Un nouveau livre rend hommage à Alice Trumbull Mason, pionnière de l'abstraction américaine

Alice Trumbull Mason était une rareté dans le domaine de l'art : une praticienne acharnée, entièrement motivée par le désir d'apprendre. Mason est décédée en 1971, à l'âge de 67 ans, laissant derrière elle des centaines de peintures et de gravures qui la placent parmi les artistes les plus prémonitoires et les plus talentueux de son temps. Insensible aux tendances et sans cesse vouée à l’expérimentation, elle crée une œuvre qui transcende le temps. Une monographie majeure documentant plus de 150 de ses peintures et présentant des essais perspicaces sur Mason par des écrivains d'art contemporain tels qu'Elisa Wouk Almino de Hyperallergic, est à paraître chez les éditeurs Rizzoli Electa à New York (elle peut être pré-commandée dès maintenant). Bilan le plus complet de sa carrière à ce jour, il sera apprécié pour ses magnifiques reproductions en pleine page d'un grand nombre de ses œuvres. Pourtant, l’accueil que reçoit déjà le livre est un peu étrange. L’étrangeté est incarnée par le titre d’une récente critique écrite par Roberta Smith pour le New York Times, qui qualifie Mason de « moderniste oublié ». Cette affirmation, selon laquelle Mason n’était pas appréciée à son époque, ou a été ignorée depuis sa mort, est moins un fait qu’une hyperbole destinée à nourrir l’appétit du marché de l’art pour des œuvres et des artistes qui ont soi-disant été « négligés ». Je la rejette en tant que théorie dans ce cas uniquement parce que je connais trop d’artistes réels qui existent dans le domaine de l’art réel. La plupart des artistes adoreraient avoir la carrière d’Alice Trumbull Mason. Pendant quatre décennies, elle a présenté six expositions personnelles à New York, a cofondé American Abstract Artists, s'est liée d'amitié et a appris auprès de plusieurs des artistes les plus réputés de son temps et a vendu des œuvres à certaines des personnalités les plus influentes du monde de l'art. , dont Hilla Rebay et Peggy Guggenheim. Dans une réalité où l’écrasante majorité des artistes n’ont jamais une seule exposition personnelle à New York et ne vendent jamais de tableaux, Mason a connu un succès retentissant. Plutôt que de laisser le marché de l’art déformer son héritage pour l’adapter à son récit corrompu, nous devrions rendre hommage à ce que Mason a réellement fait.

Une histoire personnelle de l'art

Un témoignage du genre d'artiste qu'était Alice Trumbull Mason peut être trouvé dans les Smithsonian Archives of American Art, où ses papiers personnels ont été donnés. La collection comprend un cahier sur la couverture duquel Mason a écrit « Histoire de l’art » à la main. À l’intérieur de ses pages (disponibles en ligne) se trouvent des réflexions personnelles sur la vie et les œuvres d’une vingtaine de maîtres classiques. Au lieu de lire et de régurgiter l’histoire de l’art, Mason s’est rendu en Europe et a personnellement visité des œuvres influentes, prenant le temps d’en apprendre davantage sur les humains qui les ont réalisées. Son livre personnel d'histoire de l'art comprend à la fois des observations plastiques et des aperçus sur la vie intérieure des artistes. Les deux sont également révélateurs. Par exemple, elle note que Michel-Ange ne voulait pas peindre la chapelle Sixtine et qu'il en voulait également à beaucoup de ses autres clients. Le fait qu'il soit devenu l'un des artistes les plus célèbres de tous les temps n'avait aucune importance pour Mason : elle était plus intéressée par le fait qu'il était malheureux parce qu'il n'avait pas la liberté de peindre ce qu'il voulait.

Alice Trumbull Mason - #1 Vers un paradoxe, 1969. Huile sur toile. 19 x 22 pouces (48,3 x 55,9 cm). Galerie Washburn, New York.

Au sujet de la plasticité de l’art, Mason prend note d’une citation du sculpteur de la Renaissance Donatello, qui disait : « Vous perdez la substance pour l’ombre ». Dans son cas, Donatello parlait des effets de changements audacieux de luminosité et d’obscurité, connus sous le nom de clair-obscur. Même si les détails d'une silhouette peuvent être perdus lorsque la lumière frappe les plis d'un tissu sculpté ou les crêtes des muscles sculptés, le drame et le réalisme émergent de la sensation de profondeur perçue créée par l'ombre. Mason a lu quelque chose d'encore plus profond dans ses paroles. Elle voit dans cette citation une référence au potentiel de l’abstraction. L'ombre est devenue une métaphore de l'inconnu. Tout comme l’inconnu faisait paraître une sculpture réelle à Donatello, l’inconnu représentait ce qu’il y avait de plus réel pour Mason. Elle considérait l’art abstrait comme le type d’art le plus représentatif : c’était l’inconnu, et non le connu, qu’elle s’efforçait de représenter.

Alice Trumbull Mason - Sans titre, ca. 1939. Huile sur toile. 30 x 40 pouces (76,2 x 101,6 cm). Galerie Washburn, New York.

Un véritable pionnier

Le titre de la prochaine monographie sur Mason—Alice Trumbull Mason : Pionnière de l'Abstraction Américaine—ne pourrait pas être plus approprié. Pour moi, il rappelle le vieil adage américain des premiers jours de l'expansion vers l'ouest : « Les pionniers se font massacrer ; les colons s'enrichissent. » L'art n'a peut-être jamais fait de Mason une fortune, mais ce que vous trouverez dans les pages de cette monographie est la preuve d'une artiste qui n'a jamais été satisfaite. Dès 1929, alors qu'elle avait 25 ans, Mason était dévouée aux possibilités spirituelles séculaires contenues dans l'art abstrait. Elle a étudié avec plaisir des théories conflictuelles, oscillant entre le biomorphisme d'artistes comme Wassily Kandinsky, Joan Miro, et l'un de ses mentors personnels, Arshile Gorky, et la pureté géométrique et plastique d'artistes comme Piet Mondrian. Elle a oscillé entre ces deux positions tout au long de sa vie. En 1945, lorsque Hilla Rebay a monté la Kandinsky Memorial Exhibition, qui présentait 227 peintures, Mason a écrit une lettre personnelle à Rebay la remerciant de lui avoir donné la chance « d'étudier si pleinement » tant de ses œuvres en personne. Pourtant, seulement un an plus tard, Mason ajoutait déjà des rectangles, et ce qu'elle appelait une structure « architecturale », à ses compositions dans l'esprit Néo-Plastique de Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Dessin pour "Colorstructive Abstraction", 1947. Huile sur masonite. 26 1/2 x 23 po (67,3 x 58,4 cm). Galerie Washburn, New York.

En fin de compte, Mason est restée fidèle à deux principes directeurs dans son travail qui ont éclipsé toute préoccupation superficielle concernant le contenu. La première était sa conviction – qu’elle réalise des peintures ou des gravures, des compositions biomorphiques ou géométriques – de l’importance de la liberté personnelle lorsqu’il s’agit de savoir quel art créer et comment le créer. Et la seconde était sa conscience que le médium lui-même était l’élément le plus important et le plus expressif de l’art abstrait. Comme tous les grands artistes, la magie de son travail ne réside pas dans son CV d’exposition, ni dans ses prix de vente aux enchères, ni dans le nombre de collectionneurs contemporains qui connaissent désormais son nom : elle réside dans la plasticité ekphrastique de la peinture elle-même.

Image en vedette : Alice Trumbull Mason - Bâton, quenouille et bâton, 1952. Huile sur toile. 34 3/8 x 42 po (87,3 x 106,7 cm). Galerie Washburn, New York.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio