Un nouveau livre rend hommage à Alice Trumbull Mason, pionnière de l'abstraction américaine

Alice Trumbull Mason était une rareté dans le domaine artistique : une pratiquante acharnée motivée entièrement par le désir d’apprendre. Mason est décédée en 1971, à l’âge de 67 ans, laissant derrière elle des centaines de peintures et d’estampes qui la placent parmi les artistes les plus prévoyants et talentueux de son époque. Immunisée contre les modes, et inlassablement dévouée à l’expérimentation, elle a créé un ensemble d’œuvres qui transcende le temps. Un important monographie documentant plus de 150 de ses peintures, et comprenant des essais éclairants sur Mason par des écrivains d’art contemporains tels qu’Elisa Wouk Almino de Hyperallergic, sera prochainement publié par les éditions Rizzoli Electa à New York (il peut être précommandé dès maintenant). L’évaluation la plus complète de sa carrière à ce jour, il sera précieux pour ses magnifiques reproductions pleine page de tant de ses œuvres. Pourtant, l’accueil que reçoit déjà ce livre est un peu étrange. Cette étrangeté se manifeste dans le titre d’une critique récente écrite par Roberta Smith pour le New York Times, qui qualifie Mason de « Moderniste oubliée ». Cette affirmation, selon laquelle Mason n’aurait pas été appréciée de son vivant, ou aurait été ignorée depuis sa mort, est moins un fait qu’une hyperbole destinée à nourrir l’appétit du marché de l’art pour des œuvres et artistes soi-disant « négligés ». Je la rejette comme théorie uniquement dans ce cas parce que je connais trop d’artistes réels qui existent dans le véritable domaine artistique. La plupart des artistes aimeraient avoir la carrière qu’a eue Alice Trumbull Mason. Pendant plus de quatre décennies, elle a eu six expositions personnelles à New York, cofondé American Abstract Artists, s’est liée d’amitié et a appris auprès de plusieurs des artistes les plus respectés de son temps, et a vendu des œuvres à certaines des figures les plus influentes du monde de l’art, dont Hilla Rebay et Peggy Guggenheim. Dans une réalité où la grande majorité des artistes n’ont jamais une seule exposition personnelle à New York, et ne vendent aucune peinture, Mason a été un succès retentissant. Plutôt que de laisser le marché de l’art déformer son héritage pour l’adapter à son récit corrompu, nous devrions rendre hommage à ce que Mason a réellement accompli.

Une histoire personnelle de l’art

Un témoignage du type d’artiste qu’était Alice Trumbull Mason se trouve dans les Archives Smithsonian de l’Art Américain, où ses papiers personnels ont été donnés. La collection comprend un carnet, sur la couverture duquel Mason a écrit à la main « Histoire de l’art ». À l’intérieur de ses pages (disponibles en ligne) se trouvent des réflexions personnelles sur la vie et les œuvres d’une vingtaine de maîtres classiques. Plutôt que de lire et régurgiter l’histoire de l’art, Mason est allée en Europe et a visité personnellement des œuvres influentes, prenant aussi le temps d’apprendre sur les humains qui les ont créées. Son livre personnel d’histoire de l’art comprend à la fois des observations plastiques et des aperçus sur la vie intérieure des artistes. Les deux sont également révélateurs. Par exemple, elle note que Michel-Ange ne voulait pas peindre la chapelle Sixtine, et qu’il en voulait à beaucoup de ses autres mécènes aussi. Le fait qu’il soit devenu l’un des artistes les plus célèbres de tous les temps était sans importance pour Mason — elle s’intéressait davantage au fait qu’il était malheureux parce qu’il n’avait pas la liberté de peindre ce qu’il voulait.

Alice Trumbull Mason - #1 Vers un paradoxe, 1969. Huile sur toile. 48,3 x 55,9 cm (19 x 22 pouces). Galerie Washburn, New York.

Sur le sujet de la plasticité de l’art, Mason note une citation du sculpteur de la Renaissance Donatello, qui disait : « On perd la substance pour l’ombre. » Dans son cas, Donatello parlait des effets des changements audacieux de clarté et d’obscurité, connus sous le nom de clair-obscur. Bien que les détails d’une figure puissent être perdus lorsque la lumière frappe les plis d’un tissu sculpté, ou les crêtes de muscles sculptés, le drame et le réalisme émergent du sens perçu de profondeur que crée l’ombre. Mason a lu quelque chose d’encore plus profond dans ses paroles. Elle a vu dans cette citation une référence à la potentialité de l’abstraction. L’ombre est devenue une métaphore de l’inconnu. Tout comme l’inconnu faisait paraître une sculpture réelle à Donatello, l’inconnu représentait ce qui était le plus réel pour Mason. Elle considérait l’art abstrait comme le type d’art le plus représentatif — c’était l’inconnu, plutôt que le connu, qu’elle cherchait à représenter.

Alice Trumbull Mason - Sans titre, vers 1939. Huile sur toile. 76,2 x 101,6 cm (30 x 40 pouces). Galerie Washburn, New York.

Une pionnière totale

Le titre du prochain monographie sur Mason — Alice Trumbull Mason : Pionnière de l’abstraction américaine — ne pourrait être plus approprié. Pour moi, il rappelle le vieil adage américain des premiers jours de l’expansion vers l’ouest : « Les pionniers se font massacrer ; les colons s’enrichissent. » L’art n’a peut-être jamais fait fortune à Mason, mais ce que l’on trouve dans les pages de ce monographie est la preuve d’une artiste qui ne s’est jamais installée. Dès 1929, alors qu’elle avait 25 ans, Mason était dévouée aux possibilités spirituelles laïques contenues dans l’art abstrait. Elle étudiait volontiers des théories contradictoires, oscillant entre le biomorphisme lyrique d’artistes comme Wassily Kandinsky, Joan Miró, et l’un de ses mentors personnels, Arshile Gorky, et la pureté géométrique et plastique d’artistes comme Piet Mondrian. Elle a oscillé entre ces deux positions tout au long de sa vie. En 1945, lorsque Hilla Rebay organisa l’exposition commémorative Kandinsky, qui présentait 227 peintures, Mason écrivit une lettre personnelle à Rebay la remerciant de lui avoir donné la chance « d’étudier si pleinement » tant de ses œuvres en personne. Pourtant, un an plus tard seulement, Mason ajoutait déjà des rectangles, et ce qu’elle appelait une structure « architecturale », à ses compositions dans l’esprit néo-plastique de Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Dessin pour « Abstraction colorstructive », 1947. Huile sur masonite. 67,3 x 58,4 cm (26 1/2 x 23 pouces). Galerie Washburn, New York.

En fin de compte, Mason est restée fidèle à deux principes directeurs dans son travail qui éclipsaient toute préoccupation superficielle concernant le contenu. Le premier était sa conviction — qu’elle réalisait des peintures ou des estampes, des compositions biomorphiques ou géométriques — de l’importance de la liberté personnelle quant à ce qu’il faut créer en art, et comment le créer. Et le second était sa conscience que le médium lui-même est l’élément le plus important et expressif de l’art abstrait. Comme tous les grands artistes, la magie de son œuvre ne réside pas dans son CV d’expositions, ni dans ses prix aux enchères, ni dans le nombre de collectionneurs contemporains qui connaissent maintenant son nom — elle réside dans la plasticité ekphrastique de la peinture elle-même.

Image en vedette : Alice Trumbull Mason - Bâton, quenouille et tige, 1952. Huile sur toile. 87,3 x 106,7 cm (34 3/8 x 42 pouces). Galerie Washburn, New York.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio