuées de sens du minimalisme. C’est exactement ce que voulait le cercle masculin. Judd avait exposé ses premières structures minimalistes quelques mois plus tôt dans une exposition collective dans la même galerie. Et c’est dans son essai sur l’exposition de Truitt que Clement Greenberg affirma pour la première fois à tort que son travail « anticipait le minimalisme ». Comme pour presque tout ce que ces hommes faisaient et disaient, il ne s’agissait pas de Truitt, mais d’eux-mêmes. Ils ont enfermé Truitt dans une fausse case critique pour se positionner comme les interprètes clés du déroulement linéaire de l’histoire de l’art, dominée par des hommes blancs. Depuis, les spectateurs sont restés perplexes quant à Truitt et aux intentions de son œuvre.

Anne Truitt - Druid, 1992. Acrylique sur toile. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Avec l’aimable autorisation de la galerie Matthew Marks, New York

Découvrez la véritable Truitt

Malheureusement, beaucoup de critiques d’art ne sont guère meilleurs aujourd’hui. Cette exposition de peintures de Truitt à la galerie Matthew Marks suit de près une autre grande exposition intitulée In The Tower: Anne Truitt, qui s’est terminée en avril 2018 à la National Gallery of Art de Washington, DC. Cette exposition mettait en lumière une sélection d’œuvres de Truitt récemment acquises par le musée. Parmi les pièces exposées figuraient la structure verticale jaune et blanche envoûtante « Mary’s Light » (1962), et la structure horizontale aux deux tons de bleu surnaturelle « Parva XII » (1977). Ces œuvres en particulier vibrent de nuances et de poésie visuelle. La peinture imite les voix des formes ; les relations de couleurs conspirent à la fois avec et contre la gravité. Un observateur attentif pourrait facilement être ému aux larmes par leur puissance émotionnelle — cela commence dans l’œil, mais se propage rapidement à l’esprit et au cœur.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Acrylique sur toile. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Avec l’aimable autorisation de la galerie Matthew Marks, New York

Mais comme à l’époque de Greenberg et Judd, l’écrivain le plus influent à couvrir cette exposition — Philip Kennicott du Washington Post, lauréat du prix Pulitzer — a minimisé Truitt plutôt que de rendre justice à son œuvre. Kennicott s’est surtout concentré sur la vie privée que menait Truitt. Il a fait des commentaires mesquins sur les cercles sociaux dans lesquels elle évoluait et les commérages qui les entouraient. Il a à peine mentionné l’art, et quand il l’a fait, ce n’était pas de manière critique : prenez par exemple sa remarque scandaleuse et manifestement offensante selon laquelle une sélection de sculptures de Truitt « se tiennent à distance les unes des autres avec une certaine réserve WASP ». Que cela signifie-t-il même ? Quoi qu’il en soit, cela en dit plus sur l’écrivain que sur l’art. Anne Truitt : Peintures à la galerie Matthew Marks est une occasion de repartir à zéro avec l’œuvre importante que cette artiste sous-estimée a créée. Elle offre une porte d’entrée vers les nuances et les subtilités qui ont nourri tout le reste de son travail. Si vous avez la chance de la voir, suivez seulement ce conseil : ignorez les critiques et laissez l’œuvre parler d’elle-même. Anne Truitt Peintures est visible à la galerie Matthew Marks New York jusqu’au 27 octobre 2018.

Image en vedette : Anne Truitt - Brunt, 1974. Acrylique sur toile. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Avec l’aimable autorisation de la galerie Matthew Marks, New York
Par Phillip Barcio